Fundación Ama Amoedo Becas para artistas Latinoamericanos

26/04/2023 por Hoornik Art

ES BECAS Gacetilla de Prensa Fundacion Ama Amoedo 2023

Fundación Ama Amoedo

Convocatoria Abierta: Becas

Fundación Ama Amoedo abrió la convocatoria de las Becas Fundación Ama Amoedo. Con el objetivo de brindar recursos y oportunidades para el fortalecimiento del ecosistema del arte y sus instituciones, se otorgarán un total de $100.000 dólares, correspondientes a 10 becas de 10.000 dólares: Artistas (cuatro becas), Arte y Compromiso social(dos becas), Organizaciones(dos becas) y Publicaciones(dos becas). Mediante convocatoria abierta, la Fundación recibirá aplicaciones hasta el 15 de mayo del 2023. Podrán aplicar artistas, colectivos, organizaciones sin fines de lucro, asociaciones, instituciones y fundaciones que posean una conexión significativa con América Latina, sea por nacionalidad, herencia cultural o sitio donde se realizará el proyecto presentado.

El jurado está compuesto por: Sonia Becce (Curadora independiente, Argentina), Marina Reyes Franco (Curadora Museo de Arte Contemporáneo, Puerto Rico), Yudi Rafael (Curador e investigador independiente, Brasil) y Verónica Flom (Directora, Fundación Ama Amoedo).
En la página web de la Fundación Ama Amoedo se encuentran las bases y condiciones y el formulario de aplicación, disponibles en español, portugués e inglés.

Artistas

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Artistas están destinadas a artistas y/o colectivos artísticos cuyas prácticas estén abocadas a las artes visuales. Se aceptarán propuestas específicas de investigación o creación artística, tales como: producción de obra o exhibiciones que, en primera instancia, no estén asociados a espacios comerciales, desarrollo de un proyecto, archivo y preservación de su propio trabajo, entre otros ejemplos. Dos de las cuatro becas se destinarán a artistas de Argentina y Uruguay.

Arte y Compromiso social

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Arte y Compromiso Social están destinadas a apoyar iniciativas específicas que, a través de las artes, contribuyan a generar un impacto positivo en la sociedad. Se aceptarán proyectos que utilicen la práctica artística para promover la educación, la inclusión social y la puesta en valor de la comunidad con el objetivo de acompañar prácticas sociales y colaborativas. Están dirigidas a artistas, fundaciones, cooperativas sin fines de lucro, colectivos, asociaciones.

Organizaciones

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Organizaciones están destinadas a apoyar proyectos específicos de instituciones u organizaciones sin fines de lucro orientadas a promover, preservar y difundir el trabajo de artistas latinoamericanos. Se aceptarán iniciativas que contribuyan directamente con el ecosistema del arte, tales como archivos, programas públicos, intercambios culturales, entre otros.

Publicaciones

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Publicaciones están destinadas a contribuir con publicaciones de arte y/o de artistas latinoamericanos. Podrán aplicar entidades artísticas sin fines de lucro, individuos y editoriales de pequeña y mediana escala. Se otorgarán becas a proyectos editoriales concretos, con un plazo máximo de realización de 2 años a partir de la recepción de la beca.

Fundación Ama Amoedo es una organización sin ánimo de lucro concebida con la misión de crear un impacto duradero en el ecosistema del arte contemporáneo latinoamericano. La Fundación Ama Amoedo busca ampliar el diálogo y las redes de conectividad de las artes de América Latina, el Caribe y su diáspora, con un enfoque especial en las escenas de Argentina y Uruguay.

Sobre la Fundadora

Amalia Amoedo es filántropa, mecenas y coleccionista de arte. Durante más de veinte años, ha apoyado activamente a artistas, agentes culturales y numerosas instituciones de manera independiente, consolidando en la creación de la Fundación Ama Amoedo numerosos años de trabajo acompañando la escena del arte contemporáneo.

Bs.As. Argentina

[email protected]

COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

27/10/202324/04/2023 por Hoornik Art

COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

La integración sutil de la creación contemporánea hiperrealista y atómica, se definen teñidos por un monstruoso romanticismo

Esta exposición combina obras de inteligencia artificial, pinturas, esculturas de diversos materiales, e instalaciones que reflexionan sobre la inmensidad: Los movimientos opuestos del terror al romanticismo, engloban la incertidumbre que abarcamos en la contemporaneidad. Las obras dialogan entre distintas cuestiones que representan nuestra aproximación a la realidad, desde el deterioro y la ansiedad, el estado de la hipperrealidad atómica, la virtualidad, y la propuesta placentera del romanticismo. La conexión del mundo a través de la destrucción y el nuevo poder de creación hoy manipulado por la tecnología.

Heshka Ryan es quien con su obra “Protection no longer assured” engloba la nueva exposición de Colección Solo. Autor de “Chicas Malas” comic de 2015, admirador de las mujeres, quienes para él, buscan constantemente cambiar las cosas que siguen sin funcionar en la actualidad. El artista presentó sus ilustraciones en varias revistas, como Vanity Fair, Playboy o en el New York Times.

Repetidas veces redefinimos “sublime” ó “sútil” en un estado de posmodernidad absoluto, vanguardista con aires retro, sigue el movimiento de cine asiático “kaiju” que denomina “bestia”, o “moustruo”. Su origen fue dado con la película de animación “Gozilla”, estas criaturas atacan o protegen al mundo o la humanidad en el género “tokusatsu”.

Esta combinación también vista en la obra de Heshka Ryan con super héroes retro, y hongos explosivos, bombas nucleares realizados con inteligencia artificial, completan la colección y me llevan a pensar en el concepto del posmodernismo “cíclos híbridos” de García Canclini, donde unimos nuevas concepciones para crear en este caso “el romanticismo del terror»: Una nueva realidad que nos lleva a obras figurativas de artistas como Erik White, fantasías de criaturas disociadas y abrumadas pero felices, sedadas en el estado de placer y explosión de dopamina de Grip Face, una enorme interpretación de la receptividad pintada en mujer, por Sandra Vasquez de la Horra, dónde la mujer expone sus centros energéticos de conectividad hacia la tierra y se ve desfigurada por lo que ocurre. Sigo el recorrido, y me encuentro con otro simbolismo receptivo, analógico, que completa la transición de una sala a la otra. Antes de entrar a sumergime en las obras de Paco Pommet, la obra espejo por Ampparito: “Objeto luminoso que se hace sombra con su propia luz”, otro simbolismo de integración, que responde a si mismo, sin parámetros complejos, sobre la dualidad luz/oscuridad.

