Guadalupe Vilar

03/02/202412/12/2023 por Hoornik Art

December 22nd, 2023

Guadalupe Vilar

Recognizes her power in the realm of impactful installations

Guadalupe Vilar, born and raised in Argentina and now based in London, has been working on her art unstoppably, creating a new world by embracing the chaos she experiences.

She endeavors to demonstrate a more transparent, sensitive, empathetic, and purposeful approach to fashion and art, guided by authenticity, spirituality, risk, and success within the framework of a sustainable mindset. Her artwork is recognized for its contrast between materiality, derived from sculpture, and the desire to change the perception of the ephemeral cycle we are in as a society. Rooted in the appropriation of materiality, her artwork tells the story of self-recognition in creating a mutation within space—an experimentation involving destruction and rebuilding between death and time.

Guadalupe says:

“To establish a connection with oneself and the surrounding environment, and examining the present reality from a social perspective. I am dedicated to crafting narratives, unraveling community dynamics, temporarily shelving ego to alleviate individual suffering, and nurturing a new ecosystem where we can reveal a world that refrains from causing harm to itself. Through collective collaboration on these matters, we not only have the potential to support one another but also to flourish together”.

Guadalupe’s work, in my intuition, relates to Sonia Gomes’ contemporary artworks—a Brazilian artist who, like Guadalupe, is self-taught. Gomes evokes manual feminine labor using second-hand textiles and everyday materials, connecting objects to memories and creating abstract sculptures that enhance historical margins. I can definitely see how Guadalupe reinforces, through her creations, the margins of our current society immersed in a deadly everyday behavior, where we avoid thinking of consumption’s destructive impact.

As small as a disruptive act may be in the face of the environmental disaster we are experiencing as humanity, Guadalupe Vilar understands this chaos and expresses it through various physical means. The narratives in her work began with clothing, crafted from recycled and leftover materials. These expressions unfold in transitions, with the created identities being autonomous and reflecting human consciousness from a raw perspective. For her, waste marks the beginning of a new cycle—a catalyst for spiritual evolution that involves humans in the deconstruction cycle. The idea of resurrecting, viewing life and death as part of nature, changes the concept of time, transversal, and blurring the conventional boundaries associated with death, time, and space. Time is reflected in artworks as objects, defining and redefining periods.

Investigation is inherent in her nature—she is a natural researcher, an experimental being. Guadalupe seems to come from the future, and these stories reflect her artwork—death as the re-signification of material, the deconstruction, and relocation to generate a new visual dynamic. Values shift and are intervening in this redistribution; the material becomes waste, part of the process of accepting that the society we live in today is no longer functioning. We need to mentally transport ourselves to a new era where economic matters are solved, and taking care of the planet is the primary reason to exist and create.

What motivates her to move forward:

«New textiles and industrial materials are emerging, like a luminous three-dimensional installation project accompanied by a concise clothing collection. The cycle of where she started repeats but refreshes with knowledge and intention. In my artwork, I aim to invite the spectator to a new individual and collective consciousness; clothing is ‘Desvestida’—named so because clothing is just an autonomous piece within the entire ecosystem to which it belongs.»

Trinidad Metz Brea

11/12/2023 por Hoornik Art

Trinidad Metz Brea

Participó en Pinta Miami 2023, luego de inaugurar su muestra FERALES en Buenos Aires

Durante la semana de Art Basel Miami 2023, Trinidad Metz Brea participió por primera vez en Pinta Miami, feria en la que el arte latinoamericano es protagonista:

“Valeries participó de la sección NEXT de Pinta, curada por Giuliana Vidart. La propuesta consistía en emparentar y generar un diálogo entre dos galerías de distintas regiones, en nuestro caso compartimos el stand con un proyecto de Perú”.

Su obra escultórica es trabajada como un campo expandido, a través de herramientas digitales, nuevas tecnologías confluyen con métodos manuales, generan un diálogo entre lo mundano, terrenal, ecológico, biológico y lo mutante, los bestiarios, los juegos en línea, un universo extraño mito de origen de seres fantásticos con reminiscencias humanas, animales, vegetales, y de fantasía. Cuerpos e identidades híbridas con la potencia de las nuevas tecnologías, la antropofagia cultural, la Internet, el apocalipsis y las disidencias.

Se diluye a través de la porosidad que representa un sujeto moderno multirelacional, y logra constituir subjetividades post humanas. Esta encarnación moderna incorporada en el universo 3D de trinidad, connota y demuestra, la superabundancia en la creación de una mitología con naturaleza propia.

“Trabajo en la intersección de lo natural y lo artificial, lo cotidiano y lo extraño, lo autóctono y lo alienígena, así como la naturaleza cíclica del tiempo. Son fábulas y crónicas fantásticas contemporáneas que encarnan el sentimiento actual de incertidumbre, misterio e inestabilidad, provocada por la tecnología, la crisis ecológica y económica y el cambio de paradigma. Asi como posibilidades de nexos y modos de supervivencia alternativos”.

El proceso continúa y se reproduce de manera constitutiva. El germen instaurado por la búsqueda de nuevas técnicas digitales y oficios mixtos, genera un diálogo que la artista descubre en el proceso de entender su cualidad humana (o sobrehumana). Logra integrarse a la naturaleza como sujeto moderno y se posiciona contra el perspectivismo, incorpora las utopías e ideologías y las transforma en una interacción que venera y crea su realidad suprema en escenas de muerte, maternidad y evolución de un cuerpo más allá de lo humano.

Encontramos la vivencia de una biología híbrida, afectada por la digitalización expansiva, la hiperconectividad, y la destrucción representada en una identidad posthumanista, fin de una era antropocentrista.

La mutabilidad coexiste entre el archivo, el soporte y la presencialidad: Los bestiarios medievales, la zoología, el quiebre normativo, la sexualidad. Entre el paraíso y el mundo subyacente: La creación y la destrucción.

Trinidad Metz Brea logra en Ferales, su nuevo SOLO SHOW en Aura Fábrica, descomponerse a sí misma para integrarse a un ecosistema que se adueña de la infraestructura humana, al generar entidades desconocidas y una nueva percepción vincular, en esta oportunidad, atravesada por la identidad genética que connota lo propio y ajeno.

Podemos relacionar su obra a la idea de “Presencia de abolición” en referencia a Souleymane Bachir Diagne “In the Den of the Alchemist”, donde la ciencia no es sobre la certeza, sino la precariedad de lo que consideramos el mundo exterior, fuera de nosotros, y por lo que la mecánica cuántica nos ha enseñado, las estructuras mentales y las categorías por las que entendemos el mundo, el mensaje probablemente sea: “En el laboratorio, la ciencia transmuta en poesía” y es ahí donde la obra de Trinidad se refleja en esta contra-super-exposición ante el mundo exterior.

Entrevista Desgrabación:

C: Lo que estoy viendo es una imagen que tiene una construcción pero si uno se las imagina y las piensa, luego no las vuelvo a recuperar, es como si fuera un “flash” de imaginación, la sensación de reconstruir un sueño, hay una mística. También me gustaría sumar la pregunta: ¿Qué fue te pasó cuando expusiste desde el principio, se puede comprender desde tu obra si la conocés pero si no, más allá de las expos, de los premios, como es vivir eso desde cero, como fue ese recorrido, desde que pintas… al presente.

T: Creo que empecé a estar más visiblemente activa en el mundo del arte en el 2018. Tuve la oportunidad de tener mi primera muestra individual en el 2019. Esta es mi tercera muestra individual. Creo que esta buenísimo, mandar a premios, todo lo que conlleva eso.. aprender a quedar y no quedar. Exponer, conocer personas que admiras, trabajar con ellxs.

