The fair that the art ecosystem needed, ESTE ARTE Cultural Summit & Art Fair 

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 ESTE ARTE Cultural Summit & Art Fair 

The fair that the art ecosystem needed

Founded by the agile researcher and entrepreneur formed in electronic arts Laura Bardier

Laura Bardier, a committed Uruguayan to the art of her country, is currently based in New York, where she serves as the director of the James Howell Foundation. Ten years ago, Laura, while working under the curator, philanthropist, and collector Estrellita Brodsky, was inspired by Brodsky’s dedication to funding the Latin American department at MoMA. This inspiration drove Laura to make contributions to Uruguay and South America. While attending art fairs such as ArtBo in Bogotá and Torino in Italy, she felt compelled to bring to life the artistic space she had envisioned. Laura perceives these fairs as distinctive due to their unique conception in synergy with the city.

«They unite the entire ecosystem; you manage to have access to galleries, museums, universities, and the entire art system in the city.»

«ESTE ARTE  is designed for this place, José Ignacio, Uruguay,» Laura emphasizes the importance of how art spaces are conceived for the place referring to the “in situ” concept.

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«To value what we have in dialogue with the outside, with the foreign, blending craftsmanship and art, highlighting the conceptual aspects of art and the world of ideas, intellectual and cultural development, emotions. There are artists for whom this is their only opportunity to sell in the year.»

Committed to female artists, she managed to make her fair the only one in the world with the condition of having at least one woman within each gallery to participate: «In the last 5 editions, we achieved a 50-50 %, we also democratized for non-hegemonic artists, giving them space when previously only established, male, deceased artists were bought, and only at auctions. Today, we have created a fair that provides options and supports living artists, those who are starting and will be more valuable in the years to come.»

Laura led the incorporation of the James Howell Foundation, an institution dedicated to research, as the artist dedicated 40 years to studying light. Now, it is focused on promoting research projects within its area of interest. She studied electronic arts in Linz, Austria. This is aligned and incorporated into her vision for the fair.

«I wanted to have an excuse to come back every summer here. In Florence, I studied art history and design. Later, I studied new media curation in Austria at Linz, and my background is in software art, and electronic art’. 

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In the 10th edition of ESTE ARTE, she tells us how last year she brought Cecilia Alemani, who curated the last edition of the Venice Biennale, and Barbara London, curator of the MOMA in New York for more than 30 years:

«This year, I went against the current, and invited people from the art world. I aimed to look at other places, including Hoor al Qasimi, president of the Sharjah Art Foundation, Sharon Lerner, who is doing excellent work as the director of the Museo MALI in Lima, Halona Norton-Westbrook director of the Honolulu Art Museum from Hawaii, and Candice Hopkins, director of Forge Projects, who emphasize the idea of the local and the international with local roots, which is an important point for our fair.»

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Guadalupe Vilar

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December 22nd, 2023

Guadalupe Vilar

Recognizes her power in the realm of impactful installations

Guadalupe Vilar, born and raised in Argentina and now based in London, has been working on her art unstoppably, creating a new world by embracing the chaos she experiences.

She endeavors to demonstrate a more transparent, sensitive, empathetic, and purposeful approach to fashion and art, guided by authenticity, spirituality, risk, and success within the framework of a sustainable mindset. Her artwork is recognized for its contrast between materiality, derived from sculpture, and the desire to change the perception of the ephemeral cycle we are in as a society. Rooted in the appropriation of materiality, her artwork tells the story of self-recognition in creating a mutation within space—an experimentation involving destruction and rebuilding between death and time.

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Guadalupe says:

“To establish a connection with oneself and the surrounding environment, and examining the present reality from a social perspective. I am dedicated to crafting narratives, unraveling community dynamics, temporarily shelving ego to alleviate individual suffering, and nurturing a new ecosystem where we can reveal a world that refrains from causing harm to itself. Through collective collaboration on these matters, we not only have the potential to support one another but also to flourish together”.

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Guadalupe’s work, in my intuition, relates to Sonia Gomes’ contemporary artworks—a Brazilian artist who, like Guadalupe, is self-taught. Gomes evokes manual feminine labor using second-hand textiles and everyday materials, connecting objects to memories and creating abstract sculptures that enhance historical margins. I can definitely see how Guadalupe reinforces, through her creations, the margins of our current society immersed in a deadly everyday behavior, where we avoid thinking of consumption’s destructive impact.

As small as a disruptive act may be in the face of the environmental disaster we are experiencing as humanity, Guadalupe Vilar understands this chaos and expresses it through various physical means. The narratives in her work began with clothing, crafted from recycled and leftover materials. These expressions unfold in transitions, with the created identities being autonomous and reflecting human consciousness from a raw perspective. For her, waste marks the beginning of a new cycle—a catalyst for spiritual evolution that involves humans in the deconstruction cycle. The idea of resurrecting, viewing life and death as part of nature, changes the concept of time, transversal, and blurring the conventional boundaries associated with death, time, and space. Time is reflected in artworks as objects, defining and redefining periods.

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Investigation is inherent in her nature—she is a natural researcher, an experimental being. Guadalupe seems to come from the future, and these stories reflect her artwork—death as the re-signification of material, the deconstruction, and relocation to generate a new visual dynamic. Values shift and are intervening in this redistribution; the material becomes waste, part of the process of accepting that the society we live in today is no longer functioning. We need to mentally transport ourselves to a new era where economic matters are solved, and taking care of the planet is the primary reason to exist and create.

What motivates her to move forward:

«New textiles and industrial materials are emerging, like a luminous three-dimensional installation project accompanied by a concise clothing collection. The cycle of where she started repeats but refreshes with knowledge and intention. In my artwork, I aim to invite the spectator to a new individual and collective consciousness; clothing is ‘Desvestida’—named so because clothing is just an autonomous piece within the entire ecosystem to which it belongs.»