Esta colección es sublime en cuanto a su aspecto terrorífico y armónico de integración de los opuestos, vivencia que se ve reflejada en la representación atómica de la guerra las bombas de Dagoberto Rodriguez, las cuales normalizan las armas de guerra frente a un mural urbano y simpático sin maldad, de Diaz Faes. Y anteriormente, en una sala con un dedo que gira sobre si mismo, transgrediendo tiempo y espacio obra de Mika Rottenberg Finger.
Se encuentra también el hombre-perro, hecho de plastilina y piedras de Agatha por David Altmejd, la obra más llamativa del espacio contiene la vivencia post apocalíptica en su espalda y extremidades, hace referencia a la condición sometida del hombre a existir en un mundo creado simbólicamente por la capacidad creadora de su espíritu. La escultura, se encuentra en el estado de despertar de una vida típica de oficina, con un cigarrillo en la mano, se diluye entre la anomalía animal-humana. Y enfrente, la ilusionada obra de la naturaleza despierta un paraíso en contraste, el oasis de ensueños por Jorge Rios “This was the first color” y “This was the first gloom” en referencia al origen del todo, un arcoiris al final de una cascada.

Por último, la obra de Studio Smack, “Black Friday” la cual hace referencia a las conductas masivas, ya sean de consumismo, o el simple “copy paste” de coacción que representa a las masas. Es una obra digital que muestra distintas criaturas, también moustruosas, en la lucha para llegar a la parte más alta de la torre humana que la compone. El algoritmo no permite sino de manera aleatoria, adivinar quien será la próxima en aplastar a todas las demás y alcanzar la cima.
Esta exposición en Colección Solo, es una espeluznante radiografía de la barbarie contemporánea, humanizada y modernizada en el romanticismo que atraviesa nuestra sociedad respecto a lo concebido como sublime en la actual revolución tecnológica.

Autor: Camila Tapia San Martin

Semana del arte en Madrid 2023, Feria Arco y UVNT

12/03/2023 por Hoornik Art

Semana del arte en Madrid

Feria Arco y UVNT- Urvanity Art Fair

Como siempre, llegar a la semana del arte es un desafío, entender todo lo que ocurre en sincrónico es en gran parte, ir de un lugar a otro, sin dejarse absorber, sino estar abierta a conectar con esas obras que naturalmente van con mi visión, artistas que reconozco y generan un diálogo diferente, atractivo, por algún motivo, en cada una de las ferias o recorridos en los que doy con sus obras.

Profundizo en lo que siento que tiene una escencia conectada con algo más, a veces es mi simple asociación con momentos y obras anteriores de artistas, los televisores usados, utilizados, nos muestran de forma analógica el paso del tiempo y su conectividad al presente. Una obra de arte contemporáneo es también, un valor simbólico que ciertos artistas comparten, en distintas escenas ó contextos, el tiempo que les representa el soporte en el que se apoyan para mostrarse.

Me resulta curioso, cuando las galerías que llaman mi atención son Alemanas, o de Europa del Norte, incluso más que las galerías que convocan artistas orientales, creo que me sorprendo cuando la curaduría de una galería como Nicolai Wallner de Dinamarca, apela a artistas con obras abstractas, lúgubres, esculturas en formato 3d en una gama de colores en cromática en constraste.
Este año en ARCO Madrid, las artistas mujeres no lograron vender más que en otros años. Se realizó un camino para abordar la temática feminista, desde una re lectura de la historia del arte, por ejemplo, Maria Acha-Kurscher, artista peruana, recibió un premio por su obra “La rabbia di Proserpina”, por su obra de distintos retratos bíblicos, de estilo renacentista y barroco, donde las mujeres son sorprendidas en actos violentos. Vendida por un precio de 1200 euros y 7000 total.
La Fundación ARCO celebró su 27ª edición en Madrid y ha ampliado los fondos de su Colección con nueve obras adquiridas en ARCOmadrid 2023. Durante los cinco días de feria, participaron 211 galerías de 36 países y más de 450 coleccionistas internacionales y 200 profesionales invitados, y alrededor de 95,000 visitantes. La Fundación ARCO ha entregado los Premios “A” al Coleccionismo, que reconocen a tres colecciones: Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (Premio “A” a la Colección Privada Latinoamericana); collegium.art: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (Premio “A” a la Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo), y Alejandro Lázaro y Alejandra González (Premio “A” a la Colección Joven Privada Nacional). La cena de la Fundación ARCO ha recaudado fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección. Además, el Museo Reina Sofía ha comprado 26 obras de 18 artistas procedentes de galerías participantes en la feria.

Arco adquirió obras de los siguientes artistas gracias a la recaudación de fondos por un total de 400 mil euros:

Las obras corresponden a Diego Bianchi (Galería Jocelyn wolff), Nilbar Güresà (Martín Janda), Eftihis Patsourakis (Galería Rodeo), Solange Pessoa (Galería Mendes Wood), Jenna Sutela (Galería Sociètè) y a Joan Prats (Galería Tadáskía). A éstas se suman una obra de Momu & No Es (Galería House Of Chappaz) y de Juan Silió (Galería Nora Aurrekoetxea), obtenidas por el Consejo Internacional de la Fundación ARCO. Además, gracias a la donación de Frèdèric Malle se incorpora a la Colección una obra de Laìs Amaral, de la galería HOA.

Muchas otras fundaciones como: Fundacion Aldo Rubino, Fundación Helga de Alvear, el museo Thyssen, la fundación Maria Jose Jove, la fundación Maria Masuveu Peterson, y Colección SOLO. Han adquirido obras de la feria para sus colecciones, incluido el ayuntamiento de Madrid.

Este año fuimos invitados a recorrer el stand ABC cultural, conocimos la obra del artista tinerfeño Cristóbal Tabáres. Su pieza consiste en una aglomeración de cisnes que ha ido recopilando a lo largo de su vida. Una montaña de pájaros de porcelana, de diferentes colores y tamaños que representan toda la cultura “kitsch” que él admira.

