«Latente» – Pabellón de Uruguay en La Biennale di Venezia 2024

12/04/202412/04/2024 por Hoornik Art

Eduardo Cardozo "Latente"

Pabellón de Uruguay en La Bienal de Venecia 2024 con la curaduría de Elisa Valerio

Eduardo Cardozo define la amistad como una intimidad perpetua en su obra. Decide llevar a la Bienal de Venecia toda la pared de su taller, ubicado en Montevideo, la cual cobra vida y se traslada al viejo continente a encontrarse con lo que él llama “un amigo artista”, al referirse a la obra de Tintoretto y su historia. Para el uruguayo, se trata de “un encuentro con aires de bienvenida» y nos muestra en su obra, la existencia entre sus amistades físicas, reales y cercanas. El desarraigo de encontrarse en la vida misma en este tipo de lazos, con un amigo idealizado, a través de los velos que separan la obra: Dos realidades, tiempos, ciudades, obras diferentes, que interactúan en el conocimiento que él considera íntimo.

CT: La obra se traslada a Venecia por medio de la técnica del Stacco, ¿Cuál es la complejidad de esto?

EC: La obra ya está en camino a Venecia, sucede que una obra de estas características es compleja de trasladar, pero todo está resuelto… Latente es básicamente llevar las paredes de mi taller a Venecia, literalmente. Mi estudio es una casa montevideana en el barrio Cordón, donde tengo mi taller hace 12 años… las paredes se van mimetizando con la pintura, manchas de óleo, los dibujos en las paredes, la historia de la casa, que tuvo otros dueños, hay varias capas en esas paredes.

Dado que el tema de la bienal es la extranjería, mi idea es llevar el taller a Venecia. Mi lugar más íntimo, el taller para un artista es muy importante, hay mucho sobre mi vida dentro del taller, y eso lo llevo a Venecia. Reuniones con amigos, trabajos colectivos con amigos que ya no están, a uno de ellos le dedico esta obra justamente. Entonces, todo eso está impregnado de alguna forma en las paredes del taller. Una parte de la obra es el encuentro, en este caso busco encontrarme con un amigo en Venecia y pensé en Tintoretto, porque es uno de los grandes pintores venecianos, que vivió en otra época y otro lugar que yo, por lo tanto es un encuentro ficcional. Tomó una obra en particular El Paraíso y hago una reinterpretación de esa obra con telas teñidas y moldeadas. Frente a esa pieza, que llamamos las vestiduras, está el muro de mi taller instalado en Venecia.

CT: ¿Cómo pasaste de la pared a lo textil?

EC: Hay dos cosas, en la obra está muy presente el tema de la restauración, porque el cuadro de Tintoretto fue restaurado, se desnudó al cuadro con rayos X e infrarrojos, y se vieron las dudas del pintor, los personajes que fueron tapados o que no están, se conoció que Tintoretto solía pintar a los personajes desnudos y luego les ponía la ropa. Esto es mejor para las proporciones. Pero esa idea de que se descubre la intimidad del cuadro con esta restauración se conecta con el traslado de las paredes de mi taller, que es mi intimidad como artista, es el encuentro de esas dos intimidades… Entonces, las telas surgen justamente por la desnudez de los personajes del Tintoretto, las ropas de los personajes, esas togas coloridas… Además, en ese cuadro tiene mucha importancia la luz, por eso trabajo con Álvaro Zinno, para lograr reproducir, de alguna manera, esa iluminación en la reinterpretación que estoy haciendo. Yo hago una interpretación libre del cuadro en el cual solo trabajo con telas.

CT: Pasar de la pared a lo textil hay un contraste muy fuerte, Venecia y Montevideo, de por si me cuesta encasillar Montevideo y ni hablar Venecia…

EC: Esa pared, ese muro que está en mi taller, es el muro tal cual, se va a perder una parte en el camino, porque es parte del proceso del stacco en el cual hay siempre cierta pérdida. La pintura tiene una parte de ilusión, el volumen, el plano, la profundidad, el sueño… están esos dos mundos, el mundo real y el del ensueño: la pared y la pintura. Las paredes fueron arrancadas con el método del stacco, se pegan varias capas de tela y luego se arranca. Luego se coloca una capa de mortero y se pega a una placa para darle más resistencia. A partir de esas telas, utilizadas inicialmente para despegar el muro, genero un velo que cuelga en medio de esos dos mundos, la pared y el Tintoretto. Son gasas transparentes que separan esa parte de ficción, de sueño, Venecia de Montevideo, la actualidad y la mirada de otra época.