C: ¿Pensás que en el 2020, o antes, en el boom tecnológico, todos tuvimos que adaptar a depender de la tecnología, pensabas que tu obra ya tenía estos rasgos de videojuego y tecnología desde antes?

T: Yo creo que hay algo de sci-fi… entre utópicos, post-humanos y apocalípticos. A través del modelado y la impresión 3D encontré la forma de canalizar este tipo de imaginarios y se fusiona a la vez con otras técnicas, la impresión 3D. En el mural que es bastante netamente digital en su creación y las otras piezas que tienen trabajo manual, confluyen muchas influencias, universos y metodologías de trabajo.

C: Me contaste que tomaste la comunión.

T: Yo creo que hay algo de referencia bíblica, pero no directamente bíblica, un poco atraviesa la obra que está en la trastienda. En esta, es referente al candelabro, la fé, la peregrinación de la iglesia. Directa o indirectamente puedo ver esta referencia de la historia del arte, también: “Se puede parar el ave fénix ahí arriba y cambia todo”.

C:Desde que empezaste el modelado 3D, empeaste a usar mucho más tu cuerpo, y debes haber reflexionado desde la corporeidad de la obra, se me ocurre, tu forma de percibirte y volcar tu individualidad a eso. ¿Qué se te ocurre de ese pasaje de la pintura a lo 3D, lo viviste en relación a ese contacto y cómo fue?

T: Es una carnalidad, las formas y las corporeidades siempre me interesaron en el trabajo previo y en esto también. Identidades más fluidas e híbridas, quiméricas, romper con conceptos binarios y cuestiones normativas del cuerpo y demás. Corporalidades distintas y no convencionales. La monstruosidad es una vía para explorar eso también.

C: ¿Viste el corto monstruo dios? Es de Agustina San Martin. Te debería mostrar, porque me encanta esta idea de la monstruosidad que genera este dios aparte, ¿Dónde vamos, que generamos? Y esta buenísimo.

T: Yo creo que surgen potenciales deidades, potenciales corporalidades, es todo potencialidad. Imaginar un futuro distinto, vinculaciones distintas, crear nuevas realidades que sean un reflejo de experiencias subjetivas y colectivas.

C: Veo esta idea planteada en el texto, porque lo leí, pero si soy una persona que visita la muestra, no es lo primero que pienso, si está lo de la naturaleza, lo humano y la monstruosidad, pero después pienso, en lo propio y lo ajeno que está entre la subjetividad y lo colectivo, y lo individual y el entendimiento comunitario de una verdad…

T: No sé si en ese sentido sería el entendimiento comunitario de una verdad, porque siento que las verdades son un montón y son super particulares y hay tantas verdades como puntos de vista. Pero si en el tipo de imágenes, situaciones que son muy sensibles o vinculares, por ejemplo el “Beso de las babosas”, que en realidad sale de una referencia biológica, que son las Babosas Leopardo, que a mi me encantan, y tienen genitales externos, lenguas, etc. Fue un punto de partida visual y la mutación de estas criaturas, el recurso de humanizar ciertas formas de vida, lo hace más empatizable en algún punto.

Es un momento íntimo y sensible, y táctil entre dos criaturas y después tienes un montón de situaciones que son más como el mural que engloba otras.

C: Lo de las babosas lo veo como parte de un contacto en un ciclo en el que es inevitable, ese contacto. Lo demás en tu obra, lo entiendo como una construcción, no como ese contacto íntimo que no se puede controlar, porque es parte de existir, sino una forma de observar todo lo que ocurre aunque no controlás nada.

T: Sí, hay momentos en los que se afectan y no se afectan, se pisan y son no conscientes de lo que está sucediendo ahí, y esta esta idea de que el humano es este ser en sí mismo y funciona alejado de los demás, pero se entiende cada vez más en todos los campos: Ciencia, biología, ecologia y es que está todo muy interconectado y todos son desencadenantes ligados y en cadena. Que si a una especie atraviesa un desbalance, consecuentemente afecta a otra que a su vez repercute en otras…y así.

El sobrevivir es colectivo en este planeta, es intraespecie, el modo y la estrategia es en forma de red y vincular, y no como individuos, está la idea del humanismo y modernismo, el hombre como punta de la piramide, ser evolucionado y en realidad no, hay muchas inteligencias, las plantas las tienen, es un poco canalizar estos otros universos y condensarlos.

Y en cuanto a la construcción, a veces uno recurre a uno mismo para atrás (con ideas o escritos pasados) y dialoga con eso, asi como con el curador. Con Sofi Dourron fue una idea de desarrollar la muestra, las piezas, esa construcción fue muy trabajada y pensada. Fue expandir el diálogo, dejar entrar otras voces, que te hagan preguntas, y tomar eso.

C: Yo estoy agarrando lo ya hecho.

T: El texto de sofi es fantastico, me sacó chispeando. Es interesante y rico cuando se integran otras voces, como la pista que hizo Lila para la muestra, que condensa este universo de los sonidos de la naturaleza, agua, critters. Criaturas revolucionadas, distintos planos de expansión y de generación de universo. El mito de origen, las fábulas, estas estructuras narrativas que dan sentido a distintas realidades y maneras de percibir el mundo.

Después del fin del mundo

Está ese fin del mundo alimentado por las teorías no future del capitalismo extractivo contemporáneo, la especulación apocalíptico-financiera y los agentes del colapso. Ese que ante la crisis climática y social, las guerras físicas y culturales y las economías neocoloniales que estrujan y desplazan cuerpos humanxs y no humanxs, nos sugieren que agonicemos en la parálisis de un presentismo eterno. Ese fin del mundo que a fuerza de pensamiento moderno-occidental empuja a multitudes a replegarse sobre sí mismas, refugiándose en el universo del sujeto autodeterminado e individualista que se afirma a sí mismo contra cualquier voluntad social que represente una diferencia.

Allí, la agencia solo es posible gracias a la separación del individuo respecto de sus entornos naturales y construidos. Pero, en un futuro incierto y sin datar, existe también un fin del mundo otro, un paisaje todavía en llamas, donde la vida, a pesar de todo, continúa. Ahí se encuentra Ferales, un territorio fugitivo construido de yuxtaposiciones fantásticas entre el pasado y el presente, lo cercano y lo lejano, lo grande y lo pequeño, el peligro y la distopía, que emerge del potencial de aquello que subsiste/resiste: una planta, una babosa, una semilla, una topadora. De estos encuentros materiales brotan nuevos cuerpos y una poética de transición para un mundo azotado por el clima, una especie de umbral donde confluyen catástrofe y libertad para avivar la imaginación ecológica y política. Sumergida en esta ficción climática, Trinidad explora los mundos ecológicos que emergen cuando entidades no humanas se enmarañan con proyectos de infraestructura humana y el sujeto occidental-kantiano deviene sujetx multirelacional desdibujando la diferencia, haciendo de ella una interacción porosa y babeante entre el adentro y el afuera.

Mundos en los que los organismos se reproducen de manera constitutiva. Sus escenas de cópula, muerte y maternidad más-que-humana insinúan un recurso para la esperanza enraizada en una posible evolución humana que se dirige hacia un cuerpo y unas subjetividades posthumanas. Ferales engendra así unas vidas desenfrenadas, que en su multiplicidad y monstruosidad no pueden ser fácilmente reducidas, divididas o conquistadas.

