Entrevista a Heidi Lender fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay. Este año 2021, Leandro Erlich presenta «Semáforos, civilización o barbarie»

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Leandro Erlich en Campo Art Fest

Entrevista a Heidi Lender, fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay, donde Leandro Erlich presenta, "Semáforos, civilización y barbarie".

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Bajo el calor del verano uruguayo, todos los años, 38 kilómetros al norte de José Ignacio, el pequeño pueblo de Garzón es intervenido por una organización de arte para dar lugar al Campo Art Fest. Se trata de la fundación de arte liderada por Heidi Lender. 

Durante los últimos días de diciembre, el pueblo de 230 habitantes cobra una nueva vida: Los edificios abandonados son reutilizados como espacios de exhibición, las calles se cortan y el pueblo se llena de una vibrante atmósfera de festival. Campo ofrece un diverso cronograma de actividades culturales durante el festival, con propuestas de música, gastronomía y actividades para niños, entre otras. 

Nos reunimos con Heidi para que nos cuente sobre el origen de Campo, y el testimonio que nos brindó fue una crónica de crecimiento personal, de transformación y sanación. “Un día me desperté y supe qué era lo que quería hacer, pero para llegar a ese día fue necesario un largo proceso de curación y crecimiento”. 

Lender, oriunda de New Haven, Connecticut, recuerda que llegó a Garzón por primera vez hace diez años por casualidad. “En ese momento estaba haciendo un viaje con mi novio de entonces por Argentina y Brasil, y decidimos aprovechar para conocer Uruguay. Cuando llegamos a Punta del Este nos dimos cuenta de que era plena temporada y no quedaban alojamientos vacantes. Terminamos en Garzón, después de por supuesto perdernos en el camino, pero cuando nos recibieron fue como atravesar un portal y llegar a un paraíso mágico”. 

“Nos quedamos en una posada donde en la habitación adyacente dormía Francis Malmann, y la noche del 31 de diciembre él invitó a todos los huéspedes de la posada a celebrar el año nuevo con un asado en el campo. Había seis personas más en la posada, así que éramos alrededor de treinta personas festejando. Si Garzón todavía no nos había volado la cabeza, en ese momento lo terminó de hacer”.

 

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“Al día siguiente yo me desperté al alba y me fui a sacar fotos por el pueblo, me enamoré de una casa y ese mismo día empezamos negociaciones para comprarla. La pasamos tan bien que cuando continuamos con nuestro itinerario y llegamos a Brasil, nos miramos y nos dijimos ‘¿Qué estamos haciendo?’, dimos media vuelta y volvimos a Garzón”.

La vida de Heidi hasta ese momento había sido todo men

os predecible, y todavía le quedaba un largo proceso antes de que naciera la idea de Campo. Lender comenzó su carrera primero como periodista cubriendo moda en París, y llegó al puesto de directora de moda de Women’s Wear Daily y W Magazine. Después de eso Heidi viajó por el mundo, vivió ocho años en India practicando Ashatanga yoga bajo la instrucción de Patthabi Jois antes de volver a California en 2007, donde durante un tiempo Heidi tuvo un estudio de yoga secreto en San Francisco. 

Pero en algún momento esas estructuras comenzaron a resquebrajarse, y por debajo una faceta todavía más creativa de Heidi Lender comenzaba a surgir. Fue durante esa época que empezó a incursionar en la fotografía, y fue durante esos años del estudio de yoga en San Francisco que hizo el viaje a Garzón que cambiaría su vida. 

Total autodidacta, Lender supo usar la cámara de fotos para desarrollar una respetable carrera como artista. Hoy en día está representada por Richard Levy Gallery en Albuquerque en New Mexico, Guthrie Contemporary en New Orleans y Black Gallery en Pueblo Garzón. También durante esa etapa Heidi se separó de su pareja y emprendió un largo camino de reconstrucción y de crecimiento que la llevaría al comienzo de Campo. 

El break-up con su pareja dejó a Heidi sintiendo que su vida se había desmoronado y que ella había quedado enterrada debajo de los escombros. Lo describe como un tiempo de depresión y de introspección, durante el cual el proyecto de hacer un autorretrato diario era literalmente lo único que lograba hacerla salir de la cama. “Antes de esta etapa yo siempre me había sentido como una impostora en todo lo que hacía, y por primera vez sentí que estaba haciendo algo que surgía de mí y era algo completamente auténtico”. 