CT: No puedo dejar de pensar en qué es lo que queda después de ese arranque. Porque es muy fuerte para vos ya que hay algo íntimo que cambia, como un extraño que llega y se encuentra con esa intimidad revelada, siendo parte de esa temática parece una obra in situ, y es todo lo contrario.

EC: Hay algo en este proceso, en el de arrancar algo, la palabra “desarraigo” viene de arrancar una planta de raíz. En este caso siento que en las paredes o en parte de mí hubo ese desprendimiento, donde trabajé y viví muchas horas de mi vida, y es parte de esa migración en cierto sentido. Para mí hay dos ideas centrales: la del encuentro y la de la bienvenida, hacer sentir bien a la otra persona, ese gesto de recibir al otro. Tintoretto me recibió en Venecia y lo conozco porque conozco su pintura y su historia, con los pintores te volvés amigo después que te acercás a su obra. Me gustaría que en la instalación se sintiera la de encuentro y desarraigo, hay un encuentro entre dos personas y en este caso serían dos amigos a la distancia y en el tiempo.

The fair that the art ecosystem needed, ESTE ARTE Cultural Summit & Art Fair

14/01/202414/01/2024 por Hoornik Art

ESTE ARTE Cultural Summit & Art Fair

The fair that the art ecosystem needed

Founded by the agile researcher and entrepreneur formed in electronic arts Laura Bardier

Laura Bardier, a committed Uruguayan to the art of her country, is currently based in New York, where she serves as the director of the James Howell Foundation. Ten years ago, Laura, while working under the curator, philanthropist, and collector Estrellita Brodsky, was inspired by Brodsky’s dedication to funding the Latin American department at MoMA. This inspiration drove Laura to make contributions to Uruguay and South America. While attending art fairs such as ArtBo in Bogotá and Torino in Italy, she felt compelled to bring to life the artistic space she had envisioned. Laura perceives these fairs as distinctive due to their unique conception in synergy with the city.

«They unite the entire ecosystem; you manage to have access to galleries, museums, universities, and the entire art system in the city.»

«ESTE ARTE is designed for this place, José Ignacio, Uruguay,» Laura emphasizes the importance of how art spaces are conceived for the place referring to the “in situ” concept.

«To value what we have in dialogue with the outside, with the foreign, blending craftsmanship and art, highlighting the conceptual aspects of art and the world of ideas, intellectual and cultural development, emotions. There are artists for whom this is their only opportunity to sell in the year.»

Committed to female artists, she managed to make her fair the only one in the world with the condition of having at least one woman within each gallery to participate: «In the last 5 editions, we achieved a 50-50 %, we also democratized for non-hegemonic artists, giving them space when previously only established, male, deceased artists were bought, and only at auctions. Today, we have created a fair that provides options and supports living artists, those who are starting and will be more valuable in the years to come.»

Laura led the incorporation of the James Howell Foundation, an institution dedicated to research, as the artist dedicated 40 years to studying light. Now, it is focused on promoting research projects within its area of interest. She studied electronic arts in Linz, Austria. This is aligned and incorporated into her vision for the fair.

«I wanted to have an excuse to come back every summer here. In Florence, I studied art history and design. Later, I studied new media curation in Austria at Linz, and my background is in software art, and electronic art’.

In the 10th edition of ESTE ARTE, she tells us how last year she brought Cecilia Alemani, who curated the last edition of the Venice Biennale, and Barbara London, curator of the MOMA in New York for more than 30 years:

«This year, I went against the current, and invited people from the art world. I aimed to look at other places, including Hoor al Qasimi, president of the Sharjah Art Foundation, Sharon Lerner, who is doing excellent work as the director of the Museo MALI in Lima, Halona Norton-Westbrook director of the Honolulu Art Museum from Hawaii, and Candice Hopkins, director of Forge Projects, who emphasize the idea of the local and the international with local roots, which is an important point for our fair.»