En ese territorio cenagoso de producción y reproducción se dibuja finalmente la figura de una agencia posthumana (o la más humana de todas) que emerge del cultivo de formas vitales de reconocimiento y respuesta a los urgentes desafíos del presente. Una agencia que desborda la realización de algún yo esencialista, para dar lugar a unas subjetividades tentaculares y a unos devenires metamórficos.

x Sofía Dourron

arteba 2023, la feria de arte más importante de Latinoamérica en el contexto de la semana del arte en Buenos Aires

03/09/2023 por Hoornik Art

arteba 2023

La Feria de Arte Contemporáneo más importante de Latino América en el contexto de la semana del arte en Buenos Aires

En Buenos Aires, en este clima caldeado del 2023 previo a las elecciones presidenciales, y ante una inminente crisis, arteba presenta su edición número 32 de la feria en Costa Salguero, Buenos Aires del 1 al 3 de Septiembre. Se reunieron más de 58 galerías y proyectos artísticos de la región. Larisa Andreani, Presidenta de la Fundación, invocó a los visitantes a vivir su experiencia, y resaltó la tendencia generada durante la pandemia, en la que inevitablemente comenzamos a vivir más nuestros espacios comunes, pensar en nuestra vivencia dentro de las rutinas simples, la llamada del arte a lo cotidiano.

Ante este contexto de incertidumbre, nos sorprende la repercusión de ventas en la feria, antes de abrir, rompió records, hubieron galerías que lograron vender todas sus obras en el día anterior a la apertura, dedicado a los invitados especiales, las galerías de artistas jóvenes no se quedaron atrás, y la escena de la feria dió lugar a muchas más ferias de venta de obras alrededor de la misma, eventos de arte, subastas, etc. comparado con años anteriores. La tendencia en el contexto de la semana del arte a nivel global es el mismo, y Buenos Aires no se queda afuera, esta vez, hubieron 3 ferias circundantes a la edición tradicional y protagonista, de la feria de arte más importante de Latinoamérica, entre ellas: Affair, La Bienal de Arte Contemporáneo Sur, BADA y BAphoto. Diferentes propuestas que logran unir a la ciudad bajo un mismo motivo, la celebración de la creatividad y el arte.

La feria contó de una sección principal, de galerías establecidas con trayectoria, en representación de artistas que lideran el mercado del arte en nuestro país, y sectores circundantes como “Utopía”, representada por artistas emergentes y vanguardistas. Hubo también programación artística y arte digital encabezado por los artistas y colectivos de NFTS más precursores de nuestro país, con amplio reconocimiento a nivel virtual/global o espacios de arte digital como el de Artlab.

Los premios de esta edición reconocieron en primer lugar a Eduardo Constantini, fundador y presidente del MALBA (Museo de Arte Latinoaméricano de Buenos Aires) como coleccionista comprometido, quien cuenta emocionado en alguna nota de Infobae, como adquirió sus primeras dos obras de arte de Leopoldo Presas y Luis Barragán, en cuotas, luego de sorprenderse ante una obra de Berni, y no tener el presupuesto necesario para adquirirla, para él, así comenzó su recorrido, de manera “espontánea” ya que nadie en su familia coleccionaba arte en ese entonces.

Hoy en día las ferias de arte contemporáneo a nivel internacional, premian a quienes coleccionan en distintas escalas, en este caso Eduardo, se llevó el premio galardón. Cada una de las ferias tiene a sus coleccionistas estrella de trayectoria que representan las colecciones más importantes, mientras que por otro lado se entregan los premios de adquisición ó reconocimiento a las entidades u organizaciones que adquieren obra para sus colecciones público/privadas, es el caso de Macro Rosario, El museo de arte contemporáneo de Salta, el MALI de Lima, el MACBA, MALBA, Museo Municipal “Basilio Donato” de Sunchales, Lugdwig Museum, y otras entidades que se llevaron obras de artistas emblemáticos como Romulo Macciò, Marta Minujín, Gyula Kosice, fotografías de la galería Vasari por Annemarie Heinrich, y el Premio Obra, que busca destacar la creatividad vanguardista de los artistas emergentes, espacio creado por Juan Cambiaso. Este premio aporta económicamente al artista elegido y no adquiere la obra en si para ninguna colección particular. También hubieron 6 proyectos dentro de esta sección que fueron seleccionados para Beca MICA Utopia, un programa inaugurado por la Fundación arteba y el Ministerio de Cultura de la Nación a través del MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas).

Anuncio de resultados de las Becas Fundación Ama Amoedo 2023

22/07/202322/07/2023 por Hoornik Art

ES BECAS Gacetilla de Prensa Fundacion Ama Amoedo 2023

Becas Fundación Ama Amoedo 2023

Anuncio de resultados de las Becas

Montevideo, Uruguay–. Tenemos el agrado de anunciar los resultados de la primera edición de las Becas Fundación Ama Amoedo. Entre aproximadamente 2000 aplicaciones, se seleccionaron 10 proyectos en las categorías –Artistas, Arte y compromiso social, Organizaciones y Publicaciones– que recibirán un apoyo de $10,000 dólares con el objetivo de brindar recursos y oportunidades para el fortalecimiento del ecosistema del arte latinoamericano y sus instituciones.

Con un foco predominante en Sudamérica, las Becas apuntan a visibilizar la diversidad cultural y social, reconociendo y celebrando la multiplicidad de enfoques, generaciones y trayectorias. ¨Las propuestas seleccionadas en esta primera edición coinciden en la misión de ampliar el panorama de oportunidades para las artes visuales. Los proyectos invitan a la reflexión, a la experimentación y presentan un compromiso profundo con la práctica artística¨, señala Amalia Amoedo, Directora Fundadora.

El Jurado estuvo compuesto por Sonia Becce (Curadora independiente), Marina Reyes Franco (Curadora, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico), Yudi Rafael (Curador e investigador independiente) y en representación de la Fundación, Verónica Flom (Directora, Fundación Ama Amoedo): “Como jurado, la selección presentó grandes desafíos debido a la excelente calidad de las aplicaciones. Tenemos la certeza que las Becas Fundación Ama Amoedo constituyen un apoyo estructural a la hora de incentivar y materializar visiones innovadoras en distintos contextos de producción. Los proyectos seleccionados significarán un aporte directo al campo del arte latinoamericano y generarán un impacto positivo en las distintas comunidades en las que se encuentran insertos. Esperamos que los artistas, organizaciones e instituciones seleccionados logren sus objetivos, y en su camino estimulen la reflexión y alienten el reconocimiento de la pluralidad del ecosistema del arte contemporáneo.¨

Artistas

Paula Castro (Argentina)

Sofía Córdova (Puerto Rico)

Rafael Rg (Brasil)

Campo Sucio (Uruguay)

Organizaciones

La Nueva Fábrica (Guatemala)

Travesías Terremoto (México)

Arte y Compromiso Social

Ruta del Castor (México)

Solar dos Abacaxis (Brasil)

Publicaciones

[NAME] Publications (EE.UU./Cuba)

Ticio Escobar (Paraguay)

En la categoría Artistas, Paula Castro (Argentina) producirá una serie de esculturas que revisitan la historia del arte argentino; Campo Sucio (Uruguay) realizará un espacio verde autosustentable que se instalará de forma permanente en el espacio público del EAC en Montevideo; Rafael Rg (Brasil) realizará obra inédita investigando las rutas de fuga de los esclavos afrodescendientes sobre el territorio brasilero; Sofía Córdova (Puerto Rico) continuará la producción de su serie Mano de obra realizando obra en performance, video e instalación.