En los años que siguieron, Heidi cuenta que estuvo en todos lados y en ningún lado. Fueron años errantes, durante los cuales recorrió los Estados Unidos de punta a punta más de una vez con la cámara de fotos, pasó por Islandia, vivió un tiempo en Los Hamptons, pero siempre acordándose de Garzón. “Me estaba sanando”.  

“No hay mejor manera de contarlo, un día me desperté y dije ‘ya sé’. Voy a ayudar a otros artistas a que conozcan este lugar y puedan tener este viaje de soledad para conectar con ellos mismos y con otros en Garzón’”. Para ganar experiencia, Heidi inmediatamente consiguió un trabajo en la residencia de arte de UCross Foundation en Wyoming, donde se confirmó lo que ella venía gestando: La residencia iba a tener un programa bien definido, Garzón era perfecto por ser aislado pero la residencia iba a promover un alto grado de conexión humana. Los artistas comerían juntos casi todos los días. A diferencia de UCross, Campo iba a contar con un chef residente, y los artistas son invitados a intentar encontrar una forma de colaborar con la comunidad local de Garzón durante su estadía.

En 2016 se inauguró la residencia de Campo con diez artistas invitados, en un lapso de seis semanas. Hoy Campo cuenta con una junta de asesores, el espacio gastronómico Campo Canteen y el festival que todos los años reúne a decenas de artistas de distintas partes del mundo. “Yo quería que la residencia de Campo ofreciera la misma oportunidad que tuve yo, que fui seleccionada como artista y como una persona creativa para trabajar. Y recibí el regalo de poder trabajar, de no tener que ocuparme ni de la comida y poder crear todos los días”. La residencia de Campo además les ofrece a los artistas invitados un estipendio para pagar el viaje a Uruguay. “Recibir un regalo así me dio ganas de trabajar el triple, y eso fue lo que hice. Me sentía muy afortunada de que alguien en el mundo creyera en mi proceso creativo”. 

 

“Al mismo tiempo yo estaba pensando cómo podía hacer para involucrar a Campo con la comunidad, y cómo hacer para que ganara visibilidad lo que estábamos haciendo, y así fue que surgió el ArtFest. Un artista de Estados Unidos hizo un gran umbral, otra artista de Cuba intervino la estación de tren, y así se fue armando. Hoy en día todo es mucho más sofisticado, fui aprendiendo cada año.”

 

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Hoy en día la filosofía de trabajo de Campo en gran parte está definida por la necesidad de crear a partir de/desde lo que se encuentra inmediatamente disponible.  Es un desafío con el que se encuentran todos los artistas que trabajan en Campo, sean residentes, chefs residentes, o artistas del festival, todos deben aprender a aprovechar lo que se les da al máximo. 

En los últimos años el ARTFEST propone una temática con la cual los artistas son invitados a dialogar con su obra. La consigna para la temporada 2019/2020 “Uncommon Sense: Percepciones Cambiantes + Perspectivas”. La palabra “sense”, “sentido” en español invita a los artistas a invocar la vista, el olfato, el oído, el tacto, o el gusto para cuestionar los límites de la percepción.  Es mediante la articulación de esta premisa con el terreno que los artistas del ArtFest más se lucen. 

La temática de este año 2021 fue ON PROGRESS: reflexiones para seguir avanzando. Los artistas profundizarán en el “progreso” y cómo se relaciona con diversos temas,desde el arte, la religión y la raza hasta el género, la tecnología, el medio ambiente y la interconexión global.

Por segunda vez participa en CAMPO Artfest Leandro Erlich, el reconocido atista argentino -que también vive en Uruguay-. En colaboración con Xippas Galleries, Erlich, este año acompañando la temáctica On Progress presenta una instalación de alto impacto:  ̈Semáforos – Civilización o barbarie ̈. Esta instalación está inspirada en la relación que existe dentro del paisaje urbano con las regulaciones sociales, y de estructura. Al artista le resulta evidente que no se precisen semáforos en lugares como Garzón, sin embargo, a veces nota el empuje del “progreso” tratando de aplicar los órdenes de la ciudad en pueblos pequeños. “Esto lo veo no sólo ridículo, sino una falta de comprensión de la naturaleza de los contextos.Imaginen el día en que tengamos que pagar para estacionar el auto en el campo.”, comenta Erlich en una entrevista con CAMPO. 