Calendario de Exposiciones en Buenos Aires

22/10/2023 por Hoornik Art

Calendario de Exposiciones

Galerías de arte en Buenos Aires

Hemos recopilado un calendario actualizado de las exposiciones en la ciudad de Buenos Aires para que puedas agregarlas a tu Google Calendar y no perderte ninguna.

Además, puedes encontrar la ubicación de cada galería en Google Maps para facilitar tu visita. Aquí tienes los enlaces:

Calendario de Exposiciones de Galerías de Arte

Galerías de arte en Buenos Aires

Este calendario te ayudará a mantener un seguimiento de las fechas de las exposiciones y te permitirá planificar tus visitas a las galerías de manera más eficiente.

¡Disfruta del arte y la cultura de nuestra ciudad!

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Chaile

05/06/202322/05/2023 por Hoornik Art

Gabriel Chaile. Ingeniería de la necesidad

Por Victoria Verlichak

Gabriel Chaile (Tucumán, 1985) es un escultor que tiene algo de antropólogo y arqueólogo. Desarrolla una sentida obra que incluso refleja su identidad; posee ascendencia afro-árabe, española e indígena de la comunidad La Candelaria. Sus grandes y notables piezas condensan saberes ancestrales y preocupaciones sociales. Con rasgos antropomorfos o biomórficos, mayormente, se inspiran en artefactos de diferentes antiguas culturas prehispánicas y de su propia historia; traen al presente ciertas expresiones visuales de los pueblos que se desarrollaron en el Noroeste argentino. Las piezas, como los hornos de barro, suelen conjugar lo simbólico con lo utilitario. En este sentido, éstos recuerdan a la obra Construcción de un horno popular para hacer pan que Víctor Grippo, con Jorge Gamarra y un artesano llamado Rossi, realizó en 1972 en la Plaza Roberto Arlt para la muestra Arte e Ideología, CAYC. Tiempos de dictadura militar (1966-1973), la exhibición duró un solo día y el horno fue destruido entonces por la censura. ¿Por qué invitaba juntarse y compartir “el ritual comunitario de la alimentación”?Precisamente, un horno funcional de Chaile acaba de ser vendido por la galería berlinesa CherLüdde por 60 mil euros, a un coleccionista europeo en la feria ARCO Madrid. Pero no es la única escultura del artista que se halla en la vieja Europa. Es que el artista no solo vive entre Lisboa y Buenos Aires sino que es uno de los impulsores -junto a otros artistas- del proyecto colectivo NVS, “plataforma estratégica” y galería europea, que representa a artistas latinoamericanos en la capital portuguesa y que tiene a Chaile como director artístico. Multipremiado, Chaile estudió artes plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Fue invitado a varias residencias y programas de artistas como el de la Universidad Torcuato Di Tella. Tuvo su primera exposición individual en 2008. Además de las esculturas, que son exhibidas en museos y bienales de aquí y del exterior, su trabajo suma foto performance, dibujo, pintura y performances. Piensa su proceso de creación, principalmente a partir de dos conceptos: la “ingeniería de la necesidad -lo que tengo y lo que me falta”-, consistente en “desde el arte, crear objetos y estructuras que colaboren en mejorar las condiciones de una situación límite determinada, y la genealogía de la forma, que implica asumir que cada objeto, en su repetición histórica, trae consigo una historia que contar”, que muchas veces es la del propio artista.