En Arte y compromiso social, Solar dos Abacaxis (Brasil), inaugurará el programa Oficina Solar, que brindará oportunidades a artistas nacionales en situación de vulnerabilidad; Ruta del Castor (México), desarrollará una iniciativa piloto que replicará las metodologías y procesos de su actual programa de residencias centrada en el intercambio entre artistas, infancias y cuidadoras en una casa hogar de la CDMX.

En Publicaciones, el curador e investigador Ticio Escobar (Paraguay) relevará ensayos y análisis críticos inéditos con el objetivo de publicar y difundir las artes contemporáneas de Paraguay; [NAME], Publications (EE.UU./Cuba) co-editará junto al artista Glexis Novoa una publicación que recopila el arte performático en La Habana en la década de 1980.

En Organizaciones, La Nueva Fábrica (Guatemala) inaugurará un eje de inclusión social y de género dirigido a artistas de Centroamérica; Travesías Terremoto (México), comenzará un programa de residencias que busca explorar territorios descentralizados en el continente. Sobre Fundación Ama Amoedo Fundación Ama Amoedo es una organización sin fines de lucro concebida con la misión de crear un impacto duradero en el ecosistema del arte contemporáneo latinoamericano. Focalizada en ampliar el reconocimiento y el valor social del trabajo artístico, Fundación Ama Amoedo ofrece a artistas y agentes culturales diferentes iniciativas para apoyar sus prácticas, como becas, programas y residencias artísticas.

Chaile

05/06/202322/05/2023 por Hoornik Art

Gabriel Chaile. Ingeniería de la necesidad

Por Victoria Verlichak

Gabriel Chaile (Tucumán, 1985) es un escultor que tiene algo de antropólogo y arqueólogo. Desarrolla una sentida obra que incluso refleja su identidad; posee ascendencia afro-árabe, española e indígena de la comunidad La Candelaria. Sus grandes y notables piezas condensan saberes ancestrales y preocupaciones sociales. Con rasgos antropomorfos o biomórficos, mayormente, se inspiran en artefactos de diferentes antiguas culturas prehispánicas y de su propia historia; traen al presente ciertas expresiones visuales de los pueblos que se desarrollaron en el Noroeste argentino. Las piezas, como los hornos de barro, suelen conjugar lo simbólico con lo utilitario. En este sentido, éstos recuerdan a la obra Construcción de un horno popular para hacer pan que Víctor Grippo, con Jorge Gamarra y un artesano llamado Rossi, realizó en 1972 en la Plaza Roberto Arlt para la muestra Arte e Ideología, CAYC. Tiempos de dictadura militar (1966-1973), la exhibición duró un solo día y el horno fue destruido entonces por la censura. ¿Por qué invitaba juntarse y compartir “el ritual comunitario de la alimentación”?Precisamente, un horno funcional de Chaile acaba de ser vendido por la galería berlinesa CherLüdde por 60 mil euros, a un coleccionista europeo en la feria ARCO Madrid. Pero no es la única escultura del artista que se halla en la vieja Europa. Es que el artista no solo vive entre Lisboa y Buenos Aires sino que es uno de los impulsores -junto a otros artistas- del proyecto colectivo NVS, “plataforma estratégica” y galería europea, que representa a artistas latinoamericanos en la capital portuguesa y que tiene a Chaile como director artístico. Multipremiado, Chaile estudió artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Fue invitado a varias residencias y programas de artistas como el de la Universidad Torcuato Di Tella. Tuvo su primera exposición individual en 2008. Además de las esculturas, que son exhibidas en museos y bienales de aquí y del exterior, su trabajo suma foto performance, dibujo, pintura y performances. Piensa su proceso de creación, principalmente a partir de dos conceptos: la “ingeniería de la necesidad -lo que tengo y lo que me falta”-, consistente en “desde el arte, crear objetos y estructuras que colaboren en mejorar las condiciones de una situación límite determinada, y la genealogía de la forma, que implica asumir que cada objeto, en su repetición histórica, trae consigo una historia que contar”, que muchas veces es la del propio artista.

Obras monumentales

En los últimos años su nombre aparece una y otra vez en la prensa, no menos porque muchas de sus espléndidas y penetrantes piezas son instaladas en el espacio público o en concurridas bienales. Convocado por la curadora italiana Cecilia Alemani, para la realización de un proyecto en la edición de Art Basel Cities en Buenos Aires, 2018, presentó la escultura Diego (Retrato de Diego Núñez), que recordaba a una joven víctima de la violencia policial. La estructura de metal, ladrillo, adobe y huevos, de casi 3 metros de alto, llamó la atención cuando fue erigida junto al Riachuelo, cerca del Puente Transbordador Nicolás Avellaneda, porque era un horno similar al que utilizaban sus padres para fabricar pan; el artista y los familiares de la víctima cocinaron pan, empanadas, pizza. La pieza pertenece ahora a un comedor popular de La Boca cercano al antiguo taller del artista.

En 2019 fue invitado por la curadora Zoe Lukov a instalar The last supper (La última cena), seis piezas con citas al arte precolombino en el Faena Festival (Miami Beach). Las esculturas -algunos hornos de barro funcionales- fueron desplegadas en los jardines del Hotel Faena en paralelo a la feria Art Basel, donde su obra fue mostrada por la galería Barro. Impagable vidriera internacional: el artista mismo cocinó los panes, que fueron repartidos entre un glamoroso público que deambulaba por el hotel. Uno de los concurrentes que vio su obra entonces fue el desarrollador inmobiliario y coleccionista Jorge Pérez, gran donante del Pérez Art Museum, PAMM, de Miami y creador del Espacio Twenty Three, que alberga su colección privada y que incluye obras de Chaile. Meses antes de esa acción en el estado de Florida, Chaile desplegó en galería Barro de La Boca la muestra Genealogía de la forma, una “proto panadería” con obras que -nuevamente- combinaban huellas del pasado con las características y complejidades del arte contemporáneo, siempre abierto a múltiples interpretaciones. ¿Evoca solamente a sus antepasados, visibiliza la contribución de los pueblos originarios en la construcción del país, denuncia las condiciones precarias en la que ahora que viven muchas comunidades indígenas? ¿Cuándo enciende el horno y reparte pan, recuerda a sus padres, ofrece abrigo o también señala el hambre que muchos padecen?Artefactos y hornos a manera de “retratos” -como el de su madre y hermanas, Irene, Patricia, Sonia, realizados en 2016, 2017, 2018, respectivamente- incluso comenzaron a trazar una genealogía familiar. La gran escultura Mamá Luchona -homenaje a las madres, también a la propia- es la primera obra de Chaile instalada de forma permanente en el espacio público de la Argentina. Presentada en la última Trienal del New Museum de Nueva York en 2022, fue adquirida entonces por el empresario, pianista y coleccionista Andrés Buhar, para el frente del edificio de Fundación ArtHaus, que creó y dirige. Ahora esta imponente estructura de hierro y adobe de más de cuatro metros de alto recibe y mira a los transeúntes de Bartolomé Mitre 434, en el microcentro porteño. “Mamá Luchona es la madre de todas las esculturas que he hecho”, dijo el artista en la presentación de la pieza. “Me emociona que tantas personas que pasan por el microcentro porteño puedan acercarse a mi obra”.