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Trinidad Metz Brea

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Trinidad Metz Brea

Participó en Pinta Miami 2023, luego de inaugurar su muestra FERALES en Buenos Aires

Durante la semana de Art Basel Miami 2023, Trinidad Metz Brea participió por primera vez en Pinta Miami, feria en la que el arte latinoamericano es protagonista: 

“Valeries participó de la sección NEXT de Pinta, curada por Giuliana Vidart.  La propuesta consistía en emparentar y generar un diálogo entre dos galerías de distintas regiones, en nuestro caso compartimos el stand con un proyecto de Perú”.

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Esculturas en Next Pinta Miami 2023

Su obra escultórica es trabajada como un campo expandido, a través de herramientas digitales, nuevas tecnologías confluyen con métodos manuales, generan un diálogo entre lo mundano, terrenal, ecológico, biológico y lo mutante, los bestiarios, los juegos en línea, un universo extraño mito de origen de seres fantásticos con reminiscencias humanas, animales, vegetales, y de fantasía. Cuerpos e identidades híbridas con la potencia de las nuevas tecnologías,  la antropofagia cultural, la Internet, el apocalipsis y las disidencias.

Se diluye a través de la porosidad que representa un sujeto moderno multirelacional, y logra constituir subjetividades post humanas. Esta encarnación moderna incorporada en el universo 3D de trinidad, connota y demuestra, la superabundancia en la creación de una mitología con naturaleza propia. 

“Trabajo en la intersección de lo natural y lo artificial, lo cotidiano y lo extraño, lo autóctono y lo alienígena,  así como la naturaleza cíclica del tiempo. Son fábulas y crónicas fantásticas contemporáneas que encarnan el sentimiento actual de incertidumbre, misterio e inestabilidad, provocada por la tecnología, la crisis ecológica y económica y el cambio de paradigma. Asi como posibilidades de nexos y modos de supervivencia alternativos”.

 

El proceso continúa y se reproduce de manera constitutiva. El germen instaurado por la búsqueda de nuevas técnicas digitales y oficios mixtos, genera un diálogo que la artista descubre en el proceso de entender su cualidad humana (o sobrehumana). Logra integrarse a la naturaleza como sujeto moderno y se posiciona contra el perspectivismo, incorpora las utopías e ideologías y las transforma en una interacción que venera y crea su realidad suprema en escenas de muerte, maternidad y evolución de un cuerpo más allá de lo humano.

Encontramos la vivencia de una biología híbrida, afectada por la digitalización expansiva, la hiperconectividad, y la destrucción representada en una identidad posthumanista, fin de una era antropocentrista. 

La mutabilidad coexiste entre el archivo, el soporte y la presencialidad: Los bestiarios medievales, la zoología, el quiebre normativo, la sexualidad. Entre el paraíso y el mundo subyacente: La creación y la destrucción. 

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Esculturas parte de FERALES en Aura, Buenos Aires
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Trinidad Metz Brea logra en Ferales, su nuevo SOLO SHOW en Aura Fábrica, descomponerse a sí misma para integrarse a un ecosistema que se adueña de la infraestructura humana, al generar entidades desconocidas y una nueva percepción vincular, en esta oportunidad, atravesada por la identidad genética que connota lo propio y ajeno.

Podemos relacionar su obra a la idea de “Presencia de abolición” en referencia a Souleymane Bachir Diagne “In the Den of the Alchemist”, donde la ciencia no es sobre la certeza, sino la precariedad de lo que consideramos el mundo exterior, fuera de nosotros, y por lo que la mecánica cuántica nos ha enseñado, las estructuras mentales y las categorías por las que entendemos el mundo, el mensaje probablemente sea: “En el laboratorio, la ciencia transmuta en poesía” y es ahí donde la obra de Trinidad se refleja en esta contra-super-exposición ante el mundo exterior.

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FERALES en Aura, Buenos Aires

Entrevista Desgrabación:

C: Lo que estoy viendo es una imagen que tiene una construcción pero si uno se las imagina y las piensa, luego no las vuelvo a recuperar, es como si fuera un “flash” de imaginación, la sensación de reconstruir un sueño, hay una mística. También me gustaría sumar la pregunta: ¿Qué fue te pasó cuando expusiste desde el principio, se puede comprender desde tu obra si la conocés pero si no, más allá de las expos, de los premios, como es vivir eso desde cero, como fue ese recorrido, desde que pintas… al presente.

T: Creo que empecé a estar más visiblemente activa en el mundo del arte en el 2018. Tuve la oportunidad de tener mi primera muestra individual en el 2019. Esta es mi tercera muestra individual. Creo que esta buenísimo, mandar a premios, todo lo que conlleva eso.. aprender a quedar y no quedar. Exponer, conocer personas que admiras, trabajar con ellxs. 

C: ¿Pensás que en el 2020, o antes, en el boom tecnológico, todos tuvimos que adaptar a depender de la tecnología, pensabas que tu obra ya tenía estos rasgos de videojuego y tecnología desde antes?

T: Yo creo que hay algo de sci-fi… entre utópicos, post-humanos y apocalípticos. A través del modelado y la impresión 3D encontré la forma de canalizar este tipo de imaginarios y se fusiona a la vez con otras técnicas, la impresión 3D. En el mural que es bastante netamente digital en su creación y las otras piezas que tienen trabajo manual, confluyen muchas influencias, universos y metodologías de trabajo. 

C: Me contaste que tomaste la comunión. 