Obras monumentales

En los últimos años su nombre aparece una y otra vez en la prensa, no menos porque muchas de sus espléndidas y penetrantes piezas son instaladas en el espacio público o en concurridas bienales. Convocado por la curadora italiana Cecilia Alemani, para la realización de un proyecto en la edición de Art Basel Cities en Buenos Aires, 2018, presentó la escultura Diego (Retrato de Diego Núñez), que recordaba a una joven víctima de la violencia policial. La estructura de metal, ladrillo, adobe y huevos, de casi 3 metros de alto, llamó la atención cuando fue erigida junto al Riachuelo, cerca del Puente Transbordador Nicolás Avellaneda, porque era un horno similar al que utilizaban sus padres para fabricar pan; el artista y los familiares de la víctima cocinaron pan, empanadas, pizza. La pieza pertenece ahora a un comedor popular de La Boca cercano al antiguo taller del artista.

En 2019 fue invitado por la curadora Zoe Lukov a instalar The last supper (La última cena), seis piezas con citas al arte precolombino en el Faena Festival (Miami Beach). Las esculturas -algunos hornos de barro funcionales- fueron desplegadas en los jardines del Hotel Faena en paralelo a la feria Art Basel, donde su obra fue mostrada por la galería Barro. Impagable vidriera internacional: el artista mismo cocinó los panes, que fueron repartidos entre un glamoroso público que deambulaba por el hotel. Uno de los concurrentes que vio su obra entonces fue el desarrollador inmobiliario y coleccionista Jorge Pérez, gran donante del Pérez Art Museum, PAMM, de Miami y creador del Espacio Twenty Three, que alberga su colección privada y que incluye obras de Chaile. Meses antes de esa acción en el estado de Florida, Chaile desplegó en galería Barro de La Boca la muestra Genealogía de la forma, una “proto panadería” con obras que -nuevamente- combinaban huellas del pasado con las características y complejidades del arte contemporáneo, siempre abierto a múltiples interpretaciones. ¿Evoca solamente a sus antepasados, visibiliza la contribución de los pueblos originarios en la construcción del país, denuncia las condiciones precarias en la que ahora que viven muchas comunidades indígenas? ¿Cuándo enciende el horno y reparte pan, recuerda a sus padres, ofrece abrigo o también señala el hambre que muchos padecen?Artefactos y hornos a manera de “retratos” -como el de su madre y hermanas, Irene, Patricia, Sonia, realizados en 2016, 2017, 2018, respectivamente- incluso comenzaron a trazar una genealogía familiar. La gran escultura Mamá Luchona -homenaje a las madres, también a la propia- es la primera obra de Chaile instalada de forma permanente en el espacio público de la Argentina. Presentada en la última Trienal del New Museum de Nueva York en 2022, fue adquirida entonces por el empresario, pianista y coleccionista Andrés Buhar, para el frente del edificio de Fundación ArtHaus, que creó y dirige. Ahora esta imponente estructura de hierro y adobe de más de cuatro metros de alto recibe y mira a los transeúntes de Bartolomé Mitre 434, en el microcentro porteño. “Mamá Luchona es la madre de todas las esculturas que he hecho”, dijo el artista en la presentación de la pieza. “Me emociona que tantas personas que pasan por el microcentro porteño puedan acercarse a mi obra”.

También en 2022 Chaile fue invitado por la citada Alemani a la 59ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia Su lema fue The Milk of Dreams (La leche de los sueños), inspirado en el libro Leche del sueño de la artista surrealista británica-mexicana Leonora Carrington (1917-2011). Chaile fue el único argentino entre los 213 artistas participantes de la muestra central, desplegada en los Giardini di Castello y en el Arsenale (grandes galpones navales y jardines adyacentes). Allí mostró cinco esculturas monumentales, que adquirió para su colección personal el empresario Eduardo Costantini, fundador y presidente honorario del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).

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La Biennale di Venezia

14/05/202304/05/2023 por Hoornik Art

Go Inside The 58th Venice Biennale DuJour

La Biennale di Venezia

La Biennale di Venezia18th . International Architecture Exhibition. The Laboratory of the Future

Venice, 21 February 2023 – The 18^th International Architecture Exhibition, titled The Laboratory of the Future, will be open to the public from Saturday May 20 to Sunday November 26, 2023 at the Giardini and the Arsenale, and at Forte Marghera; it will be curated by Lesley Lokko and organised by La Biennale di Venezia. The pre-opening will take place on May 18 and 19, the awards ceremony and inauguration will be held on Saturday 20 May 2023.