También en 2022 Chaile fue invitado por la citada Alemani a la 59ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia Su lema fue The Milk of Dreams (La leche de los sueños), inspirado en el libro Leche del sueño de la artista surrealista británica-mexicana Leonora Carrington (1917-2011). Chaile fue el único argentino entre los 213 artistas participantes de la muestra central, desplegada en los Giardini di Castello y en el Arsenale (grandes galpones navales y jardines adyacentes). Allí mostró cinco esculturas monumentales, que adquirió para su colección personal el empresario Eduardo Costantini, fundador y presidente honorario del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).

Bs.As. Argentina

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La Biennale di Venezia

14/05/202304/05/2023 por Hoornik Art

Go Inside The 58th Venice Biennale DuJour

La Biennale di Venezia

La Biennale di Venezia18th . International Architecture Exhibition. The Laboratory of the Future

Venice, 21 February 2023 – The 18^th International Architecture Exhibition, titled The Laboratory of the Future, will be open to the public from Saturday May 20 to Sunday November 26, 2023 at the Giardini and the Arsenale, and at Forte Marghera; it will be curated by Lesley Lokko and organised by La Biennale di Venezia. The pre-opening will take place on May 18 and 19, the awards ceremony and inauguration will be held on Saturday 20 May 2023.

LA BIENNALE DI VENEZIA’S COMMITMENT TO CLIMATE ACTION

La Biennale di Venezia is working concretely towards the crucial goal of fighting climate change, by promoting a more sustainable model for the design, installation and operation of all its events. In 2022 La Biennale obtained this certification for all the events it held that year. This was made possible by carefully collecting the data on the causes of CO2 emissions generated by the events themselves, and on the adoption of consequent measures. The entire process for achieving carbon neutrality, conducted in compliance with the international standard PAS2060, was certified by RINA. For all the events, the most important component of the overall carbon footprint involves the mobility of the visitors. In this sense, La Biennale will engage again in 2023 in a communication campaign to raise the awareness of the participating public, starting with the 18^th International Architecture Exhibition, which will be the first major exhibition in this discipline to test in the field the process to achieve carbon neutrality, while furthermore reflecting upon the themes of decolonisation and decarbonisation. – (Press release attached)

THE INTERNATIONAL EXHIBITION AS AGENT OF CHANGE

“What does it mean to be ‘an agent of change’? (…) Over the past nine months, in hundreds of conversations, text messages, Zoom calls and meetings – stated Lesley Lokko – the question of whether exhibitions of this scale — both in terms of carbon and cost — are justified, has surfaced time and again. In May last year, I referred to the exhibition several times as ‘a story’, a narrative unfolding in space. Today, my understanding has changed. An architecture exhibition is both a moment and a process. It borrows its structure and format from art exhibitions, but it differs from art in critical ways which often go unnoticed. Aside from the desire to tell a story, questions of production, resources and representation are central to the way an architecture exhibition comes into the world, yet are rarely acknowledged or discussed. From the outset, it was clear that the essential gesture of The Laboratory of the Future would be ‘change’.” “(…) For the first time ever, the spotlight has fallen on Africa and the African Diaspora, that fluid and enmeshed culture of people of African descent that now straddles the globe. What do we wish to say? How will what we say change anything? And, perhaps most importantly of all, how will what we say interact with and infuse what ‘others’ say, so that the exhibition is not a single story, but multiple stories that reflect the vexing, gorgeous kaleidoscope of ideas, contexts, aspirations, and meanings that is every voice responding to the issues of its time?”

“It is often said that culture is the sum total of the stories we tell ourselves, about ourselves. Whilst it is true, what is missing in the statement is any acknowledgement of who the ‘we’ in question is. In architecture particularly, the dominant voice has historically been a singular, exclusive voice, whose reach and power ignores huge swathes of humanity — financially, creatively, conceptually — as though we have been listening and speaking in one tongue only. The ‘story’ of architecture is therefore incomplete. Not wrong, but incomplete. It is in this context particularly that exhibitions matter.” – (Lesley Lokko Statement attached)

EXHIBITION STRUCTURE

“The Laboratory of the Future is an exhibition in six parts. It includes 89 participants, over half of whom are from Africa or the African Diaspora. The gender balance is 50/50, and the average age of all participants is 43, dropping to 37 in the Curator’s Special Projects, where the youngest is 24. 46% of participants count education as a form of practice, and, for the first time ever, nearly half of participants are from sole or individual practices of five people or less. Across all the parts of The Laboratory of the Future, over 70% of exhibits are by practices run by an individual or a very small team. (…)” “Central to all the projects is the primacy and potency of one tool: the imagination – Lokko said. It is impossible to build a better world if one cannot first imagine it. The Laboratory of the Future begins in the Central Pavilion in the Giardini, where 16 practices who represent a distilled force majeure of African and Diasporic architectural production have been gathered. It moves to the Arsenale complex, where participants in the Dangerous Liaisons section – also represented in Forte Marghera in Mestre – rub shoulders with the Curator’s Special Projects, for the first time a category that is as large as the others. Threaded through and amongst the works in both venues are young African and Diasporan practitioners, our Guests from the Future, whose work engages directly with the twin themes of this exhibition, decolonisation and decarbonisation, providing a snapshot, a glimpse of future practices and ways of seeing and being in the world. (…) We have deliberately chosen to frame participants as ‘practitioners’ – the Curator stated – and not ‘architects’ and/or ‘urbanists’, ‘designers’, ‘landscape architects’, ‘engineers’ or ‘academics’ because it is our contention that the rich, complex conditions of both Africa and a rapidly hybridising world call for a different and broader understanding of the term ‘architect’. – (Lesley Lokko Statement attached)

PRESIDENT’S STATEMENT ON THE EXHIBITION AND THE COLLEGE ARCHITETTURA

“A laboratory of the future must necessarily begin from a specific starting point, from one or more hypotheses seeking confirmation – Roberto Cicutto, President of La Biennale di Venezia, stated. Lokko starts with her continent of origin, Africa, to talk about its historical, economic, climate and political criticalities and to let us all know «that much of what is happening to the rest of the world has already happened to us. Let’s work together to understand where we have gone wrong so far and how we must face the future». This is a starting point that seeks to heed those segments of humanity that have been left out of the debate and opens to a multiplicity of voices that have been silenced for so long by the one that considered itself to be rightfully dominant in a vital and unavoidable contest.” “I believe that this is La Biennale di Venezia’s true task as an institution, and not only for Architecture. We must start here to seize the opportunity that will allow us to raise the bar in the way we approach all the other disciplines as well.” – (Roberto Cicutto Statement attached) “For the first time ever, Biennale Architettura will include the Biennale College Architettura, which will run from 25 June to 22 July 2023. Fifteen renowned international tutors – Samia Henni, Marina Otero, Nana Biamah-Ofosu, Thireshen Govender, Lorenzo Romito, Jacopo Galli, Philippa Tumubweinee, Ngillan Gbadebo Faal, Rahesh Ram, Guillermo Fernández-Abascal, Urtzi Grau, Samir Pandya, Alice Clancy, Sarah de Villiers and Manijeh Verghese – will work with fifty students, early career practitioners and academics from around the world, selected by Lesley Lokko through an Open Call process over the four weeks of the teaching programme. At the conclusion of the Call on February 17^th, 986 applications had been received. A documentary of the educational experience will be filmed by Ángel Borrego Cubero and released in October this year. An international cast of critics will join the College in July.” – (Biennale College Architettura press release attached)

CARNIVAL

The Laboratory of the Future programme is enriched by Carnival, a six-month-long cycle of events, lectures, panel discussions, films, and performances, that explore the themes of the Biennale Architettura 2023. “Conceived as a space of liberation rather than a spectacle or entertainment, Carnival offers a space for communication in which words, views, perspectives, and opinions are traded, heard, analysed, and remembered – Lokko said. Politicians, policymakers, poets, filmmakers, documentary makers, writers, activists, community organisers and public intellectuals will share the stage with architects, academics, and students. This public event programme is increasingly a form of architectural practice that attempts to bridge the gulf between architects and the public.” Carnival is supported by Rolex, Exclusive Partner and Official Timepiece of the Exhibition.