T: Yo creo que hay algo de referencia bíblica, pero no directamente bíblica, un poco atraviesa la obra que está en la trastienda. En esta, es referente al candelabro, la fé, la peregrinación de la iglesia. Directa o indirectamente puedo ver esta referencia de la historia del arte, también: “Se puede parar el ave fénix ahí arriba y cambia todo”. 

C:Desde que empezaste el modelado 3D, empeaste a usar mucho más tu cuerpo, y debes haber reflexionado desde la corporeidad de la obra, se me ocurre, tu forma de percibirte y volcar tu individualidad a eso. ¿Qué se te ocurre de ese pasaje de la pintura a lo 3D, lo viviste en relación a ese contacto y cómo fue?

T: Es una carnalidad, las formas y las corporeidades siempre me interesaron en el trabajo previo y en esto también. Identidades más fluidas e híbridas, quiméricas, romper con conceptos binarios y cuestiones normativas del cuerpo y demás. Corporalidades distintas y no convencionales. La monstruosidad es una vía para explorar eso también. 

C: ¿Viste el corto monstruo dios? Es de Agustina San Martin. Te debería mostrar, porque me encanta esta idea de la monstruosidad que genera este dios aparte, ¿Dónde vamos, que generamos? Y esta buenísimo. 

T: Yo creo que surgen potenciales deidades, potenciales corporalidades, es todo potencialidad. Imaginar un futuro distinto, vinculaciones distintas, crear nuevas realidades que sean un reflejo de experiencias subjetivas y colectivas. 

C: Veo esta idea planteada en el texto, porque lo leí, pero si soy una persona que visita la muestra, no es lo primero que pienso, si está lo de la naturaleza, lo humano y la monstruosidad, pero después pienso, en lo propio y lo ajeno que está entre la subjetividad y lo colectivo, y lo individual y el entendimiento comunitario de una verdad… 

T: No sé si en ese sentido sería el entendimiento comunitario de una verdad, porque siento que las verdades son un montón y son super particulares y hay tantas verdades como puntos de vista. Pero si en el tipo de imágenes, situaciones que son muy sensibles o vinculares, por ejemplo el “Beso de las babosas”, que en realidad sale de una referencia biológica, que son las Babosas Leopardo, que a mi me encantan, y tienen genitales externos, lenguas, etc. Fue un punto de partida visual y la mutación de estas criaturas, el recurso de humanizar ciertas formas de vida, lo hace más empatizable en algún punto. 

Es un momento íntimo y sensible, y táctil entre dos criaturas y después tienes un montón de situaciones que son más como el mural que engloba otras. 

C: Lo de las babosas lo veo como parte de un contacto en un ciclo en el que es inevitable, ese contacto. Lo demás en tu obra, lo entiendo como una construcción, no como ese contacto íntimo que no se puede controlar, porque es parte de existir, sino una forma de observar todo lo que ocurre aunque no controlás nada.

T: Sí, hay momentos en los que se afectan y no se afectan, se pisan y son no conscientes de lo que está sucediendo ahí, y esta esta idea de que el humano es este ser en sí mismo y funciona alejado de los demás, pero se entiende cada vez más en todos los campos: Ciencia, biología, ecologia y es que está todo muy interconectado y todos son desencadenantes ligados y en cadena. Que si a una especie atraviesa un desbalance, consecuentemente afecta a otra que a su vez repercute en otras…y así.

El sobrevivir es colectivo en este planeta, es intraespecie, el modo y la estrategia es en forma de red y vincular, y no como individuos, está la idea del humanismo y modernismo, el hombre como punta de la piramide, ser evolucionado y en realidad no, hay muchas inteligencias, las plantas las tienen, es un poco canalizar estos otros universos y condensarlos. 

Y en cuanto a la construcción, a veces uno recurre a uno mismo para atrás (con ideas o escritos pasados) y dialoga con eso, asi como con el curador. Con Sofi Dourron fue una idea de desarrollar la muestra, las piezas, esa construcción fue muy trabajada y pensada. Fue expandir el diálogo, dejar entrar otras voces, que te hagan preguntas, y tomar eso. 

C: Yo estoy agarrando lo ya hecho. 

T: El texto de sofi es fantastico, me sacó chispeando. Es interesante y rico cuando se integran otras voces, como la pista que hizo Lila para la muestra, que condensa este universo de los sonidos de la naturaleza, agua, critters. Criaturas revolucionadas, distintos planos de expansión y  de generación de universo. El mito de origen, las fábulas, estas estructuras narrativas que dan sentido a distintas realidades y maneras de percibir el mundo.



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Después del fin del mundo

Está ese fin del mundo alimentado por las teorías no future del capitalismo extractivo contemporáneo, la especulación apocalíptico-financiera y los agentes del colapso. Ese que ante la crisis climática y social, las guerras físicas y culturales y las economías neocoloniales que estrujan y desplazan cuerpos humanxs y no humanxs, nos sugieren que agonicemos en la parálisis de un presentismo eterno. Ese fin del mundo que a fuerza de pensamiento moderno-occidental empuja a multitudes a replegarse sobre sí mismas, refugiándose en el universo del sujeto autodeterminado e individualista que se afirma a sí mismo contra cualquier voluntad social que represente una diferencia.

Allí, la agencia solo es posible gracias a la separación del individuo respecto de sus entornos naturales y construidos. Pero, en un futuro incierto y sin datar, existe también un fin del mundo otro, un paisaje todavía en llamas, donde la vida, a pesar de todo, continúa. Ahí se encuentra Ferales, un territorio fugitivo construido de yuxtaposiciones fantásticas entre el pasado y el presente, lo cercano y lo lejano, lo grande y lo pequeño, el peligro y la distopía, que emerge del potencial de aquello que subsiste/resiste: una planta, una babosa, una semilla, una topadora. De estos encuentros materiales brotan nuevos cuerpos y una poética de transición para un mundo azotado por el clima, una especie de umbral donde confluyen catástrofe y libertad para avivar la imaginación ecológica y política. Sumergida en esta ficción climática, Trinidad explora los mundos ecológicos que emergen cuando entidades no humanas se enmarañan con proyectos de infraestructura humana y el sujeto occidental-kantiano deviene sujetx multirelacional desdibujando la diferencia, haciendo de ella una interacción porosa y babeante entre el adentro y el afuera.