Una de las obras que resaltó fue “Capilla ardiente” de Eugenio Merino, en el stand de la galería ADN de Barcelona, quien “volvió a matar a Picasso”. Al acercarse a la obra podías sentir esta vibración de los visitantes en honor al artista, la contemplación masiva de la obra y el acontecimiento inminente de la “muerte” figurada presente, lo que resultó emblemático en la feria y su repercusión.

El recorrido por la Feria Arco, este año, tuvo una importante escena de artistas latinoamericanos. Las galerías argentinas que participaron fueron: Ruth Benzacar, Rolf art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería.

En la feria UVNT ART, descubrí a Miju Lee, y sus esculturas graciosas, peludas y macizas de caricaturas sonrientes sin cara. La figuración abstracta y surrealista de Helena Toraño, galerías como Kells Art collection, La Bibi art gallery, Trinta, The artist pool, Ineditad, Pictorium Gallery, Galeria Victor Lopez.

Jeff Koons, «Pequeño accidente»

24/02/202322/02/2023 por Hoornik Art

Jeff Koons

La obra del artista se hizo pedazos en Art Wynwood Miami, y generó repercusión

Jeff Koons, escultor, empresario y pintor estadounidense, artista conceptual, pop, minimalista, para algunos el principal artista kistch. Una de sus esculturas en cuestión, de las más famosas y representativas, era la pieza de porcelana Balloon Dog, ahora expuesta en Art Wynwood Miami. Esta escultura tenía unos 38 centímetros de alto y de color azul.

La coleccionista que vivió la experiencia de romper un Jeff Koons de 42.000 mil dólares, tuvo la suerte de no tener que pagar por ella, ya que estaba asegurada.

Faara conecta

14/02/2023 por Hoornik Art

Faara conecta

Open Call para Residencia Artística en Casa Wabi

FAARA CONECTA es una iniciativa para que artistas de Argentina y Uruguay participen de residencias internacionales en alianza con la Fundación Ama Amoedo. Los objetivos son facilitar el diálogo entre artistas, ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. Lxs artistas participantes en cada una de las residencias serán seleccionadxs por cada organización a través de sus métodos habituales, ya sea convocatoria abierta, nominación, invitación, etc. Las residencias apoyadas, con sus fechas y condiciones de aplicación, serán anunciadas en nuestra página web, nuestras redes sociales y newsletter.

Diciembre de 2022.- Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi tienen el placer de anunciar su primera alianza institucional que tendrá lugar en 2023. La iniciativa forma parte del programa de residencias en Puerto Escondido de Fundación Casa Wabi y de residencias de la Fundación Ama Amoedo en José Ignacio, Uruguay.

Mediante convocatoria abierta serán seleccionados cuatro artistas para participar en dos modalidades de residencia: una residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, Oaxaca, México) destinada a dos artistas de Argentina y una residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna (José Ignacio, Uruguay), destinada a dos exresidentes de ciudadanía mexicana de Casa Wabi.

La Fundación Ama Amoedo celebra esta alianza con Fundación Casa Wabi, en el marco de su nuevo programa FAARA Conecta, que tiene como objetivo ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. La residencia en Casa Neptuna es una edición especial de la residencia interdisciplinaria FAARA Sur.

Open Call para Residencias en alianza con Fundación Casa Wabi

Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi en alianza abren la convocatoria para residencias en México y en Uruguay.
A través de convocatoria abierta, cuatro residentes serán seleccionados para participar de una de las siguientes modalidades:

—Residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, México) para dos artistas de nacionalidad Argentina (viviendo dentro o fuera del país).
—Residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna, Fundación Ama Amoedo (José Ignacio, Uruguay) para dos ex residentes de Casa Wabi mexicanos (viviendo dentro o fuera del país).

Cierre de convocatorias: sábado, 28 de febrero, 2023

Sobre Fundación Casa Wabi

Fundación Casa Wabi es una organización sin fines de lucro que fomenta un intercambio entre el arte contemporáneo y las comunidades locales en tres sedes: Puerto Escondido, Ciudad de México y Tokio. Su nombre se origina en la filosofía japonesa de Wabi-Sabi, la cual busca la belleza y la armonía en lo simple, lo imperfecto, y lo poco convencional. Nuestra misión se enfoca en forjar un desarrollo social a

través de las artes, misma que llevamos a cabo por medio de cinco programas clave: residencias, exhibiciones, barro, cine y biblioteca móvil.

Casa Wabi se encuentra en la costa del Pacífico, a 20 minutos del aeropuerto de Puerto Escondido, Oaxaca. Situada entre las montañas y el mar, la sede principal fue diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando y sobre la base de una iniciativa desarrollada por el artista mexicano Bosco Sodi. Las instalaciones incluyen una sala de usos múltiples, seis dormitorios independientes, dos estudios cerrados y otros seis abiertos, un espacio expositivo de 450 m2 y diversas áreas de trabajo que, en conjunto, crean el entorno ideal para recargar energías entre otros artistas.

El programa de residencias de Fundación Casa Wabi está dirigido a artistas nacionales e internacionales y busca generar un diálogo horizontal con las comunidades aledañas a Casa Wabi. Las residencias propician encuentros multidisciplinarios entre distintas generaciones que estimulen sus inquietudes experimentales y creativas, y que contribuyan al desarrollo del tejido social y cultural de la zona. Es por ello que solicitamos a los residentes el desarrollar un proyecto o actividad para compartir e involucrarse con las comunidades. El programa busca fomentar tres elementos clave para el equilibrio de nuestra misión: la inspiración creativa de los residentes, la relación con otros artistas y el equipo de la fundación, y el intercambio activo con las comunidades.

¿Quiénes pueden aplicar?

Pueden aplicar artistas de ciudadanía argentina, residiendo en el país o en el exterior, mayores de 18 años, de todas las disciplinas.

¿Cómo envío mi aplicación?