NATIONAL PARTICIPATIONS

64 National Participations will organize their exhibitions in the historic Pavilions at the Giardini (27), at the Arsenale (22) and in the city centre of Venice (14). Niger participates for the first time at the Biennale Architettura; Panama participates for the first time with its own pavilion and has already participated in previous editions as part of the I.I.L.A. (Italo-Latin American International Organization).The Holy See returns to the Biennale Architettura, participating with its own Pavilion on the Island of San Giorgio Maggiore (it participated in the Biennale Architettura for the first time in 2018). The Italian Pavilion at the Tese delle Vergini in the Arsenale, sponsored and promoted by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture, is curated by the Fosbury Architecture collective, consisting of Giacomo Ardesio, Alessandro Bonizzoni, Nicola Campri, Veronica Caprino, Claudia Mainardi. The title of the exhibition is SPAZIALE: Everyone Belongs to Everyone Else.

VENICE PAVILION

The exhibition of the Venice Pavilion, located in the Giardini di Sant’Elena, is organized by the Municipality of Venice. Details of the project will be announced soon.

COLLATERAL EVENTS

The Collateral Events, which are admitted by the Curator and promoted by non–profit national and international bodies and institutions, will be announced in the coming weeks. Organized in several locations around the city of Venice, they offer a wide range of contributions and participations that enrich the diversity of voices that characterizes the Exhibition.

APPLIED ARTS PAVILION

La Biennale di Venezia and the Victoria and Albert Museum, London present for the seventh consecutive year the Applied Arts Pavilion Special Project (Arsenale, Sale d’Armi A) titled Tropical Modernism: Architecture and Power in West Africa, curated by Christopher Turner (V&A) with Nana Biamah-Ofosu and Bushra Mohamed (AA). The presentation is organised in collaboration with the Architectural Association (AA), London and the Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST), Kumasi. – (Press release attached)

BIENNALE SESSIONS, THE PROJECT FOR UNIVERSITIES

La Biennale dedicates the Biennale Sessions project to Universities, Academies of Fine Arts, and other Institutes of Higher Learning. The aim is to facilitate three-day self-organized visits by groups of at least 50 students and teachers, offering assistance in the organization of travel and accommodations and the possibility of organizing seminars in exhibition venues free of charge. – (Document attached)

EDUCATIONAL

For the past decade, La Biennale di Venezia has been devoting increased attention to learning activities and has developed a growing commitment to educational initiatives addressed to the audience of its Exhibitions, to universities, young people, and children, from schools at all levels. In the past two years, Biennale Architettura 2021 and Biennale Arte 2022 counted 111,164 participants in Education activities, of which 52,392 were young people. A broad Educational programme will be offered in 2023 as well, addressed to individuals and groups of students, children, adults, families, professionals, companies, and universities. All these initiatives aim to actively involve participants. They are conducted by professional operators, carefully trained by La Biennale, and they fall under the following categories: Guided Itineraries and Workshop Activities and Interactive Initiatives. – (Document attached)

EDITORIAL PROJECT AND GRAPHIC IDENTITY

The official catalogue, titled The Laboratory of the Future, consists of two volumes.

Volume I is divided into different sections dedicated to the events of Carnival and to the Curator’s Special Projects. Two sections are dedicated to the International Exhibition curated by Lesley Lokko, respectively titled Force Majeure and Dangerous Liaisons. Each project on display in the Exhibition is accompanied by a critical text and a rich iconography that completes the Participants’ work. A further section is dedicated to the first edition of the Biennale College Architettura. Embedded throughout are a series of essays developing the themes of the Exhibition and a detailed record of the works on display.

Volume II presents the National Participations and the Collateral Events. It includes a series of illustrated texts that delve deeper into the projects on exhibit in the Pavilions and the Collateral Events at the Giardini, at the Arsenale and in various locations across Venice. The graphic identity of the Biennale Architettura 2023 and the design of the publications are the work of Die Ateljee – Fred Swart. The volumes are published by Edizioni La Biennale di Venezia. – (Document attached)

PARTNERS AND SPONSORS

Biennale Architettura 2023 has been made possible by the support of Rolex, Partner and Official Timepiece of the event. We would like to thank the Sponsors of Biennale Architettura 2023:

Bloomberg Philanthropies with Bloomberg Connects and Vela-Venezia Unica.

We would also like to thank Cleary Gottlieb Steen & Hamilton LLP.

ACKNOWLEDGEMENTS

We would like to thank the Ministry of Culture, the local institutions that support La Biennale in various ways, the City of Venice, the Veneto Region, the Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per il Comune di Venezia e Laguna, and the Italian Navy. We thank the important international Donors, organisations and institutions who have contributed to the success of the Biennale Arte 2023. Our warmest thanks go to Lesley Lokko and her entire team. Finally, we would also like thank everyone at La Biennale for the great professionalism and dedication they have demonstrated in the realisation and administration of the Exhibition.

The official website of the Biennale Architettura 2023: www.labiennale.org

Official hashtags: #BiennaleArchitettura2023 #TheLaboratoryOfTheFuture

Facebook: La Biennale di Venezia

Twitter: la_Biennale

Instagram: labiennale

Youtube: BiennaleChannel

IMAGES of the 18^th International Architecture Exhibition may be downloaded at the following link:

https://cloud.labiennale.org/url/biennale2023

Password: biennale2023

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W – Galería

04/05/202328/04/2023 por Hoornik Art

W galería

Incorporación de Federico Curutchet como Co-Director de la galería W (Buenos Aires, ARG) / walden naturae (Pueblo Garzón, URU).

Estamos muy contentos de anunciar la incorporación de Federico Curutchet como co-director de la galería W (Buenos Aires, ARG) / walden naturae (Pueblo Garzón, URU). Con más de diez años de carrera trabajando en el mundo del arte contemporáneo Federico ha sabido distinguirse en sus trabajos curatoriales, escriturales y galerísticos acompañando la carrera de artistas de diferentes generaciones y colaborando con sus crecimientos profesionales tanto a nivel local como a nivel internacional. Estamos felices de darle la bienvenida a nuestro equipo y convencidos que su incorporación nos permitirá seguir creciendo como galería.

Federico se formó en Peritaje y Valuación de Obras de Arte (UMSA), Lic. en Filosofía (UBA) y Crítica de Artes (UNA). Durante los últimos diez años desarrolló su carrera profesional en el sistema del arte contemporáneo latinoamericano a nivel global. Trabajó como Coordinador General de la galería Aldo de Sousa (2013-2015) y de la galería Rolf (2015-2017) y dirigió la galería Barro (2017-2021) en la Ciudad de Buenos Aires. Realizó trabajos curatoriales en diferentes instituciones públicas y privadas, reseñas críticas para medios, producción de exposiciones y propuestas feriales locales e internacionales y asesorías para distintos clientes y colecciones de arte contemporáneo.