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Pablo Albarenga instalacion by Natalia Ayala

En el año 2000 participó en la Bienal del Whitney y respentó a Argentina en la 49a Bienal de Venecia (2001). Vivió y trabajó en París durante unos años, y luego regresó a Buenos Aires. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y bienales de arte en todo el mundo. Es la segunda vez que Erlich participa en CAMPO Artfest: “Yo creo que el primer CAMPO Artfest ya expresó la seriedad y el compromiso ambiocoso del proyecto. Tamibién cristalizó el afán de la comunidad por participar y el deseo de ver un proyecto cultural.” Fundada por la fotógrafa y escritora Heidi Lender, CAMPO es un instituto creativo sin fines de lucro ubicado en Pueblo Garzón que apoya a artistas internacionales y persigue la colaboración intercultural por medio de residencias para talentos de las artes visuales, literarias, musicales y culinarias de todo el mundo. CAMPO ofrece tiempo y espacio ininterrumpidos para el trabajo y la reflexión personal y es la incubadora perfecta para el pensamiento creativo, el intercambio cultural y el compromiso con la comunidad.

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin.

Fotografías:

NA: Natalia Ayala https://alaluzdemisojos.wixsite.com/natayala 

FR: Federico Racchi https://www.lacelebracion.com.uy/federico-racchi 

Guillermo Fernández: https://www.instagram.com/guillermo_ez/?hl=es

HL: Heidi Lender https://heidilender.com


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Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

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Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

En colaboración con Connect, BTS, Aerocene Pacha en Jujuy

La culminación del proyecto de Studio Tomás Saraceno en colaboración con CONNECT, BTS Aerocene Pacha sigue consagrando a Tomás Saraceno como uno de los artistas latinoamericanos más audaces e imaginativos de su generación.

El proyecto de documentar el vuelo une pasajere usando solo energías atmosféricas desafía la clasificación: Es tanto arte ambientalista, hazaña de ingeniería y propuesta de curación de un director de arte de K-pop.

Pero la participación de CONNECT, BTS propone una premisa central que define todas las partes de lo que sucedió en Salinas Grandes el 28 de Enero: “la común unidad; la comunidad.”—Así lo expresó Ruben “Chino” Galián de Inti Killa de Tres Morros, quien terminó siendo un colaborador clave de este proyecto global que se presentó en su localidad de Salinas Grandes.

 

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Si desglosamos el trabajo presentado en el Centro Cultural Kirchner encontramos que se trata de una colaboración entre tres organizaciones que cumplen cada una un rol distinto: La Fundación Aerocene, encargada del vuelo del Arocene Pacha, la comunidad investigativa Vuela con Aerocene Pacha a cargo de articular el mensaje de la “posibilidad de cohabitar la Tierra de manera ética y sostenible”, y la iniciativa global Connect, BTS cuyo rol en este caso es el de producir la conexión y el trabajo en conjunto de las otras dos organizaciones. 

El vuelo de la escultura voladora marca no solo el primer vuelo humano libre impulsado por el sol, pero también un anhelado hito en la carrera artística de Tomás Saraceno, que lleva 20 años persiguiendo el sueño de volar sustentablemente. Un sueño que por cierto, lo llevó a instancias extremas como fracturarse la espalda en un intento de volar usando un globo aerosol fabricado con bolsas plásticas recicladas. Los colaboradores del Studio Tomás Saraceno reciben la culminación de su trabajo con una profunda emoción a través de la piloto Leticia Márquez, quien aterriza como la campeona que canaliza la euforia de la proeza y como múltiple batidora de récords mundiales. El Studio Saraceno además se ocupó de una serie de producciones audiovisuales que documentan el vuelo con el objetivo de “ver el lanzamiento a través de varias miradas”. El listado de cineastas incluye a Gastón Solinsky, Maxi Liana, Diego Belaunzaran Colombo, Matias Arturo Tarres, Julia Solomonoff y Ana Quiroga por Canal Encuentro, además del equipo audiovisual del Studio Tomás Saraceno. 