LA BIENNALE DI VENEZIA’S COMMITMENT TO CLIMATE ACTION

La Biennale di Venezia is working concretely towards the crucial goal of fighting climate change, by promoting a more sustainable model for the design, installation and operation of all its events. In 2022 La Biennale obtained this certification for all the events it held that year. This was made possible by carefully collecting the data on the causes of CO2 emissions generated by the events themselves, and on the adoption of consequent measures. The entire process for achieving carbon neutrality, conducted in compliance with the international standard PAS2060, was certified by RINA. For all the events, the most important component of the overall carbon footprint involves the mobility of the visitors. In this sense, La Biennale will engage again in 2023 in a communication campaign to raise the awareness of the participating public, starting with the 18^th International Architecture Exhibition, which will be the first major exhibition in this discipline to test in the field the process to achieve carbon neutrality, while furthermore reflecting upon the themes of decolonisation and decarbonisation. – (Press release attached)

THE INTERNATIONAL EXHIBITION AS AGENT OF CHANGE

“What does it mean to be ‘an agent of change’? (…) Over the past nine months, in hundreds of conversations, text messages, Zoom calls and meetings – stated Lesley Lokko – the question of whether exhibitions of this scale — both in terms of carbon and cost — are justified, has surfaced time and again. In May last year, I referred to the exhibition several times as ‘a story’, a narrative unfolding in space. Today, my understanding has changed. An architecture exhibition is both a moment and a process. It borrows its structure and format from art exhibitions, but it differs from art in critical ways which often go unnoticed. Aside from the desire to tell a story, questions of production, resources and representation are central to the way an architecture exhibition comes into the world, yet are rarely acknowledged or discussed. From the outset, it was clear that the essential gesture of The Laboratory of the Future would be ‘change’.” “(…) For the first time ever, the spotlight has fallen on Africa and the African Diaspora, that fluid and enmeshed culture of people of African descent that now straddles the globe. What do we wish to say? How will what we say change anything? And, perhaps most importantly of all, how will what we say interact with and infuse what ‘others’ say, so that the exhibition is not a single story, but multiple stories that reflect the vexing, gorgeous kaleidoscope of ideas, contexts, aspirations, and meanings that is every voice responding to the issues of its time?”

“It is often said that culture is the sum total of the stories we tell ourselves, about ourselves. Whilst it is true, what is missing in the statement is any acknowledgement of who the ‘we’ in question is. In architecture particularly, the dominant voice has historically been a singular, exclusive voice, whose reach and power ignores huge swathes of humanity — financially, creatively, conceptually — as though we have been listening and speaking in one tongue only. The ‘story’ of architecture is therefore incomplete. Not wrong, but incomplete. It is in this context particularly that exhibitions matter.” – (Lesley Lokko Statement attached)

EXHIBITION STRUCTURE

“The Laboratory of the Future is an exhibition in six parts. It includes 89 participants, over half of whom are from Africa or the African Diaspora. The gender balance is 50/50, and the average age of all participants is 43, dropping to 37 in the Curator’s Special Projects, where the youngest is 24. 46% of participants count education as a form of practice, and, for the first time ever, nearly half of participants are from sole or individual practices of five people or less. Across all the parts of The Laboratory of the Future, over 70% of exhibits are by practices run by an individual or a very small team. (…)” “Central to all the projects is the primacy and potency of one tool: the imagination – Lokko said. It is impossible to build a better world if one cannot first imagine it. The Laboratory of the Future begins in the Central Pavilion in the Giardini, where 16 practices who represent a distilled force majeure of African and Diasporic architectural production have been gathered. It moves to the Arsenale complex, where participants in the Dangerous Liaisons section – also represented in Forte Marghera in Mestre – rub shoulders with the Curator’s Special Projects, for the first time a category that is as large as the others. Threaded through and amongst the works in both venues are young African and Diasporan practitioners, our Guests from the Future, whose work engages directly with the twin themes of this exhibition, decolonisation and decarbonisation, providing a snapshot, a glimpse of future practices and ways of seeing and being in the world. (…) We have deliberately chosen to frame participants as ‘practitioners’ – the Curator stated – and not ‘architects’ and/or ‘urbanists’, ‘designers’, ‘landscape architects’, ‘engineers’ or ‘academics’ because it is our contention that the rich, complex conditions of both Africa and a rapidly hybridising world call for a different and broader understanding of the term ‘architect’. – (Lesley Lokko Statement attached)