Mundos en los que los organismos se reproducen de manera constitutiva. Sus escenas de cópula, muerte y maternidad más-que-humana insinúan un recurso para la esperanza enraizada en una posible evolución humana que se dirige hacia un cuerpo y unas subjetividades posthumanas. Ferales engendra así unas vidas desenfrenadas, que en su multiplicidad y monstruosidad no pueden ser fácilmente reducidas, divididas o conquistadas.

En ese territorio cenagoso de producción y reproducción se dibuja finalmente la figura de una agencia posthumana (o la más humana de todas) que emerge del cultivo de formas vitales de reconocimiento y respuesta a los urgentes desafíos del presente. Una agencia que desborda la realización de algún yo esencialista, para dar lugar a unas subjetividades tentaculares y a unos devenires metamórficos.

x Sofía Dourron

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Trinidad Metz Brea - Artista

Calendario de Exposiciones​ en Buenos Aires

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Calendario de Exposiciones

Galerías de arte en Buenos Aires

Hemos recopilado un calendario actualizado de las exposiciones en la ciudad de Buenos Aires para que puedas agregarlas a tu Google Calendar y no perderte ninguna.

Además, puedes encontrar la ubicación de cada galería en Google Maps para facilitar tu visita. Aquí tienes los enlaces:

Calendario de Exposiciones de Galerías de Arte

Galerías de arte en Buenos Aires

Este calendario te ayudará a mantener un seguimiento de las fechas de las exposiciones y te permitirá planificar tus visitas a las galerías de manera más eficiente.

¡Disfruta del arte y la cultura de nuestra ciudad!

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Bs.As. Argentina 

arteba 2023, la feria de arte más importante de Latinoamérica en el contexto de la semana del arte en Buenos Aires

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La Feria de Arte Contemporáneo más importante de Latino América en el contexto de la semana del arte en Buenos Aires

En Buenos Aires, en este clima caldeado del 2023 previo a las elecciones presidenciales, y ante una inminente crisis, arteba presenta su edición número 32 de la feria en Costa Salguero, Buenos Aires del 1 al 3 de Septiembre. Se reunieron más de 58 galerías y proyectos artísticos de la región. Larisa Andreani, Presidenta de la Fundación, invocó a los visitantes a vivir su experiencia, y resaltó la tendencia generada durante la pandemia, en la que inevitablemente comenzamos a vivir más nuestros espacios comunes, pensar en nuestra vivencia dentro de las rutinas simples, la llamada del arte a lo cotidiano. 

Ante este contexto de incertidumbre, nos sorprende la repercusión de ventas en la feria, antes de abrir, rompió records, hubieron galerías que lograron vender todas sus obras en el día anterior a la apertura, dedicado a los invitados especiales, las galerías de artistas jóvenes no se quedaron atrás, y la escena de la feria dió lugar a muchas más ferias de venta de obras alrededor de la misma, eventos de arte, subastas, etc. comparado con años anteriores. La tendencia en el contexto de la semana del arte a nivel global es el mismo, y Buenos Aires no se queda afuera, esta vez, hubieron 3 ferias circundantes a la edición tradicional y protagonista, de la feria de arte más importante de Latinoamérica, entre ellas: Affair, La Bienal de Arte Contemporáneo Sur, BADA y  BAphoto. Diferentes propuestas que logran unir a la ciudad bajo un mismo motivo, la celebración de la creatividad y el arte. 




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Eduardo Constantini recibe el Premio Galardón por arteba Fundación
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Sección "Utopia"

La feria contó de una sección principal, de galerías establecidas con trayectoria, en representación de artistas que lideran el mercado del arte en nuestro país, y sectores circundantes como “Utopía”, representada por artistas emergentes y vanguardistas. Hubo también programación artística y arte digital encabezado por los artistas y colectivos de NFTS más precursores de nuestro país, con amplio reconocimiento a nivel virtual/global o espacios de arte digital como el de Artlab. 

 

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Art LAB
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FANCY MONAS DE EDGARDO GIMENEZ

Los premios de esta edición reconocieron en primer lugar a Eduardo Constantini, fundador y presidente del MALBA (Museo de Arte Latinoaméricano de Buenos Aires) como coleccionista comprometido, quien cuenta emocionado en alguna nota de Infobae, como adquirió sus primeras dos obras de arte de Leopoldo Presas y Luis Barragán, en cuotas, luego de sorprenderse ante una obra de Berni, y no tener el presupuesto necesario para adquirirla, para él, así comenzó su recorrido, de manera “espontánea” ya que nadie en su familia coleccionaba arte en ese entonces. 

Hoy en día las ferias de arte contemporáneo a nivel internacional, premian a quienes coleccionan en distintas escalas, en este caso Eduardo, se llevó el premio galardón. Cada una de las ferias tiene a sus coleccionistas estrella de trayectoria que representan las colecciones más importantes, mientras que por otro lado se entregan los premios de adquisición ó reconocimiento a las entidades u organizaciones que adquieren obra para sus colecciones público/privadas, es el caso de Macro Rosario, El museo de arte contemporáneo de Salta, el MALI de Lima, el MACBA, MALBA, Museo Municipal “Basilio Donato” de Sunchales, Lugdwig Museum, y otras entidades que se llevaron obras de artistas emblemáticos como Romulo Macciò, Marta Minujín, Gyula Kosice, fotografías de la galería Vasari por Annemarie Heinrich,  y el Premio Obra, que busca destacar la creatividad vanguardista de los artistas emergentes, espacio creado por Juan Cambiaso. Este premio aporta económicamente al artista elegido y no adquiere la obra en si para ninguna colección particular. También hubieron 6 proyectos dentro de esta sección que fueron seleccionados para Beca MICA Utopia, un programa inaugurado por la Fundación arteba y el Ministerio de Cultura de la Nación a través del MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas). 