Las aplicaciones deberán ser enviadas en un PDF unificado (tamaño máximo de 25 MB), y debe incluir lo siguiente:

Una propuesta de 500 palabras, para un proyecto que se realizará con y en beneficio de las comunidades locales de los pueblos que rodean Casa Wabi.
Hasta 5 imágenes que resuman su práctica artística
CV actualizado

Nota: No se tendrán en cuenta las solicitudes enviadas en un formato diferente.
¿Cuáles son los requisitos y el plazo del proyecto?
El proyecto debe realizarse y terminarse dentro de los plazos de la residencia, que dura seis semanas. ¿Cuándo es la residencia?
La residencia se llevará a cabo del 20 de octubre al 26 de noviembre del 2023.
¿Qué gastos están cubiertos en la residencia?
Fundación Ama Amoedo cubre los pasajes aéreos a y desde Ciudad de México y el seguro médico. Fundación Casa Wabi cubre:

– Alojamiento, un espacio de estudio, y tres comidas al día. Cada residencia incluye un cómodo dormitorio privado, salón de usos múltiples, biblioteca, WiFi y servicio de lavandería.
– Vuelo Ciudad de México – Puerto Escondido – Ciudad de México.
– Materiales necesarios para la realización del proyecto comunitario.
¿Dónde y cuándo debo presentar mi solicitud?
Las aplicaciones deberán ser enviadas a [email protected] con el siguiente encabezado de mail: “Residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo”, seguido de su nombre.
La fecha límite de aceptación de solicitudes es el 28 de febrero de 2023.
¿Cómo se seleccionarán a los artistas residentes?
Todas las aplicaciones serán recibidas por la Fundación Casa Wabi, quienes a través de un jurado estarán a cargo de seleccionar a los dos artistas argentinos participantes.
Los artistas seleccionados para la residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo serán notificados vía email el 30 de marzo del 2023. Los resultados serán publicados el 10 de abril en las páginas web y redes sociales de Fundación Casa Wabi y Fundación Ama Amoedo.
www.casawabi.org I www.fundacionamaamoedo.org IG: @casawabi @fundacionamaamoedo

ARCO Madrid 2023

11/02/202305/02/2023 por Hoornik Art

ARCO Madrid

Presenta su edición 42

La edición de ARCO Madrid se realizará del 22 al 26 de Febrero organizada por IFEMA Madrid en la capital española y ahí estaremos para mostrarles los insights de la feria. Contará con un total de 214 galerías de 37 países, entre ellos obviamente, America Latina. El protagonismo de Argentina es notorio, participarán galerías como: Ruth Benzacar, Rolf Art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería.

Sabemos el auge que tiene el arte latinoamericano en estos momentos para los coleccionistas, habrá importantes galerías de Brasil, México, Perú, Colombia, Guatemala, Cuba, Uruguay y Venezuela en representación. También, conocemos el peso que tienen estas colecciones sobre el premio al coleccionismo que revela ARCO cada año.

La ciudad se verá en conconcordancia al arte y habrá muestras en el Reina Sofía, Sala de Alcalá 31, y el espacio de matadero Madrid.

Este año ARCO Madrid, en su edición 42, se verá bajo el tema “Mediterráneo: Un mar redondo” que comisariada por Marina Fokidis, con la asesoría de Bouchra Khalili, Hila Peleg y Pedro G. Romero, pretende movilizar las relaciones que transcurren de abajo arriba y de lado a lado en un esfuerzo por alcanzar un punto de encuentro para las intensidades compartidas de esta área geográfica.

La Galerilla

11/02/202304/02/2023 por Hoornik Art

Ivan Martinez y Camila Lacroze por Federico Racchi 1

La Galerilla

Próxima estación: Garzón

La Galerilla comenzó como una galería de arte pop-up. Luego de un tiempo de montar muestras en distintos espacios de Punta del Este y alrededores, su fundador, Iván Martinez Autin (32), decidió darle al proyecto un lugar de exhibición concreto en un escenario particular, cercano a una estación de tren abandonada donde los trenes no llegan hace más de medio siglo, pero adonde hoy se aventuran nuevos pioneros.

Garzón, al principio, hace cien años, era un sitio por donde los granjeros y los rancheros pasaban en su viaje desde Montevideo a Brasil. Algunos se juntaban en aquellas montañas, a decenas de kilómetros para adentro del océano Atlántico, donde surgió este pequeño pueblo. A los políticos, desde la capital uruguaya, les costó encontrar un nombre para el enclave hasta 1935, cuando se le dio el nombre de un militar independentista. Hoy es el pueblo elegido por el turismo internacional más sofisticado.

Pueblo Garzón se encuentra en el campo, sus callecitas rurales de ripio, además ser sede del célebre restaurante de Francis Malman, dan paso a galerías de arte recién llegadas, como Walden Naturae o la Galerilla, y también a las pioneras ya establecidas, como Black Gallery, Photology o la residencia de arte Campo, fundada en 2016 por la norteamericana Heidi Lender. Estas atracciones forman un recorrido perfecto para los visitantes del verano que buscan un destino de gastronomía y arte como opción al mar y la playa. El pueblo se ubica a treinta kilómetros de José Ignacio y a sesenta de Punta del Este.

En 2021, en una esquina del pueblo, el joven galerista unió dos vagones de tren con un puente de madera y armó un espacio donde se pueden encontrar instalaciones y obras de artistas emergentes latinoamericanos. Como señala el Financial Times, el tren que alberga la galería parece respetar “el ciclo natural de Pueblo Garzón”, un lugar de oportunidades que durante años y décadas quedó en la oscuridad, hasta ahora que se está redescubriendo.

La Galerilla se apoya en la tendencia global del arte emergente, busca exponer a sus visitantes internacionales y coleccionistas locales el arte latinoamericano de vanguardia, sobre todo la obra de talentosas artistas mujeres. Algunas de las últimas muestras fueron de Vicky Barranguet, Camila Lacroze, Florencia De Palleja, Camila Ercoreca, Lolo Bonfanti y Maria Chiara Baccanelli.

Lacroze (34), estrecha colaboradora de Iván, es un nombre cada vez más importante y premiado en la escena del arte contemporáneo uruguayo. Además de haber terminado recientemente su maestría en Arte y Cultura Visual en la Facultad de Artes de Montevideo, acaba de recibir la beca FEFCA para participar de una residencia de arte en Mana Contemporary, en Nueva Jersey. Juntos, este año Iván y ella trabajaron en una exposición individual que se llevó a cabo en el vagón de Garzón, donde Camila exhibió el trabajo que venía desarrollando durante estos últimos dos años, mientras terminaba su maestría.