Además, la comunidad Vuela con Aerocene Pacha es fundada con el objeto de integrar puntos de vista heterogéneos sobre el proyecto de Connect, BTS y Aerocene. Y en este contexto se invita a las comunidades indígenas de la región a participar en conjunto con la socióloga especialista en extractivismo y derechos humanos. Los representantes de las comunidades indígenas de Tres Pozos, Pozo Colorado, San Miguel del Colorado e Inti Killa de Tres Morros, quienes encuentran coincidencias entre el ethos ambientalista de Aerocene y su tradición de vida en armonía con el medio ambiente articulan un mensaje de protesta contra la explotación de los recursos naturales a través de la minería que se manifiesta en el Aerocene Pacha con el lema “El agua y la vida valen más que el litio”. 

CONNECT, BTS por su parte es una iniciativa global de curadores en Berlín, Londres, Buenos Aires, Seúl y Nueva York con el fin de conectar individuos alrededor del mundo, bajo la propuesta filosófica de BTS “Centrada en la diversidad, el amor y el respeto por la periferia. El credo de BTS se encuentra totalmente permeado en el discurso del megaproyecto Vuela con Aerocene Pacha y es constantemente enfatizado por todos sus colaboradores, sean parte del equipo de Saraceno, el enviado de BTS Daehyung Lee, o algún integrante de las comunidades indígenas locales.

 

En el dia del despegue casi 500 personas se reunieron para ser testigos del hecho en Salinas Grandes, y luego de un desayuno ofrecido por las comunidades locales y de un ritual de agradecimiento a la Pachamama, el globo comenzó a llenarse de aire cada vez más caliente y la piloto logró dar sus primeros pasos en el aire, finalmente elevándose a una altura de 173 metros y recorriendo una distancia de 1,7 kilómetros antes de aterrizar.

Tal vez los más críticos,  se arriesgarán a decir que la obra de Saraceno en esta etapa puede parecer un poco autocomplaciente, sin embargo la hazaña del Studio Tomás Saraceno es sin lugar a duda un enorme paso en la dirección correcta hacia una cultura menos destructiva del ecosistema, y BTS también llega al 2020 posicionado como una fuerza global unificadora que busca romper con estructuras arcaicas de xenofobia, o como parafrasea Tomás Saraceno “Nuestro aterrizaje aquí es un pequeño paso en el aire y un gran salto para el planeta y su clima”.  

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin

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Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

ARTISTA

Kunstformen der Natur

La exposición se puede visitar en Praxis galería de arte. Arenales 1331.

Ernst Haeckl (1834 – 1919) fue un naturalista y filósofo alemán que popularizó el trabajo de Charles Darwin, creando nuevos términos tales como «ecología».
Es considerado uno de los grandes ilustradores del mundo natural del siglo XIX.

Kunstformen del Natur (Formas artísticas de la naturaleza, 1904) es un libro de 100 litografías representando varios de los tipos de organismos vivos, muchos de los cuales fueron descriptos por primera vez por el propio Haekel. El libro hace especial foco en sus aportes a los estudios de los invertebrados marinos, como las medusas y las esponjas.

Kunstformen der Natur influyó en el arte, la arquitectura y el diseño de principios del siglo XX, enlazando ciencia y arte. Bajo el mismo título, Gaspar Libedinsky presenta su obra pictórica.

 

 

Una progresión de precisas
operaciones físicas,

comprensión, tensión, rotación,
generan la obra pictórica.

Cada escobillón es una pincelada.
El peinado de sus coloridas cerdas sintéticas expresa
una diversidad de intenciones plásticas con menor y mayor
grado de control y accidente.

Estas composiciones pictóricas
plasman un universo explosivo de emociones
que remiten a la naturaleza más salvaje:
aquella que aún falta por descubrir.

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Venecia en clave verde

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Venecia en clave verde

Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal

Homenaje a Nicolás García Uriburu en el Bellas Artes, a medio siglo de la coloración del Gran Canal de Venecia.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición “Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal”, del 29 de junio al 30 de septiembre. La muestra conmemora los cincuenta años de la intervención del artista argentino en las aguas de Venecia, el 19 de junio de 1968. 