PRESIDENT’S STATEMENT ON THE EXHIBITION AND THE COLLEGE ARCHITETTURA

“A laboratory of the future must necessarily begin from a specific starting point, from one or more hypotheses seeking confirmation – Roberto Cicutto, President of La Biennale di Venezia, stated. Lokko starts with her continent of origin, Africa, to talk about its historical, economic, climate and political criticalities and to let us all know «that much of what is happening to the rest of the world has already happened to us. Let’s work together to understand where we have gone wrong so far and how we must face the future». This is a starting point that seeks to heed those segments of humanity that have been left out of the debate and opens to a multiplicity of voices that have been silenced for so long by the one that considered itself to be rightfully dominant in a vital and unavoidable contest.” “I believe that this is La Biennale di Venezia’s true task as an institution, and not only for Architecture. We must start here to seize the opportunity that will allow us to raise the bar in the way we approach all the other disciplines as well.” – (Roberto Cicutto Statement attached) “For the first time ever, Biennale Architettura will include the Biennale College Architettura, which will run from 25 June to 22 July 2023. Fifteen renowned international tutors – Samia Henni, Marina Otero, Nana Biamah-Ofosu, Thireshen Govender, Lorenzo Romito, Jacopo Galli, Philippa Tumubweinee, Ngillan Gbadebo Faal, Rahesh Ram, Guillermo Fernández-Abascal, Urtzi Grau, Samir Pandya, Alice Clancy, Sarah de Villiers and Manijeh Verghese – will work with fifty students, early career practitioners and academics from around the world, selected by Lesley Lokko through an Open Call process over the four weeks of the teaching programme. At the conclusion of the Call on February 17^th, 986 applications had been received. A documentary of the educational experience will be filmed by Ángel Borrego Cubero and released in October this year. An international cast of critics will join the College in July.” – (Biennale College Architettura press release attached)

CARNIVAL

The Laboratory of the Future programme is enriched by Carnival, a six-month-long cycle of events, lectures, panel discussions, films, and performances, that explore the themes of the Biennale Architettura 2023. “Conceived as a space of liberation rather than a spectacle or entertainment, Carnival offers a space for communication in which words, views, perspectives, and opinions are traded, heard, analysed, and remembered – Lokko said. Politicians, policymakers, poets, filmmakers, documentary makers, writers, activists, community organisers and public intellectuals will share the stage with architects, academics, and students. This public event programme is increasingly a form of architectural practice that attempts to bridge the gulf between architects and the public.” Carnival is supported by Rolex, Exclusive Partner and Official Timepiece of the Exhibition.

NATIONAL PARTICIPATIONS

64 National Participations will organize their exhibitions in the historic Pavilions at the Giardini (27), at the Arsenale (22) and in the city centre of Venice (14). Niger participates for the first time at the Biennale Architettura; Panama participates for the first time with its own pavilion and has already participated in previous editions as part of the I.I.L.A. (Italo-Latin American International Organization).The Holy See returns to the Biennale Architettura, participating with its own Pavilion on the Island of San Giorgio Maggiore (it participated in the Biennale Architettura for the first time in 2018). The Italian Pavilion at the Tese delle Vergini in the Arsenale, sponsored and promoted by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture, is curated by the Fosbury Architecture collective, consisting of Giacomo Ardesio, Alessandro Bonizzoni, Nicola Campri, Veronica Caprino, Claudia Mainardi. The title of the exhibition is SPAZIALE: Everyone Belongs to Everyone Else.

VENICE PAVILION

The exhibition of the Venice Pavilion, located in the Giardini di Sant’Elena, is organized by the Municipality of Venice. Details of the project will be announced soon.