Por su parte, Baccanelli es argentina y divide su tiempo entre exposiciones, ferias de arte y periodos de creación en Punta del Este, Buenos Aires, Miami y Milán. Sus obras son codiciadas por coleccionistas de todo el mundo.
Algo similar es lo que hace la uruguaya Vicky Barranguet (49), radicada hace ya más de dos décadas en Nueva York, cuyas obras revisten las paredes de destinos de lujo en Europa, Estados Unidos y Uruguay. Esta temporada colaboró con la Galerilla para producir un cuerpo de obra y exhibirlo bajo la curaduría de Jacqueline Lacasa, una muestra que hoy se puede visitar en el complejo Terrazas de Manantiales.

La Galerilla continúa haciendo muestras pop-up fuera de Garzón, pero llegó al pueblo para quedarse. La convicción de que este pueblo puede emular en Uruguay el éxito de Marfa en Texas es suficiente para contrarrestar las distancias que hay que recorrer para llegar a una galería en un lugar tan alejado. La nueva realidad es que el tren no viene más a la estación, pero en el pueblo los vagones vuelven a darle vida.

Marta Minujin

11/02/202330/01/2023 por Hoornik Art

MARTA MINUJIN

Inigualable creadora de símbolos

La extraordinaria trayectoria de Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y su bien merecida celebridad se basan en una compleja producción artística que propone, principalmente, provocar la participación masiva del público, alterar las percepciones y modificar el entorno. Antes que muchos, realizó ambientaciones e instalaciones, trabajó con el arte de la tierra y supo comprender la importancia de los medios de comunicación y la jerarquía de la tecnología. Sorprende actualmente con dos exhibiciones en Buenos Aires.

Talentosa y constante, Minujín posee un extendido y multifacético itinerario de más de 60 años, que suma pinturas, esculturas y videos, experiencias en happenings y arte efímero, prácticas hippies y tecnológicas, trabajos sobre yeso y vidrio en relieve, diseños de objetos cotidianos, intervenciones urbanas y arte público como David, escultura exhibida en estación Retiro del Subte E, reproduciendo la cabeza fragmentada en nueve partes de la escultura homónima de Miguel Angel.

Como pocas artistas, Minujín desde muy joven logró instalar su presencia en la prensa tanto por sus audaces proyectos como porque desarrolló una actitud performática en público. Siempre platinada y con eternos anteojos negros, la artista suele vestir coloridos mamelucos, hechos especialmente para ella con diversos diseños, tonos y texturas. ¿Coincidencia u homenaje? Su abuelo fabricaba ropa de trabajo, en el mismo lugar donde Minujin tiene su amplio estudio.

Es en ese mismo estudio donde la artista armó Pandemia, obra de 2 x 2,60 metros con efecto cinético, exhibida ahora en el Museo Nacional de Bellas Artes. Durante los meses de aislamiento del 2020, Minujín aplicó obsesivamente 22.600 pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela. En su cuenta de Instagram, la siempre actualizada artista mostró mes a mes el progreso de la pieza sin colores, que despliega su empecinamiento por trabajar y sobrevivir.

Esculturas habitables, ambientaciones transitables

La tapa de este número de Hoornik muestra a la artista recostada sobre una de sus coloridas esculturas blandas habitables. Se trata de una estructura hecha con distintos volúmenes de goma espuma y géneros multicolores. Su lejano antecedente fue la exhibición de colchones, en muestras colectivas en un par de galerías porteñas, antes de La Chambre D´Amour (La pieza del amor, 1962), precursora obra de arte de participación, realizada junto al escultor holandés Mark Brusse en París. A su regreso al país, volvió a experimentar con colchones y en 1964 ganó el prestigioso Premio Nacional del Instituto Di Tella con Revuélquese y viva, una construcción armada con una carpa, colchones y almohadones de muchos colores en dónde el público podía “revolcarse” y “vivir en arte”.

En la gigantesca instalación Galería blanda, realizada inicialmente con Richard Squires en 1973 en una galería en Washington D.C., los colchones y colchonetas fueron centrales para cubrir paredes, techo y piso y así generar un entorno para que los visitantes ingresaran y se divirtieran recorriendo, escuchando música, viendo videos, como en la versión 2009 de Galería blanda exhibida en la feria de galerías arteBA. Multiformes y multicolores, las formas blandas en ocasiones admiten otros materiales como en El árbol de los deseos, 2014-2015, desplegada en la calle Florida.

La pieza de tapa, Ensoñación Restauradora, tiene materiales fluorescentes multicolores semejantes a los que utiliza en las obras de sitio específico que integran la muestra IMPLOSIÓN!, con catálogo y texto de Rodrigo Alonso, en el Paseo de las Artes y en la terraza de Fundación Santander Argentina, cuyo vidriado edificio luce un ploteado con el rostro de la artista.

La instalación Conceptos entrelazados (2021) está integrada por una escultura blanda en forma de cubo, con más de 60 piezas acolchadas multicolores y fluorescentes, reflejada en cuatro espejos que la rodean y que en su dorso ostentan gigantografías con la imagen de Minujín joven. Enfrente, un habitáculo invita a sumergirse en una experiencia sensorial. Con la proyección de video mapping y música de Philip Glass, los colores y formas en movimiento de Arte inmersivo (2021) envuelven al visitante y provocan una sensación tan lúdica como vertiginosa. Al aire libre, Autorretrato mediático (2021), es la escultura de hierro pintada de dorado con el rostro de la artista con antejos iluminados digitalmente con tubos de neón. Ésta tiene un código QR que dirige al visitante a una página Web con una encuesta con preguntas sobre el siglo XXI.

Una, entre centenares de muestras realizada por la artista, es la ambientación transitable La Menesunda, programada para el pasado 2020 en Tate Liverpool y postergada aún sin fecha. La Menesunda británica será la tercera edición de la histórica obra inmersiva, realizada en el Instituto Torcuato Di Tella en 1965 junto a Rubén Santantonín. Recreadas en el Museo Moderno en 2015-2016 en Buenos Aires y en New Museum de Nueva York en 2019, como Marta Minujin: Menesunda Reloaded (Menesunda recargada), las reconstrucciones también provocan experiencias visuales, auditivas, táctiles y sensaciones cruzadas. “Menesunda” en lunfardo es “mezcla”, “confusión”.