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Chaile

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Gabriel Chaile. Ingeniería de la necesidad

Por Victoria Verlichak

Gabriel Chaile (Tucumán, 1985) es un escultor que tiene algo de antropólogo y arqueólogo. Desarrolla una sentida obra que incluso refleja su identidad; posee ascendencia afro-árabe, española e indígena de la comunidad La Candelaria. Sus grandes y notables piezas condensan saberes ancestrales y preocupaciones sociales. Con rasgos antropomorfos o biomórficos, mayormente, se inspiran en artefactos de diferentes antiguas culturas prehispánicas y de su propia historia; traen al presente ciertas expresiones visuales de los pueblos que se desarrollaron en el Noroeste argentino. Las piezas, como los hornos de barro, suelen conjugar lo simbólico con lo utilitario. En este sentido, éstos recuerdan a la obra Construcción de un horno popular para hacer pan que Víctor Grippo, con Jorge Gamarra y un artesano llamado Rossi, realizó en 1972 en la Plaza Roberto Arlt para la muestra Arte e Ideología, CAYC. Tiempos de dictadura militar (1966-1973), la exhibición duró un solo día y el horno fue destruido entonces por la censura. ¿Por qué invitaba juntarse y compartir “el ritual comunitario de la alimentación”?Precisamente, un horno funcional de Chaile acaba de ser vendido por la galería berlinesa CherLüdde por 60 mil euros, a un coleccionista europeo en la feria ARCO Madrid. Pero no es la única escultura del artista que se halla en la vieja Europa. Es que el artista no solo vive entre Lisboa y Buenos Aires sino que es uno de los impulsores -junto a otros artistas- del proyecto colectivo NVS, “plataforma estratégica” y galería europea, que representa a artistas latinoamericanos en la capital portuguesa y que tiene a Chaile como director artístico. Multipremiado, Chaile estudió artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Fue invitado a varias residencias y programas de artistas como el de la Universidad Torcuato Di Tella. Tuvo su primera exposición individual en 2008. Además de las esculturas, que son exhibidas en museos y bienales de aquí y del exterior, su trabajo suma foto performance, dibujo, pintura y performances. Piensa su proceso de creación, principalmente a partir de dos conceptos: la “ingeniería de la necesidad -lo que tengo y lo que me falta”-, consistente en “desde el arte, crear objetos y estructuras que colaboren en mejorar las condiciones de una situación límite determinada, y la genealogía de la forma, que implica asumir que cada objeto, en su repetición histórica, trae consigo una historia que contar”, que muchas veces es la del propio artista.

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Obras monumentales

En los últimos años su nombre aparece una y otra vez en la prensa, no menos porque muchas de sus espléndidas y penetrantes piezas son instaladas en el espacio público o en concurridas bienales. Convocado por la curadora italiana Cecilia Alemani, para la realización de un proyecto en la edición de Art Basel Cities en Buenos Aires, 2018, presentó la escultura Diego (Retrato de Diego Núñez), que recordaba a una joven víctima de la violencia policial. La estructura de metal, ladrillo, adobe y huevos, de casi 3 metros de alto, llamó la atención cuando fue erigida junto al Riachuelo, cerca del Puente Transbordador Nicolás Avellaneda, porque era un horno similar al que utilizaban sus padres para fabricar pan; el artista y los familiares de la víctima cocinaron pan, empanadas, pizza. La pieza pertenece ahora a un comedor popular de La Boca cercano al antiguo taller del artista.

En 2019 fue invitado por la curadora Zoe Lukov a instalar The last supper (La última cena), seis piezas con citas al arte precolombino en el Faena Festival (Miami Beach). Las esculturas -algunos hornos de barro funcionales- fueron desplegadas en los jardines del Hotel Faena en paralelo a la feria Art Basel, donde su obra fue mostrada por la galería Barro. Impagable vidriera internacional: el artista mismo cocinó los panes, que fueron repartidos entre un glamoroso público que deambulaba por el hotel. Uno de los concurrentes que vio su obra entonces fue el desarrollador inmobiliario y coleccionista Jorge Pérez, gran donante del Pérez Art Museum, PAMM, de Miami y creador del Espacio Twenty Three, que alberga su colección privada y que incluye obras de Chaile. Meses antes de esa acción en el estado de Florida, Chaile desplegó en galería Barro de La Boca la muestra Genealogía de la forma, una “proto panadería” con obras que -nuevamente- combinaban huellas del pasado con las características y complejidades del arte contemporáneo, siempre abierto a múltiples interpretaciones. ¿Evoca solamente a sus antepasados, visibiliza la contribución de los pueblos originarios en la construcción del país, denuncia las condiciones precarias en la que ahora que viven muchas comunidades indígenas? ¿Cuándo enciende el horno y reparte pan, recuerda a sus padres, ofrece abrigo o también señala el hambre que muchos padecen?Artefactos y hornos a manera de “retratos” -como el de su madre y hermanas, Irene, Patricia, Sonia, realizados en 2016, 2017, 2018, respectivamente- incluso comenzaron a trazar una genealogía familiar. La gran escultura Mamá Luchona -homenaje a las madres, también a la propia- es la primera obra de Chaile instalada de forma permanente en el espacio público de la Argentina. Presentada en la última Trienal del New Museum de Nueva York en 2022, fue adquirida entonces por el empresario, pianista y coleccionista Andrés Buhar, para el frente del edificio de Fundación ArtHaus, que creó y dirige. Ahora esta imponente estructura de hierro y adobe de más de cuatro metros de alto recibe y mira a los transeúntes de Bartolomé Mitre 434, en el microcentro porteño. “Mamá Luchona es la madre de todas las esculturas que he hecho”, dijo el artista en la presentación de la pieza. “Me emociona que tantas personas que pasan por el microcentro porteño puedan acercarse a mi obra”.