“Nicolás García Uriburu es un referente fundamental del land art y, a la vez, un pionero de la conciencia ecológica, que formuló con el lenguaje de la acción artística”, sostiene el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Tiñiendo las aguas de los canales de Venecia durante la Bienal de 1968, proponía una doble lectura en un solo gesto: al restituir su coloración denunciaba la actividad humana que trastoca la naturaleza volviéndola un artificio inútil. Por otra parte, lo disruptivo de la 

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acción, que se realizó en forma clandestina, sin amparo de las instituciones, ponía en cuestión el sistema de las artes, acorde al espíritu de la época”, agrega.

La exhibición, curada por Mariana Marchesi −directora artística del Museo−, se concentra en el período de 1968 a 1974, y reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas, así como un selecto grupo de pinturas realizadas en esos años.

En el marco de la XXXIV Bienal de Venecia convulsionada tras los sucesos del Mayo Francés, García Uriburu llevó a cabo una acción artística que, con el tiempo, marcaría un momento determinante de su carrera. Con la coloración del Gran Canal –enmarcada dentro las tempranas manifestaciones de la performance y del conceptualismo–, el artista argentino reflexionó sobre el rol de la pintura y las alternativas estéticas de la vanguardia, que abogaba por la fusión del arte con la vida.

Tras algunos meses de investigación, optó por utilizar una sustancia fluorescente para teñir las aguas, dado que reunía las condiciones visuales y medioambientales necesarias: inofensivo para la flora y fauna, colorante verde y uniforme. Esta iniciativa fue el origen de las numerosas intervenciones en la naturaleza que el artista desarrolló en distintas aguas del mundo –en Buenos Aires, París, Bruselas, Londres–, y que marcó la dirección de sus obras posteriores, siempre signadas por su preocupación por el medioambiente. 

“Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal” puede visitarse del 29 de junio al 30 de septiembre en las salas 39 y 40 del Museo. 

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Ernesto Arellano

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Ernesto Arellano

ARTISTA

Las Fuentes: Deseo, placer y poder

Las fuentes de interior son recortes del cuadro del Bosco El Jardín de las Delicias que corresponden a la búsqueda de situaciones escultóricas específicas, que hay muchas. Este es un cuadro que se basa en la idea de la composición a través del dibujo, cosa que por un lado facilita la cuestión escultórica y por otro la hace difícil, porque son figurines planos. Cada una de las composiciones tiene que ver con el goce en relación simbólica, principalmente, con el madroño, una fruta muy preciada en el medioevo, un arbusto ornamental de tres metros de altura. Sus frutros son comestibles y tienen propiedades asombrosas, son  antioxidantes, antibióticas, astringentes y hepatotónicas y durante su maduración producen una fermentación natural de los azúcares que produce alcohol.

 

El Bosco es un compilador de determinados desarrollos científicos de la época. El cuadro es un catálogo de pájaros que existen, y también es un bestiario de animales fantáticos, que aperecen en un tamaño mucho menor, ligados al imaginario de las mentalidades del campesinado. Esta diferencia de escala refleja la importancia que el Bosco le otorga a la ciencia, el deseo está puesto en la transmisión del conocimiento científico como si fuera un alimento. El poder político, por su parte, coloca al hombre y la mujer en pie de igualdad, en los cuadros del Bosco son figuras intercambiables donde no existe una jerarquía, la asexuación que se percibe tiende a remarcar esa idea.

Ernesto Arellano, 2018.

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Toto Fernández Ampuero

Toto Fernandez Ampuero. Ofelia.
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Toto Fernández Ampuero

ARTISTA

Siempre me interesó la pintura al óleo como técnica principal de mi obra. En este contexto uno de mis intereses principales gira en torno a los conceptos formales y tradicionales de la pintura, técnicas, materiales y soportes, Dando prioridad al oficio de pintor como punto vital para la creación de una pieza de arte.

Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos, incido mucho en la psicología individual, creo personajes, con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. Busco que la obra sea un punto de partida para empezar un descubrir.

Trato a los individuos, tanto hombres como mujeres, como personajes atemporales sumergidos en un momento que lo sugiere  la propia obra.

Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina, etc. La figuración es la predominante en toda mi obra. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, dejando a los personajes masculinos, el rol de una comparsa que a distancia y silenciosamente acompaña en algunas  obras.

Uso la representación femenina como figura de conflicto: objeto de deseo, para mí es un ideal estético de sofisticación y glamour; pero

 también objeto (y no sujeto) esquivo al deseo. Procuro que predomine una mirada “masculina” del tema del género, los roles y la configuración del erotismo en este contexto.