Se ingresa a La Menesunda a través de la cabeza de una gigantesca mujer para recorrer algunas partes interiores de su cuerpo, convertidas en dormitorio, peluquería, túnel de neón, cabina con disco de teléfono, y más. La ambientación fue realizada en base a apuntes, fotos y croquis originales, ya que fue un trabajo efímero. La obra expuesta no sólo reformula el espacio por donde circula el espectador sino que está deliberadamente preparada para que el visitante se vea requerido a involucrarse en el juego propuesto.

Nueva York, Mar del Plata y Kassel

Formada en las escuelas de arte de la Argentina, en 1959 comenzó a exhibir dibujos y pinturas “pseudo futuristas”; viajó a París con una beca en 1961. Volvió a Buenos Aires luego de sus acciones en la capital francesa, incluyendo su primer happening en 1963, La Destrucción, donde incendió su propia obra ante numeroso público, indicando su interés en el debate acerca de la “muerte del arte”.

Tras unos años trabajando en Buenos Aires, y realizando happenings también en Montevideo, Minujín armó sus valijas en 1966 y, con tres sucesivas becas, se fue a vivir a Nueva York. Allí armó proyectos, exhibió su obra y conoció a Andy Warhol; incluso formó parte del cuerpo de profesores del área de “nuevos medios” de New York University en 1968. Antes, en 1967 creó Minuphone, instalando una cabina de teléfono electrónica en Howard Wise Gallery. Dentro de la cabina, tras discar un número se producía alguno de los nueve efectos sensoriales previstos (gas helio, brisas, agua coloreada, tono de llamada, luces, humo), incluyendo la toma de una polaroid. La cabina de teléfono, el discado y sus consecuencias, fue reproducida y exhibida en 2010 en Fundación Telefónica Movistar.

Reconocida como artista conceptual, Minujin se percibe como Pop, “pero más que nada por los colores que uso y porque mi personalidad es Pop”, dijo a Hoornik. Con el rey del Pop Art realizó en 1985 el simbólico Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol; quedan las fotos de la entrega de los choclos, del verdadero “oro latinoamericano” al mítico Warhol que pudieron verse en la retrospectiva de la artista en Malba en 2011. En un intento por mediar en el conflicto por las islas Malvinas, Minujín repitió la acción en 1996 en un Festival de Performance organizado por el Institute of Contemporary Art (ICA), Londres. Entonces, la artista entregó los choclos de Solving the International Conflict with Art and Corn (Resolviendo el conflicto internacional con arte y choclos) a una doble de Margaret Thatcher.

Para la apertura del Museo de Arte Contemporáneo en la Provincia de Buenos Aires, MAR, Minujin fue invitada en 2013 a crear una escultura temporaria en su explanada. Creó un magnífico lobo marino revestido con más de 50.000 envoltorios dorados de alfajores, que resume dos tradiciones de esa ciudad de Costa Atlántica: los alfajores marplatenses y los mamíferos creados por el escultor José Fioravanti, ubicados en la escalinata que conduce al mar desde la plaza de la Rambla del Casino.

Pero, como la brillante figura de Lobo Marino se convirtió en inmensamente popular, sitio preferido de selfies y protagonista de Instagram, en 2014 se decidió cambiar “su piel” para que quede definitivamente frente al MAR. Cuando se desmontaron, los papeles fueron entregados al público para ser canjeados por alfajores en la casa líder o para ser guardados de recuerdo. Luego, la escultura fue recubierta por miles de símiles de esos envoltorios en aluminio, que se lustran periódicamente. Lobo Marino brilla más que nunca y, como dijo Minujín: “será un icono eterno, porque nadie quiso que desaparezca”.

La artista volvió a hacer en 2017 el impactante El Partenón de Libros en la ciudad alemana de Kassel donde, cada cinco años, se desarrolla la prestigiosa exhibición internacional Documenta. Esta vez, los libros vinieron de todos los puntos del planeta para construir esta semejanza del Partenón de Atenas; originalmente erigido en Av. 9 de Julio para festejar el advenimiento de la democracia en 1983, con 20.000 libros mayormente prohibidos durante la última dictadura militar (1976-1983).

Feria Otro Arte Uruguay

11/02/202318/01/2023 por Hoornik Art

Feria Otro Arte

Punta del Este, Uruguay

La feria Otro Arte surge de la ausencia de un espacio de venta abierto para artistas independientes, sin galería. Tenemos un objetivo, creemos que es importante, dentro del circuito de la semana del arte en Punta del Este, proveer a los artistas de un espacio en el que se puedan representar a ellos mismos.
La iniciativa comenzó gracias a Ivan Martinez Autin, fundador de @lagalerilla, galería de arte itinerante, Micaela Gregores, gestora y productora cultural, Gustavo Perrier, artista y director de arquitectura promocional, encargado de la estructura y el montaje de la feria.
La grilla de artistas está integrada por María Valdés, Inés Gaggero, Florencia de Palleja, Pedro Peralta Duarte, Soledad Da Rosa, Gustavo Perrier, Daniel Supervielle, Maki Oaks, Natalia Namaka, Agustín Martínez, Manuelle Chelle Brandt, Michel Castillo, Camila Lacroze, Emiliana Rat, Pablo Aloy, Mor Vener.

@otroarte.uy

ESTE ARTE 2023

11/02/202306/01/2023 por Hoornik Art

Nuevo Formato

NUEVO PROGRAMA

ESTE ARTE es más que un lugar donde los artistas y las galerías del más alto nivel presentan lo mejor del arte actual, es un espacio donde se exponen obras para ser apreciadas por su belleza, emotividad y capacidad inspiradora.

En esta edición nos acompañan una vez más las galerías uruguayas: Black Gallery (Pueblo Garzón), Galería Sur (La Barra) y La Pecera (Punta del Este). Esta última plantea una serie de artistas que destacan por su uso del color: Azul van Peborgh, Martín Pelenur y Juanito Conte. Galería del Paseo (Manantiales, Lima), por su parte, hace una apuesta más conceptual con artistas de gran nivel, entre ellos: Guillermo García Cruz, Azul Caverna, Pedro Tyler, Nicolás García Uriburu, Nelson Ramos, Ana Tiscornia, Liliana Porter y Marco Maggi.