COLLATERAL EVENTS

The Collateral Events, which are admitted by the Curator and promoted by non–profit national and international bodies and institutions, will be announced in the coming weeks. Organized in several locations around the city of Venice, they offer a wide range of contributions and participations that enrich the diversity of voices that characterizes the Exhibition.

APPLIED ARTS PAVILION

La Biennale di Venezia and the Victoria and Albert Museum, London present for the seventh consecutive year the Applied Arts Pavilion Special Project (Arsenale, Sale d’Armi A) titled Tropical Modernism: Architecture and Power in West Africa, curated by Christopher Turner (V&A) with Nana Biamah-Ofosu and Bushra Mohamed (AA). The presentation is organised in collaboration with the Architectural Association (AA), London and the Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST), Kumasi. – (Press release attached)

BIENNALE SESSIONS, THE PROJECT FOR UNIVERSITIES

La Biennale dedicates the Biennale Sessions project to Universities, Academies of Fine Arts, and other Institutes of Higher Learning. The aim is to facilitate three-day self-organized visits by groups of at least 50 students and teachers, offering assistance in the organization of travel and accommodations and the possibility of organizing seminars in exhibition venues free of charge. – (Document attached)

EDUCATIONAL

For the past decade, La Biennale di Venezia has been devoting increased attention to learning activities and has developed a growing commitment to educational initiatives addressed to the audience of its Exhibitions, to universities, young people, and children, from schools at all levels. In the past two years, Biennale Architettura 2021 and Biennale Arte 2022 counted 111,164 participants in Education activities, of which 52,392 were young people. A broad Educational programme will be offered in 2023 as well, addressed to individuals and groups of students, children, adults, families, professionals, companies, and universities. All these initiatives aim to actively involve participants. They are conducted by professional operators, carefully trained by La Biennale, and they fall under the following categories: Guided Itineraries and Workshop Activities and Interactive Initiatives. – (Document attached)

EDITORIAL PROJECT AND GRAPHIC IDENTITY

The official catalogue, titled The Laboratory of the Future, consists of two volumes.

Volume I is divided into different sections dedicated to the events of Carnival and to the Curator’s Special Projects. Two sections are dedicated to the International Exhibition curated by Lesley Lokko, respectively titled Force Majeure and Dangerous Liaisons. Each project on display in the Exhibition is accompanied by a critical text and a rich iconography that completes the Participants’ work. A further section is dedicated to the first edition of the Biennale College Architettura. Embedded throughout are a series of essays developing the themes of the Exhibition and a detailed record of the works on display.

Volume II presents the National Participations and the Collateral Events. It includes a series of illustrated texts that delve deeper into the projects on exhibit in the Pavilions and the Collateral Events at the Giardini, at the Arsenale and in various locations across Venice. The graphic identity of the Biennale Architettura 2023 and the design of the publications are the work of Die Ateljee – Fred Swart. The volumes are published by Edizioni La Biennale di Venezia. – (Document attached)

PARTNERS AND SPONSORS

Biennale Architettura 2023 has been made possible by the support of Rolex, Partner and Official Timepiece of the event. We would like to thank the Sponsors of Biennale Architettura 2023:

Bloomberg Philanthropies with Bloomberg Connects and Vela-Venezia Unica.

We would also like to thank Cleary Gottlieb Steen & Hamilton LLP.

ACKNOWLEDGEMENTS

We would like to thank the Ministry of Culture, the local institutions that support La Biennale in various ways, the City of Venice, the Veneto Region, the Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per il Comune di Venezia e Laguna, and the Italian Navy. We thank the important international Donors, organisations and institutions who have contributed to the success of the Biennale Arte 2023. Our warmest thanks go to Lesley Lokko and her entire team. Finally, we would also like thank everyone at La Biennale for the great professionalism and dedication they have demonstrated in the realisation and administration of the Exhibition.