 

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También en 2022 Chaile fue invitado por la citada Alemani a la 59ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia Su lema fue The Milk of Dreams (La leche de los sueños), inspirado en el libro Leche del sueño de la artista surrealista británica-mexicana Leonora Carrington (1917-2011). Chaile fue el único argentino entre los 213 artistas participantes de la muestra central, desplegada en los Giardini di Castello y en el Arsenale (grandes galpones navales y jardines adyacentes). Allí mostró cinco esculturas monumentales, que adquirió para su colección personal el empresario Eduardo Costantini, fundador y presidente honorario del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).

 

COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

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COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

La integración sutil de la creación contemporánea hiperrealista y atómica, se definen teñidos por un monstruoso romanticismo

Esta exposición combina obras de inteligencia artificial, pinturas, esculturas de diversos materiales, e instalaciones que reflexionan sobre la inmensidad: Los movimientos opuestos del terror al romanticismo, engloban la incertidumbre que abarcamos en la contemporaneidad. Las obras dialogan entre distintas cuestiones que representan nuestra aproximación a la realidad, desde el deterioro y la ansiedad, el estado de la hipperrealidad atómica, la virtualidad, y la propuesta placentera del romanticismo. La conexión del mundo a través de la destrucción y el nuevo poder de creación hoy manipulado por la tecnología. 

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Heshka Ryan "Protection no longer assured"
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Gripé Face "Hedonista Virtual"
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Sandra Vasquez de la Horra

Heshka Ryan es quien con su obra “Protection no longer assured” engloba la nueva exposición de Colección Solo. Autor de “Chicas Malas” comic de 2015, admirador de las mujeres, quienes para él, buscan constantemente cambiar las cosas que siguen sin funcionar en la actualidad. El artista presentó sus ilustraciones en varias revistas, como Vanity Fair, Playboy o en el New York Times. 

Repetidas veces redefinimos “sublime” ó “sútil” en un estado de posmodernidad absoluto, vanguardista con aires retro, sigue el movimiento de cine asiático “kaiju” que denomina “bestia”, o “moustruo”. Su origen fue dado con la película de animación “Gozilla”, estas criaturas atacan o protegen al mundo o la humanidad en el género “tokusatsu”. 

Esta combinación también vista en la obra de Heshka Ryan con super héroes retro, y hongos explosivos, bombas nucleares realizados con inteligencia artificial, completan la colección y me llevan a pensar en el concepto del posmodernismo “cíclos híbridos” de García Canclini, donde unimos nuevas concepciones para crear en este caso “el romanticismo del terror»: Una nueva realidad que nos lleva a obras figurativas de artistas como Erik White, fantasías de criaturas disociadas y abrumadas pero felices, sedadas en el estado de placer y explosión de dopamina de Grip Face, una enorme interpretación de la receptividad pintada en mujer, por Sandra Vasquez de la Horra, dónde la mujer expone sus centros energéticos de conectividad hacia la tierra y se ve desfigurada por lo que ocurre. Sigo el recorrido, y me encuentro con otro simbolismo receptivo, analógico, que completa la transición de una sala a la otra. Antes de entrar a sumergime en las obras de Paco Pommet,  la obra espejo por Ampparito: “Objeto luminoso que se hace sombra con su propia luz”, otro simbolismo de integración, que responde a si mismo, sin parámetros complejos, sobre la dualidad luz/oscuridad.

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Paco Pommet "Objeto luminoso que hace sombra con su propia luz"
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David Altjmed
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David altjmed & Jorge Rios

Esta colección es sublime en cuanto a su aspecto terrorífico y armónico de integración de los opuestos, vivencia que se ve reflejada en la representación atómica de la guerra las bombas de Dagoberto Rodriguez, las cuales normalizan las armas de guerra frente a un mural urbano y simpático sin maldad, de Diaz Faes. Y anteriormente, en una sala con un dedo que gira sobre si mismo, transgrediendo tiempo y espacio obra de  Mika Rottenberg Finger.
Se encuentra también el hombre-perro, hecho de plastilina y piedras de Agatha por David Altmejd, la obra más llamativa del espacio contiene la vivencia post apocalíptica en su espalda y extremidades, hace referencia a la condición sometida del hombre a existir en un mundo creado simbólicamente por la capacidad creadora de su espíritu. La escultura, se encuentra en el estado de despertar de una vida típica de oficina, con un cigarrillo en la mano, se diluye entre la anomalía animal-humana. Y enfrente, la ilusionada obra de la naturaleza despierta un paraíso en contraste, el oasis de ensueños por Jorge Rios “This was the first color” y “This was the first gloom” en referencia al origen del todo, un arcoiris al final de una cascada. 

Por último, la obra de Studio Smack, “Black Friday” la cual hace referencia a las conductas masivas, ya sean de consumismo, o el simple “copy paste” de coacción que representa a las masas. Es una obra digital que muestra distintas criaturas, también moustruosas, en la lucha para llegar a la parte más alta de la torre humana que la compone. El algoritmo no permite sino de manera aleatoria, adivinar quien será la próxima en aplastar a todas las demás y alcanzar la cima. 
Esta exposición en Colección Solo, es una espeluznante radiografía de la barbarie contemporánea, humanizada y modernizada en el romanticismo que atraviesa nuestra sociedad respecto a lo concebido como sublime en la actual revolución tecnológica. 