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Fundación Ama Amoedo Becas para artistas Latinoamericanos

26/04/2023 por Hoornik Art

Fundación Ama Amoedo

Convocatoria Abierta: Becas

Fundación Ama Amoedo abrió la convocatoria de las Becas Fundación Ama Amoedo. Con el objetivo de brindar recursos y oportunidades para el fortalecimiento del ecosistema del arte y sus instituciones, se otorgarán un total de $100.000 dólares, correspondientes a 10 becas de 10.000 dólares: Artistas (cuatro becas), Arte y Compromiso social(dos becas), Organizaciones(dos becas) y Publicaciones(dos becas). Mediante convocatoria abierta, la Fundación recibirá aplicaciones hasta el 15 de mayo del 2023. Podrán aplicar artistas, colectivos, organizaciones sin fines de lucro, asociaciones, instituciones y fundaciones que posean una conexión significativa con América Latina, sea por nacionalidad, herencia cultural o sitio donde se realizará el proyecto presentado.

El jurado está compuesto por: Sonia Becce (Curadora independiente, Argentina), Marina Reyes Franco (Curadora Museo de Arte Contemporáneo, Puerto Rico), Yudi Rafael (Curador e investigador independiente, Brasil) y Verónica Flom (Directora, Fundación Ama Amoedo).
En la página web de la Fundación Ama Amoedo se encuentran las bases y condiciones y el formulario de aplicación, disponibles en español, portugués e inglés.

Artistas

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Artistas están destinadas a artistas y/o colectivos artísticos cuyas prácticas estén abocadas a las artes visuales. Se aceptarán propuestas específicas de investigación o creación artística, tales como: producción de obra o exhibiciones que, en primera instancia, no estén asociados a espacios comerciales, desarrollo de un proyecto, archivo y preservación de su propio trabajo, entre otros ejemplos. Dos de las cuatro becas se destinarán a artistas de Argentina y Uruguay.

Arte y Compromiso social

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Arte y Compromiso Social están destinadas a apoyar iniciativas específicas que, a través de las artes, contribuyan a generar un impacto positivo en la sociedad. Se aceptarán proyectos que utilicen la práctica artística para promover la educación, la inclusión social y la puesta en valor de la comunidad con el objetivo de acompañar prácticas sociales y colaborativas. Están dirigidas a artistas, fundaciones, cooperativas sin fines de lucro, colectivos, asociaciones.

Organizaciones

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Organizaciones están destinadas a apoyar proyectos específicos de instituciones u organizaciones sin fines de lucro orientadas a promover, preservar y difundir el trabajo de artistas latinoamericanos. Se aceptarán iniciativas que contribuyan directamente con el ecosistema del arte, tales como archivos, programas públicos, intercambios culturales, entre otros.

Publicaciones

Las Becas Fundación Ama Amoedo de Publicaciones están destinadas a contribuir con publicaciones de arte y/o de artistas latinoamericanos. Podrán aplicar entidades artísticas sin fines de lucro, individuos y editoriales de pequeña y mediana escala. Se otorgarán becas a proyectos editoriales concretos, con un plazo máximo de realización de 2 años a partir de la recepción de la beca.

Fundación Ama Amoedo es una organización sin ánimo de lucro concebida con la misión de crear un impacto duradero en el ecosistema del arte contemporáneo latinoamericano. La Fundación Ama Amoedo busca ampliar el diálogo y las redes de conectividad de las artes de América Latina, el Caribe y su diáspora, con un enfoque especial en las escenas de Argentina y Uruguay.

Sobre la Fundadora

Amalia Amoedo es filántropa, mecenas y coleccionista de arte. Durante más de veinte años, ha apoyado activamente a artistas, agentes culturales y numerosas instituciones de manera independiente, consolidando en la creación de la Fundación Ama Amoedo numerosos años de trabajo acompañando la escena del arte contemporáneo.

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Semana del arte en Madrid 2023, Feria Arco y UVNT

12/03/2023 por Hoornik Art

Semana del arte en Madrid

Feria Arco y UVNT- Urvanity Art Fair

Como siempre, llegar a la semana del arte es un desafío, entender todo lo que ocurre en sincrónico es en gran parte, ir de un lugar a otro, sin dejarse absorber, sino estar abierta a conectar con esas obras que naturalmente van con mi visión, artistas que reconozco y generan un diálogo diferente, atractivo, por algún motivo, en cada una de las ferias o recorridos en los que doy con sus obras.

Profundizo en lo que siento que tiene una escencia conectada con algo más, a veces es mi simple asociación con momentos y obras anteriores de artistas, los televisores usados, utilizados, nos muestran de forma analógica el paso del tiempo y su conectividad al presente. Una obra de arte contemporáneo es también, un valor simbólico que ciertos artistas comparten, en distintas escenas ó contextos, el tiempo que les representa el soporte en el que se apoyan para mostrarse.

Me resulta curioso, cuando las galerías que llaman mi atención son Alemanas, o de Europa del Norte, incluso más que las galerías que convocan artistas orientales, creo que me sorprendo cuando la curaduría de una galería como Nicolai Wallner de Dinamarca, apela a artistas con obras abstractas, lúgubres, esculturas en formato 3d en una gama de colores en cromática en constraste.
Este año en ARCO Madrid, las artistas mujeres no lograron vender más que en otros años. Se realizó un camino para abordar la temática feminista, desde una re lectura de la historia del arte, por ejemplo, Maria Acha-Kurscher, artista peruana, recibió un premio por su obra “La rabbia di Proserpina”, por su obra de distintos retratos bíblicos, de estilo renacentista y barroco, donde las mujeres son sorprendidas en actos violentos. Vendida por un precio de 1200 euros y 7000 total.
La Fundación ARCO celebró su 27ª edición en Madrid y ha ampliado los fondos de su Colección con nueve obras adquiridas en ARCOmadrid 2023. Durante los cinco días de feria, participaron 211 galerías de 36 países y más de 450 coleccionistas internacionales y 200 profesionales invitados, y alrededor de 95,000 visitantes. La Fundación ARCO ha entregado los Premios “A” al Coleccionismo, que reconocen a tres colecciones: Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (Premio “A” a la Colección Privada Latinoamericana); collegium.art: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (Premio “A” a la Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo), y Alejandro Lázaro y Alejandra González (Premio “A” a la Colección Joven Privada Nacional). La cena de la Fundación ARCO ha recaudado fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección. Además, el Museo Reina Sofía ha comprado 26 obras de 18 artistas procedentes de galerías participantes en la feria.

Arco adquirió obras de los siguientes artistas gracias a la recaudación de fondos por un total de 400 mil euros:

Las obras corresponden a Diego Bianchi (Galería Jocelyn wolff), Nilbar Güresà (Martín Janda), Eftihis Patsourakis (Galería Rodeo), Solange Pessoa (Galería Mendes Wood), Jenna Sutela (Galería Sociètè) y a Joan Prats (Galería Tadáskía). A éstas se suman una obra de Momu & No Es (Galería House Of Chappaz) y de Juan Silió (Galería Nora Aurrekoetxea), obtenidas por el Consejo Internacional de la Fundación ARCO. Además, gracias a la donación de Frèdèric Malle se incorpora a la Colección una obra de Laìs Amaral, de la galería HOA.

Muchas otras fundaciones como: Fundacion Aldo Rubino, Fundación Helga de Alvear, el museo Thyssen, la fundación Maria Jose Jove, la fundación Maria Masuveu Peterson, y Colección SOLO. Han adquirido obras de la feria para sus colecciones, incluido el ayuntamiento de Madrid.