Del ámbito internacional, ESTE ARTE 2023 presenta a: ArtBag (Buenos Aires), Bensignor Gallery (Buenos Aires), Elsi del Rio (Buenos Aires), Espacio Líquido (Gijón), Galeria Karla Osorio (Brasilia, San Pablo), Galería Zielinsky (Barcelona), María Casado (Buenos Aires) y Xippas (París, Ginebra, Punta del Este). A su vez, Reginart Collections (Madrid, Ginebra) presenta en esta oportunidad artistas con una trayectoria inigualable para el devenir del arte del siglo XX: Lucio Fontana (Argentina, 1899-1968), Amodeo Modigliani (Italia, 1884-1920), André Masson (Francia, 1896-1987) y André Cadere (Polonia,1934-1978). Caben destacar las nuevas incorporaciones de expositores internacionales radicados en Uruguay que sumamos a esta exclusiva selección: Walden Naturae (Pueblo Garzón) con la obra de Ulises Beisso, Gonzalo Delgado y Christina Schiavi.

ESTE ARTE, en su sentido más amplio, es una estrategia de comunicación, una forma de promover puntos de vista y ofrecer opciones. Como en las obras que presentan las galerías, el arte significa lo que el artista imagina que significa, moldeado por los materiales, técnicas y formas que utiliza, así como también por las ideas y sentimientos que genera en los espectadores. ESTE ARTE es un catalizador para compartir sentimientos, pensamientos y miradas.

NUEVO PROGRAMA

ESTE ARTE 2023 tiene el placer de recibir en las costas de Punta del Este, Uruguay, a cuatro curadoras de renombre internacional: Cecilia Alemani, curadora de la 59.ª Bienal de Venecia; Barbara London, fundadora de la colección de videos del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; Joanna Warsza, cocuradora del pabellón polaco-romaní en la 59.ª Bienal de Venecia y el Pabellón de Georgia en la 55.ª Bienal de Venecia; y Jenny Moore, curadora independiente y directora por más de 9 años de la Fundación Chinati en Texas, Estados Unidos. Con su visión única, cada una de estas mujeres ha moldeado el mundo del arte contemporáneo. Estas curadoras lideran comunidades artísticas que defienden la práctica artística, construyen infraestructuras e instituciones esenciales y generan compromisos públicos con el arte.

Hacé click acá para conocer el mapa de los picks que no te podés perder.

DOMINGO 8 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE CHARLA | Centros de arte inesperados
Jenny Moore, curadora independiente y ex-directora de Fundación Chinati, Texas
Veronica Flom, directora de Fundación Ama Amoedo, José Ignacio
Modera Camila Pose, curadora
Con la colaboración de Fundación Ama Amoedo. Esta actividad se llevará a cabo en español e inglés, con traducción.

20-21 h | ESTE FOCUS | La 59.ª Bienal de Venecia: Cecilia Alemani
Cecilia Alemani, directora artística de la 59.ª Bienal de Venecia
En conversación con Laura Bardier, directora de ESTE ARTE
Con la colaboración del Istituto Italiano di Cultura a Montevideo. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

LUNES 9 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE FOCUS | Azul Caverna y Pedro Tyler
Azul Caverna, artista
Pedro Tyler, artista
Modera Fabián Muro, periodista de El País (Uruguay)
Esta actividad se llevará a cabo en español, sin traducción.

20-21 h | ESTE FOCUS | Curating Beyond Mainstream: Joanna Warsza
Joanna Warsza, curadora
En conversación con Adriana Rostovsky, arquitecta y artista visual
Con la colaboración de Uruguay XXI. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

MARTES 10 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE FOCUS | Pati Fernández y Juanito Conte
Pati Fernández, artista
Juanito Conte, artista
Modera Elisa Valerio, ESTE ARTE
Esta actividad se llevará a cabo en español, sin traducción.

20-21 h |ESTE FOCUS | Seeing Sound: Barbara London Barbara London, curadora. En conversación con Leonardo Secco, investigador de la Universidad Católica del Uruguay
Con la colaboración de ARCA International Film Festival y la Universidad Católica del Uruguay. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

CECILIA ALEMANI
Curadora italiana radicada en Nueva York. Alemani ha encargado y producido obras de arte ambiciosas para espacios públicos e inusuales. Recientemente se desempeñó como directora artística de la muy esperada 59.ª Bienal de Venecia (2022). En 2018, Alemani fue directora artística de la edición inaugural de Art Basel Cities: Buenos Aires. Curó una exposición para toda la ciudad, titulada “Rayuela”, que presentaba obras de 18 artistas internacionales en diálogo cercano con sus lugares, dando forma a una experiencia de múltiples capas que conectaba el arte visual, los espacios urbanos y las historias de la ciudad de forma inusual. Entre los artistas participantes se encontraban: Eduardo Basualdo, Pia Camil, Maurizio Cattelan, Gabriel Chaile, Alex Da Corte, Leandro Katz, Barbara Kruger, Luciana Lamothe, Ad Minoliti y Stan VanDerBeek. Desde 2011 ha sido directora y curadora de High Line Art en Nueva York. Alemani encabezó High Line Plinth, un programa que presenta obras de arte monumentales, que comenzó en junio de 2019 con Brick House, una escultura de Simone Leigh. Durante su mandato en High Line, encargó importantes proyectos a El Anatsui, Phyllida Barlow, Carol Bove, Sheila Hicks, Rashid Johnson, Zoe Leonard, Faith Ringgold, Ed Ruscha, Nari Ward, Adrián Villar Rojas, entre otros. Alemani también ha organizado exposiciones colectivas en High Line y sus alrededores con obras de artistas jóvenes y emergentes. Estos proyectos han examinado el papel del arte en la creación y definición de espacios públicos, la relación entre la humanidad y la naturaleza, y la ineludible obsolescencia de la tecnología, entre otros temas de actualidad. Además, lanzó una serie de performances en curso y una serie periódica de videos.
Otros proyectos han incluido el encargo de Alexandra Pirici para Art Basel en 2019; la curaduría del Pabellón de Italia en la Bienal de Venecia de 2017; la curaduría de Frieze Projects (2012-2017); y la dirección de la Iniciativa X en Nueva York (2009-2010). Alemani también trabajó como curadora independiente colaborando con museos como el Tate Modern (Londres) y el MoMA PS1 (Nueva York), el Whitney Museum (Nueva York), Gió Marconi Gallery (Milán), así como instituciones sin fines de lucro, como Artists Space y Art in General (Nueva York), y fundaciones privadas, como la Fundación Deste. Es, a su vez, cofundadora de No Soul For Sale, un festival de espacios independientes, organizaciones sin fines de lucro y colectivos de artistas. Alemani ha escrito extensamente para varias publicaciones, incluidas Artforum y Mousse Magazine, tiene una columna semanal en D, Repubblica desde octubre de 2019. Ha sido autora, coautora y editora en varios libros.