Autor: Camila Tapia San Martin

Semana del arte en Madrid 2023, Feria Arco y UVNT

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Semana del arte en Madrid

Feria Arco y UVNT- Urvanity Art Fair

Como siempre, llegar a la semana del arte es un desafío, entender todo lo que ocurre en sincrónico es en gran parte, ir de un lugar a otro, sin dejarse absorber, sino estar abierta a conectar con esas obras que naturalmente van con mi visión, artistas que reconozco y generan un diálogo diferente, atractivo, por algún motivo, en cada una de las ferias o recorridos en los que doy con sus obras. 

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Galería Barbel Grasslin Germany


Profundizo en lo que siento que tiene una escencia conectada con algo más, a veces es mi simple asociación con momentos y obras anteriores de artistas, los televisores usados, utilizados, nos muestran de forma analógica el paso del tiempo y su conectividad al presente. Una obra de arte contemporáneo es también, un valor simbólico que ciertos artistas comparten, en distintas escenas ó contextos, el tiempo que les representa el soporte en el que se apoyan para mostrarse. 

Me resulta curioso, cuando las galerías que llaman mi atención son Alemanas, o de Europa del Norte, incluso más que las galerías que convocan artistas orientales, creo que me sorprendo cuando la curaduría de una galería como Nicolai Wallner de Dinamarca, apela a artistas con obras abstractas, lúgubres, esculturas en formato 3d en una gama de colores en cromática en constraste. 
Este año en ARCO Madrid, las artistas mujeres no lograron vender más que en otros años. Se realizó un camino para abordar la temática feminista, desde una re lectura de la historia del arte, por ejemplo,  Maria Acha-Kurscher, artista peruana, recibió un premio por su obra “La rabbia di Proserpina”, por su obra de distintos retratos bíblicos, de estilo renacentista y barroco, donde las mujeres son sorprendidas en actos violentos.  Vendida por un precio de 1200 euros y 7000 total. 
La Fundación ARCO celebró su 27ª edición en Madrid y ha ampliado los fondos de su Colección con nueve obras adquiridas en ARCOmadrid 2023. Durante los cinco días de feria, participaron 211 galerías de 36 países y más de 450 coleccionistas internacionales y 200 profesionales invitados, y alrededor de 95,000 visitantes. La Fundación ARCO ha entregado los Premios “A” al Coleccionismo, que reconocen a tres colecciones: Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (Premio “A” a la Colección Privada Latinoamericana); collegium.art: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (Premio “A” a la Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo), y Alejandro Lázaro y Alejandra González (Premio “A” a la Colección Joven Privada Nacional). La cena de la Fundación ARCO ha recaudado fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección. Además, el Museo Reina Sofía ha comprado 26 obras de 18 artistas procedentes de galerías participantes en la feria.

Arco adquirió obras de los siguientes artistas gracias a la recaudación de fondos por un total de 400 mil euros:

Las obras corresponden a Diego Bianchi (Galería Jocelyn wolff), Nilbar Güresà (Martín Janda),  Eftihis Patsourakis (Galería Rodeo),  Solange Pessoa (Galería Mendes Wood), Jenna Sutela (Galería Sociètè)  y a Joan Prats (Galería Tadáskía). A éstas se suman una obra de Momu & No Es (Galería House Of Chappaz) y de Juan Silió (Galería Nora Aurrekoetxea), obtenidas por el Consejo Internacional de la Fundación ARCO.  Además, gracias a la donación de Frèdèric Malle se incorpora a la Colección una  obra de Laìs Amaral, de la galería HOA.

Muchas otras fundaciones como: Fundacion Aldo Rubino, Fundación Helga de Alvear, el museo Thyssen, la fundación Maria Jose Jove, la fundación Maria Masuveu Peterson, y Colección SOLO. Han adquirido obras de la feria para sus colecciones, incluido el ayuntamiento de Madrid. 

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Nicolai Wallner

Este año fuimos invitados a recorrer el stand ABC cultural, conocimos la obra del artista tinerfeño Cristóbal Tabáres. Su pieza consiste en una aglomeración de cisnes que ha ido recopilando a lo largo de su vida. Una montaña de pájaros de porcelana, de diferentes colores y tamaños que representan toda la cultura “kitsch” que él admira. 

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Obra de Cristobal Tobares

Una de las obras que resaltó fue “Capilla ardiente” de Eugenio Merino, en el stand de la galería ADN de Barcelona, quien “volvió a matar a Picasso”. Al acercarse a la obra podías sentir esta vibración de los visitantes en honor al artista, la contemplación masiva de la obra y el acontecimiento inminente de la “muerte” figurada presente, lo que resultó emblemático en la feria y su repercusión. 

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El recorrido por la Feria Arco, este año, tuvo una importante escena de artistas latinoamericanos. Las galerías argentinas que participaron fueron: Ruth Benzacar, Rolf art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería. 

En la feria UVNT ART, descubrí a Miju Lee, y sus esculturas graciosas, peludas y macizas de caricaturas sonrientes sin cara. La figuración abstracta y surrealista de Helena Toraño, galerías como Kells Art collection, La Bibi art gallery, Trinta, The artist pool, Ineditad, Pictorium Gallery, Galeria Victor Lopez. 