Este año fuimos invitados a recorrer el stand ABC cultural, conocimos la obra del artista tinerfeño Cristóbal Tabáres. Su pieza consiste en una aglomeración de cisnes que ha ido recopilando a lo largo de su vida. Una montaña de pájaros de porcelana, de diferentes colores y tamaños que representan toda la cultura “kitsch” que él admira.

Una de las obras que resaltó fue “Capilla ardiente” de Eugenio Merino, en el stand de la galería ADN de Barcelona, quien “volvió a matar a Picasso”. Al acercarse a la obra podías sentir esta vibración de los visitantes en honor al artista, la contemplación masiva de la obra y el acontecimiento inminente de la “muerte” figurada presente, lo que resultó emblemático en la feria y su repercusión.

El recorrido por la Feria Arco, este año, tuvo una importante escena de artistas latinoamericanos. Las galerías argentinas que participaron fueron: Ruth Benzacar, Rolf art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería.

En la feria UVNT ART, descubrí a Miju Lee, y sus esculturas graciosas, peludas y macizas de caricaturas sonrientes sin cara. La figuración abstracta y surrealista de Helena Toraño, galerías como Kells Art collection, La Bibi art gallery, Trinta, The artist pool, Ineditad, Pictorium Gallery, Galeria Victor Lopez.

Faara conecta

14/02/2023 por Hoornik Art

Faara conecta

Open Call para Residencia Artística en Casa Wabi

FAARA CONECTA es una iniciativa para que artistas de Argentina y Uruguay participen de residencias internacionales en alianza con la Fundación Ama Amoedo. Los objetivos son facilitar el diálogo entre artistas, ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. Lxs artistas participantes en cada una de las residencias serán seleccionadxs por cada organización a través de sus métodos habituales, ya sea convocatoria abierta, nominación, invitación, etc. Las residencias apoyadas, con sus fechas y condiciones de aplicación, serán anunciadas en nuestra página web, nuestras redes sociales y newsletter.

Diciembre de 2022.- Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi tienen el placer de anunciar su primera alianza institucional que tendrá lugar en 2023. La iniciativa forma parte del programa de residencias en Puerto Escondido de Fundación Casa Wabi y de residencias de la Fundación Ama Amoedo en José Ignacio, Uruguay.

Mediante convocatoria abierta serán seleccionados cuatro artistas para participar en dos modalidades de residencia: una residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, Oaxaca, México) destinada a dos artistas de Argentina y una residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna (José Ignacio, Uruguay), destinada a dos exresidentes de ciudadanía mexicana de Casa Wabi.

La Fundación Ama Amoedo celebra esta alianza con Fundación Casa Wabi, en el marco de su nuevo programa FAARA Conecta, que tiene como objetivo ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. La residencia en Casa Neptuna es una edición especial de la residencia interdisciplinaria FAARA Sur.

Open Call para Residencias en alianza con Fundación Casa Wabi

Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi en alianza abren la convocatoria para residencias en México y en Uruguay.
A través de convocatoria abierta, cuatro residentes serán seleccionados para participar de una de las siguientes modalidades:

—Residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, México) para dos artistas de nacionalidad Argentina (viviendo dentro o fuera del país).
—Residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna, Fundación Ama Amoedo (José Ignacio, Uruguay) para dos ex residentes de Casa Wabi mexicanos (viviendo dentro o fuera del país).

Cierre de convocatorias: sábado, 28 de febrero, 2023

Sobre Fundación Casa Wabi

Fundación Casa Wabi es una organización sin fines de lucro que fomenta un intercambio entre el arte contemporáneo y las comunidades locales en tres sedes: Puerto Escondido, Ciudad de México y Tokio. Su nombre se origina en la filosofía japonesa de Wabi-Sabi, la cual busca la belleza y la armonía en lo simple, lo imperfecto, y lo poco convencional. Nuestra misión se enfoca en forjar un desarrollo social a

través de las artes, misma que llevamos a cabo por medio de cinco programas clave: residencias, exhibiciones, barro, cine y biblioteca móvil.

Casa Wabi se encuentra en la costa del Pacífico, a 20 minutos del aeropuerto de Puerto Escondido, Oaxaca. Situada entre las montañas y el mar, la sede principal fue diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando y sobre la base de una iniciativa desarrollada por el artista mexicano Bosco Sodi. Las instalaciones incluyen una sala de usos múltiples, seis dormitorios independientes, dos estudios cerrados y otros seis abiertos, un espacio expositivo de 450 m2 y diversas áreas de trabajo que, en conjunto, crean el entorno ideal para recargar energías entre otros artistas.

El programa de residencias de Fundación Casa Wabi está dirigido a artistas nacionales e internacionales y busca generar un diálogo horizontal con las comunidades aledañas a Casa Wabi. Las residencias propician encuentros multidisciplinarios entre distintas generaciones que estimulen sus inquietudes experimentales y creativas, y que contribuyan al desarrollo del tejido social y cultural de la zona. Es por ello que solicitamos a los residentes el desarrollar un proyecto o actividad para compartir e involucrarse con las comunidades. El programa busca fomentar tres elementos clave para el equilibrio de nuestra misión: la inspiración creativa de los residentes, la relación con otros artistas y el equipo de la fundación, y el intercambio activo con las comunidades.

¿Quiénes pueden aplicar?

Pueden aplicar artistas de ciudadanía argentina, residiendo en el país o en el exterior, mayores de 18 años, de todas las disciplinas.

¿Cómo envío mi aplicación?

Las aplicaciones deberán ser enviadas en un PDF unificado (tamaño máximo de 25 MB), y debe incluir lo siguiente:

Una propuesta de 500 palabras, para un proyecto que se realizará con y en beneficio de las comunidades locales de los pueblos que rodean Casa Wabi.
Hasta 5 imágenes que resuman su práctica artística
CV actualizado

Nota: No se tendrán en cuenta las solicitudes enviadas en un formato diferente.
¿Cuáles son los requisitos y el plazo del proyecto?
El proyecto debe realizarse y terminarse dentro de los plazos de la residencia, que dura seis semanas. ¿Cuándo es la residencia?
La residencia se llevará a cabo del 20 de octubre al 26 de noviembre del 2023.
¿Qué gastos están cubiertos en la residencia?
Fundación Ama Amoedo cubre los pasajes aéreos a y desde Ciudad de México y el seguro médico. Fundación Casa Wabi cubre:

– Alojamiento, un espacio de estudio, y tres comidas al día. Cada residencia incluye un cómodo dormitorio privado, salón de usos múltiples, biblioteca, WiFi y servicio de lavandería.
– Vuelo Ciudad de México – Puerto Escondido – Ciudad de México.
– Materiales necesarios para la realización del proyecto comunitario.
¿Dónde y cuándo debo presentar mi solicitud?
Las aplicaciones deberán ser enviadas a [email protected] con el siguiente encabezado de mail: “Residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo”, seguido de su nombre.
La fecha límite de aceptación de solicitudes es el 28 de febrero de 2023.
¿Cómo se seleccionarán a los artistas residentes?
Todas las aplicaciones serán recibidas por la Fundación Casa Wabi, quienes a través de un jurado estarán a cargo de seleccionar a los dos artistas argentinos participantes.
Los artistas seleccionados para la residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo serán notificados vía email el 30 de marzo del 2023. Los resultados serán publicados el 10 de abril en las páginas web y redes sociales de Fundación Casa Wabi y Fundación Ama Amoedo.
www.casawabi.org I www.fundacionamaamoedo.org IG: @casawabi @fundacionamaamoedo