Mi paleta la considero sobria, depurada y restringida en mis primeras obras, mientras que en la actualidad hay un uso considerable de color y multiplicidad de tonos, influenciada por la cultura urbana actual, así como el diseño y la media.

Mi gusto por valores y patrones globales, históricos y mediáticos hizo de la apropiación de imágenes una constante en mis primeros años, actualmente produzco mis propias las fotografías, busco la/os modelos hago la dirección de arte y el styling. La fotografía se ha vuelto un punto de inicio, más no define la totalidad de mis pinturas, busco que tenga su propia temperatura y composición, yo dejo que el cuadro me vaya guiando hasta su consecución.

Si bien todo esto ha sido un proceso he procurado que sea algo orgánico y natural, en la actualidad mis intereses están en la pintura en gran formato, siempre de manera figurativa.

 He encontrado en la colaboración con otros artistas, experiencias de las que puedo nutrirme, así puedo decir que el desarrollo interdisciplinario ha hecho que pueda desarrollar mi trabajo en otros ámbitos del arte que no dominaba, como las artes digitales o el video.

Toto Fernández Ampuero.

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Nora Unda

detalle Divino Amor 2016 Nora Unda

Nora Unda

ARTISTA

Mi proceso creativo emerge desde una experiencia cercana a la muerte, la que me hizo encontrar en los fragmentos de mi memoria, los recuerdos de mi infancia y me ha llevado a hacer en mis creaciones, una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.

Para desarrollar e inmortalizar  lo que tengo en mi imaginario utilizo como material principal plasticina, porque es volumétrico, lúdico,  transformable y colorido, lo que ha permitido conectarme con fluidez a mi esencia.

Actualmente estoy desarrollando  la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida, siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias.

Los animales son parte de nuestro ecosistema global, nuestra falta de consciencia ha hecho que en el paso de los años, el respeto por su sabiduría y origen sean olvidados.

Mis obras son respuesta a una  reflexión análoga, en torno a mi manipulación de fragmentos de naturaleza artificial y a la manipulación humana hacia el origen de los animales, la que ha tenido como propósito, clasificar para entender el comportamiento de especies según su hábitat y a la vez ha intervenido para crear otras nuevas, apropiándose en algunos casos de la identidad en relación a un país, llegando a perder el respeto por ellos (los animales).

A su vez, mis creaciones, son interpretaciones de ritos de amor, libertad y encuentro, entre un ser que se conoce y  acepta a sí mismo y  desde la unión instintiva entre dos seres sin prejuicios, sin importar su raza, credo o identidad.

Nora Unda , Chile 1982

 

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Mercedes Pérez San Martin

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Mercedes Pérez San Martín

ARTISTA

El peso de las consecuencias
El desarraigo

En mi obra los planos y las formas se fragmentan, los volúmenes se desarman en la tela, las sombras son incoherentes. En los elementos que aparecen en mi pintura hay una continuidad-discontinuidad, un armado y desarmado de líneas y planos que se yuxtaponen. La información es harta, así como los ángulos y direcciones.

Pienso en el papel que juegan los recuerdos en la construcción de la obra, en la identidad del artista. La memoria es mi herramienta de 

trabajo, y sin embargo mi proceso jamás parte de algo consciente, no hay proyectos previos, ni bocetos: mi trabajo es ansioso y meticuloso, pero desmemoriado, se centra en el ahora todo el tiempo.

Pero entonces, si mis formas y líneas se fragmentan ¿responden ellas a una fragmentación interna? ¿Qué lugar ocupa en mi memoria el mundo contemporáneo, la vida urbana, mis sucesivas migraciones, adaptaciones, re-adaptaciones y maternidades en distintas ciudades, culturas, comunidades,? ¿Qué sucede luego con mi identidad? Será que mi obra habla acerca de la inmigración y sus consecuencias. Será que parte de una necesidad de destrabar recuerdos.