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Miju Lee en La bibi art gallery
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Galería Victor Lopez.
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Moses & Taps
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Ornella Pocceti. Galería Mindysolomon

Jeff Koons, «Pequeño accidente»

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Jeff Koons

La obra del artista se hizo pedazos en Art Wynwood Miami, y generó repercusión

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Jeff Koons, escultor, empresario y pintor estadounidense, artista conceptual, pop, minimalista, para algunos el principal artista kistch. Una de sus esculturas en cuestión, de las más famosas y representativas, era la pieza de porcelana Balloon Dog, ahora expuesta en Art Wynwood Miami. Esta escultura tenía unos 38 centímetros de alto y de color azul. 

La coleccionista que vivió la experiencia de romper un Jeff Koons de 42.000 mil dólares, tuvo la suerte de no tener que pagar por ella, ya que estaba asegurada. 

Esta rotura en pleno cocktail de apertura de la feria, pareció una performance que terminó como repercusión mundial, en la que hasta @beeple_crap posteó en sus redes una obra que inmortaliza el momento y titula «Little Accident».

Mike Winkelmann, conocido como Beeple, es uno de los artistas, sino el más conocido, dentro del ecosistema de arte digital, como diseñador gráfico y animador. Su obra más cara vendida, fue «Everyday: the first 5000 days» un collage que muestra sus primeros 5000 obras, en los últimos 13 años, vendida en 69 millones de dólares a través de Christie’s. Retrató a Elon Musk, Trump, Mark Zuckerberg y otros importantes líderes. 
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Beeple crap artwork
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La Galerilla

Ivan Martinez y Camila Lacroze por Federico Racchi 1

La Galerilla

Próxima estación: Garzón

La Galerilla comenzó como una galería de arte pop-up. Luego de un tiempo de montar muestras en distintos espacios de Punta del Este y alrededores, su fundador, Iván Martinez Autin (32), decidió darle al proyecto un lugar de exhibición concreto en un escenario particular, cercano a una estación de tren abandonada donde los trenes no llegan hace más de medio siglo, pero adonde hoy se aventuran nuevos pioneros.

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Iván por Federico Racchi

Garzón, al principio, hace cien años, era un sitio por donde los granjeros y los rancheros pasaban en su viaje desde Montevideo a Brasil. Algunos se juntaban en aquellas montañas, a decenas de kilómetros para adentro del océano Atlántico, donde surgió este pequeño pueblo. A los políticos, desde la capital uruguaya, les costó encontrar un nombre para el enclave hasta 1935, cuando se le dio el nombre de un militar independentista. Hoy es el pueblo elegido por el turismo internacional más sofisticado.

Pueblo Garzón se encuentra en el campo, sus callecitas rurales de ripio, además ser sede del célebre restaurante de Francis Malman, dan paso a galerías de arte recién llegadas, como Walden Naturae o la Galerilla, y también a las pioneras ya establecidas, como Black Gallery, Photology o la residencia de arte Campo, fundada en 2016 por la norteamericana Heidi Lender. Estas atracciones forman un recorrido perfecto para los visitantes del verano que buscan un destino de gastronomía y arte como opción al mar y la playa. El pueblo se ubica a treinta kilómetros de José Ignacio y a sesenta de Punta del Este.

En 2021, en una esquina del pueblo, el joven galerista unió dos vagones de tren con un puente de madera y armó un espacio donde se pueden encontrar instalaciones y obras de artistas emergentes latinoamericanos. Como señala el Financial Times, el tren que alberga la galería parece respetar “el ciclo natural de Pueblo Garzón”, un lugar de oportunidades que durante años y décadas quedó en la oscuridad, hasta ahora que se está redescubriendo.

La Galerilla se apoya en la tendencia global del arte emergente, busca exponer a sus visitantes internacionales y coleccionistas locales el arte latinoamericano de vanguardia, sobre todo la obra de talentosas artistas mujeres. Algunas de las últimas muestras fueron de Vicky Barranguet, Camila Lacroze, Florencia De Palleja, Camila Ercoreca, Lolo Bonfanti y Maria Chiara Baccanelli.

Lacroze (34), estrecha colaboradora de Iván, es un nombre cada vez más importante y premiado en la escena del arte contemporáneo uruguayo. Además de haber terminado recientemente su maestría en Arte y Cultura Visual en la Facultad de Artes de Montevideo, acaba de recibir la beca FEFCA para participar de una residencia de arte en Mana Contemporary, en Nueva Jersey. Juntos, este año Iván y ella trabajaron en una exposición individual que se llevó a cabo en el vagón de Garzón, donde Camila exhibió el trabajo que venía desarrollando durante estos últimos dos años, mientras terminaba su maestría. 

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Por su parte, Baccanelli es argentina y divide su tiempo entre exposiciones, ferias de arte y periodos de creación en Punta del Este, Buenos Aires, Miami y Milán. Sus obras son codiciadas por coleccionistas de todo el mundo. 
Algo similar es lo que hace la uruguaya Vicky Barranguet (49), radicada hace ya más de dos décadas en Nueva York, cuyas obras revisten las paredes de destinos de lujo en Europa, Estados Unidos y Uruguay. Esta temporada colaboró con la Galerilla para producir un cuerpo de obra y exhibirlo bajo la curaduría de Jacqueline Lacasa,  una muestra que hoy se puede visitar en el complejo Terrazas de Manantiales.

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La Galerilla continúa haciendo muestras pop-up fuera de Garzón, pero llegó al pueblo para quedarse. La convicción de que este pueblo puede emular en Uruguay el éxito de Marfa en Texas es suficiente para contrarrestar las distancias que hay que recorrer para llegar a una galería en un lugar tan alejado. La nueva realidad es que el tren no viene más a la estación, pero en el pueblo los vagones vuelven a darle vida.

Vicky Barranguet en Terrazas de Manantiales por Natalia Ayala
Terrazas de Manantiales - La Galerilla