JOANNA WARSZA
Curadora, editora y escritora polaca. Warsza trabaja principalmente fuera de la órbita del «cubo blanco», en el ámbito público examinando agendas sociales y políticas. Recientemente, fue cocuradora del Pabellón de Polonia en la 59.ª Bienal de Venecia (2022) con una obra de la artista romaní-polaca Malgorzata Mirga-Tas. Junto con Övül Ö. Durmusoglu también fue cocuradora de Die Balkone en Berlín, la 3.ª y 4.ª Bienal de Autostrada en Kosovo y la 12.ª Survival Kit en Riga. Fue directora artística de Public Art Munich 2018. Warsza curó el Programa Público para Manifesta 10 en San Petersburgo (2014), que recordó los legados soviéticos y tomó una postura abierta contra la Rusia de Putin a través de intervenciones políticamente comprometidas en espacios públicos. En 2013 fue curadora del Pabellón de Georgia en la 55.ª Bienal de Venecia y la Bienal de Göteborg. En 2012 fue curadora asociada de la 7.ª Bienal de Berlín. En 2009 curó Public Movement, explorando el fenómeno de las delegaciones de jóvenes israelíes en Polonia. De 2006 a 2008 investigó la invisibilidad de la comunidad vietnamita en Varsovia con el proyecto Finissage of Stadium X. Además, fue directora del programa de CuratorLab de la Universidad de las Artes Konstfack en Estocolmo; fundó la Fundación Laura Palmer en 2006 y recientemente integra la junta directiva de la Fundación Pernod Ricard.
En sus últimas publciaciones se destacan: Red Love. A Reader on Alexandra Kollontai (coeditado con Maria Lind y Michele Masucci; Sternberg Press, Konstfack Collections y Tensta Konsthall, 2020); Y Warren Niesłuchowski Was There: Guest, Host, Ghost (coeditado con Sina Najafi 2020); I Can’t Work Like This: A Reader on Recent Boycotts and Contemporary Art (2017), entre otros.

BARBARA LONDON
Autora y curadora estadounidense que investiga los nuevos medios y el arte sonoro en todos los rincones del mundo. Conocida por fundar la colección de videos del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York y por la adquisición de obras de Nam June Paik, Laurie Anderson y Bruce Nauman. London se unió al personal del MoMA en 1970. Como joven asistente curatorial en el Departamento de Grabados y Libros Ilustrados, fundó la colección de videos y los programas de exposición a mediados de la década del 1970. En el MoMA, organizó más de 500 exposiciones de arte multimedial de vanguardia, que muestran el trabajo de artistas pioneros internacionales activos. También inició Video Viewpoints (1978-2002), una serie de conferencias de cuatro años en la que los artistas de los medios presentaban y discutían regularmente su trabajo.
London fue la primera en integrar el internet como parte de la práctica curatorial, con “Stir-fry” (1994); “Internyet” (1998); y “dot.jp.” (1999), y organizó exposiciones con artistas disidentes como Laurie Anderson, Peter Campus, Teiji Furuhashi, Gary Hill, Joan Jonas, Shigeko Kubota, Song Dong, Steina Vasulka, Bill Viola y Zhang Peili. Sus exposiciones temáticas en el MoMA incluyen: “Soundings: A Contemporary Score” (2013), “Looking at Music” (2009), “Video Spaces” (1995), “Music Video: the Industry and Its Fringes” (1985), y “Video from Tokyo to Fukui and Kyoto” (1979).
Después de cuatro décadas como curadora de medios y artes escénicas en el MoMA, en 2013 cambió de rumbo para dedicarse a escribir y enseñar. Es autora de Video Art/The First Fifty Years (Phaidon Press, 2020), donde rastrea la historia del videoarte a medida que se transformaba en el campo más amplio del arte mediático. London enseña en el Departamento de Arte Sonoro de la Universidad de Columbia, anteriormente enseñó en el Departamento de Arte de Graduados de Yale (2014-2019). Sus honores incluyen: la beca del Getty Research Institute, 2016; el Premio al Valor, Eyebeam, 2016; Residencia Contemporánea Gertrude, Melbourne, 2012; Residencia Casa Dora Maar, Menerbes, 2010; un premio CEC Artslink en Polonia, 2003; una beca Bunkacho del Gobierno japonés, 1992-1993; y una beca del Fondo Nacional para las Artes de Estados Unidos, 1988-1989.

JENNY MOORE
Curadora independiente de arte contemporáneo y profesional de museos. De 2013 a 2022 fue directora de la Fundación Chinati en Texas, Estados Unidos. Bajo su dirección, Chinati completó la instalación permanente más grande de Robert Irwin, creó el primer plan maestro del museo y restauró el edificio John Chamberlain, una estructura de 23,000 pies cuadrados distinguido como lugar histórico, de acuerdo con el Registro Nacional de Estados Unidos. A su vez, Moore defendió el trabajo de mujeres artistas, académicas y profesionales en dicha institución. Esto incluyó la presentación de instalaciones a gran escala por parte de Charlotte Posenenske, Bridget Riley y Solange, además de recibir una subvención de USD 1.25 millones de #StartSmall para brindar oportunidades de desarrollo económico y profesional a mujeres en el lejano oeste de Texas. Moore ha ocupado puestos curatoriales en el New Museum (Nueva York), la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts (Nueva York), Exit Art (Nueva York) y la 8.ª Bienal de Gwangju.