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arteBA 2018

Espacio de performance - arteBA 2018
Espacio de performance - arteBA 2018

arteBA 2018

UNA EDICIÓN LLENA DE SORPRESAS Y NOVEDADES

Por Mariana Gioiosa

Una Ciudad Hidroespacial, compuesta por maquetas y constelaciones del gran artista Gyula Kosice; Tri-obtique chromatique y Dilatación mercurial, dos esculturas cinéticas de Martha Boto que proponen juegos ópticos entre la luz y el color en la Galería María Calcaterra; Docientos Pesos Fuertes, de Cristina Piffer que hace alusión a la constitución del Estado nacional y la concentración de las tierras productivas, realizada con sangre de vaca deshidratada, vidrio y acero inoxidable,  exhibida en la galería Rolf, son solo algunas de las obras e instalaciones que sorprendieron en la edición número 27 de arteBA.

Kosice, Ciudad hidroespacial
También llamaron la atención la escultura móvil cinética con forma de poliedro color azul de Julio Le Parc, llamada Star y la escultura de 3 metros de altura de Enio Iommi, Volumen espacial que se presentaron en la galería Del Infinito. Tampoco pasó desapercibido el sector dedicado a Antonio Berni con collage, gofrados y pinturas como Incendio en el barrio de Juanito en la Galería Sur, entre otros trabajos. Este año participaron 84 galerías de 27 ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Punta del Este, San Pablo, Berlín, Miami y Nueva York y contó con la presencia de aproximadamente 80 mil visitantes. Entre los museos e instituciones que adquirieron obras destacamos al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía que compró Caballetes, de Mariela Scafati, en Isla Flotante y al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona que eligió para sumar a su colección  El fin, el principio ; Edificio Letra y Temple de  Magdalena Jitrik representada por la galería Luisa Strina. Además el presidente del Molaa Long Beach, Estados Unidos, escogió Infinito Red Sunset, del artista Matías Duville, en Barro Galería.

En el recorrido de la feria, llamaron la atención la escultura móvil cinética con forma de poliedro color azul de Julio Le Parc, llamada Star y la escultura de 3 metros de altura de Enio Iommi, Volumen espacial que se presentaron en la galería Del Infinito. Tampoco pasó desapercibido el sector dedicado a Antonio Berni con collage, gofrados y pinturas como Incendio en el barrio de Juanito en la Galería Sur, entre otros trabajos.

Este año participaron 84 galerías de 27 ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Punta del Este, San Pablo, Berlín, Miami y Nueva York y contó con la presencia de aproximadamente 80 mil visitantes. Entre los museos e instituciones que adquirieron obras destacamos al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía que compró Caballetes, de Mariela Scafati, en Isla Flotante y al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona que eligió para sumar a su colección  El fin, el principio ; Edificio LetraTemple de  Magdalena Jitrik representada por la galería Luisa Strina. Además el presidente del Molaa Long Beach, Estados Unidos, escogió Infinito Red Sunset, del artista Matías Duville, en Barro Galería.

Resultó novedosa la propuesta montada para los niños, con actividades recreativas todos los días. Este lugar fue inaugurado por el artista Yuyo Noé  y un grupo de chicos de la villa 21-24  que hicieron un gran mural con pinceles abiertos, colores flúo y  liquid paper. Para los más grandes hubo un nuevo programa de arteBA de recorridos originales, coordinados por artistas jóvenes, historiadores de arte y gestores culturales con distintos ejes temáticos cómo mundos fantásticos y una selección de trabajos representativos teniendo en cuenta los distintos contexto históricos y técnicas utilizadas.

Se destacaron también los debates en Open Forum como el impacto de la inversión privada en el desarrollo de la escena del arte, exhibición de objetos, instalaciones y experiencias artísticas fuera de espacios convencionales y coleccionismo. El espacio Barrio Joven le dedicó un lugar central a la performance. Algunas de las más comentadas fueron iSEXY de Lolo y Lauti y Quería que mis dedos entraran en las teclas de la Galería Acéfala.

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Isla de ediciones arteBA 2018

En cuanto a la presentación de libros en el sector Isla de Ediciones, resultó relevante $oporte. El uso del dinero como material en las artes visuales de Hernán Borisonik y el facsímil de Revista Arturo. Tuvieron gran convocatoria temas dedicados a la igualdad de género como  Feminismo y arte latinoamericano, Historias de artistas que emanciparon el cuerpo de Andrea Giunta, ideas y acciones en debate del colectivo Nosotras proponemos y Experiencias en la militancia feminista y queer.

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