The official website of the Biennale Architettura 2023: www.labiennale.org

Official hashtags: #BiennaleArchitettura2023 #TheLaboratoryOfTheFuture

Facebook: La Biennale di Venezia

Twitter: la_Biennale

Instagram: labiennale

Youtube: BiennaleChannel

IMAGES of the 18^th International Architecture Exhibition may be downloaded at the following link:

https://cloud.labiennale.org/url/biennale2023

Password: biennale2023

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W – Galería

04/05/202328/04/2023 por Hoornik Art

W galería

Incorporación de Federico Curutchet como Co-Director de la galería W (Buenos Aires, ARG) / walden naturae (Pueblo Garzón, URU).

Estamos muy contentos de anunciar la incorporación de Federico Curutchet como co-director de la galería W (Buenos Aires, ARG) / walden naturae (Pueblo Garzón, URU). Con más de diez años de carrera trabajando en el mundo del arte contemporáneo Federico ha sabido distinguirse en sus trabajos curatoriales, escriturales y galerísticos acompañando la carrera de artistas de diferentes generaciones y colaborando con sus crecimientos profesionales tanto a nivel local como a nivel internacional. Estamos felices de darle la bienvenida a nuestro equipo y convencidos que su incorporación nos permitirá seguir creciendo como galería.

Federico se formó en Peritaje y Valuación de Obras de Arte (UMSA), Lic. en Filosofía (UBA) y Crítica de Artes (UNA). Durante los últimos diez años desarrolló su carrera profesional en el sistema del arte contemporáneo latinoamericano a nivel global. Trabajó como Coordinador General de la galería Aldo de Sousa (2013-2015) y de la galería Rolf (2015-2017) y dirigió la galería Barro (2017-2021) en la Ciudad de Buenos Aires. Realizó trabajos curatoriales en diferentes instituciones públicas y privadas, reseñas críticas para medios, producción de exposiciones y propuestas feriales locales e internacionales y asesorías para distintos clientes y colecciones de arte contemporáneo.

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COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

27/10/202324/04/2023 por Hoornik Art

COLECCIÓN SOLO “Protection no longer asssured”

La integración sutil de la creación contemporánea hiperrealista y atómica, se definen teñidos por un monstruoso romanticismo

Esta exposición combina obras de inteligencia artificial, pinturas, esculturas de diversos materiales, e instalaciones que reflexionan sobre la inmensidad: Los movimientos opuestos del terror al romanticismo, engloban la incertidumbre que abarcamos en la contemporaneidad. Las obras dialogan entre distintas cuestiones que representan nuestra aproximación a la realidad, desde el deterioro y la ansiedad, el estado de la hipperrealidad atómica, la virtualidad, y la propuesta placentera del romanticismo. La conexión del mundo a través de la destrucción y el nuevo poder de creación hoy manipulado por la tecnología.

Heshka Ryan es quien con su obra “Protection no longer assured” engloba la nueva exposición de Colección Solo. Autor de “Chicas Malas” comic de 2015, admirador de las mujeres, quienes para él, buscan constantemente cambiar las cosas que siguen sin funcionar en la actualidad. El artista presentó sus ilustraciones en varias revistas, como Vanity Fair, Playboy o en el New York Times.

Repetidas veces redefinimos “sublime” ó “sútil” en un estado de posmodernidad absoluto, vanguardista con aires retro, sigue el movimiento de cine asiático “kaiju” que denomina “bestia”, o “moustruo”. Su origen fue dado con la película de animación “Gozilla”, estas criaturas atacan o protegen al mundo o la humanidad en el género “tokusatsu”.

Esta combinación también vista en la obra de Heshka Ryan con super héroes retro, y hongos explosivos, bombas nucleares realizados con inteligencia artificial, completan la colección y me llevan a pensar en el concepto del posmodernismo “cíclos híbridos” de García Canclini, donde unimos nuevas concepciones para crear en este caso “el romanticismo del terror»: Una nueva realidad que nos lleva a obras figurativas de artistas como Erik White, fantasías de criaturas disociadas y abrumadas pero felices, sedadas en el estado de placer y explosión de dopamina de Grip Face, una enorme interpretación de la receptividad pintada en mujer, por Sandra Vasquez de la Horra, dónde la mujer expone sus centros energéticos de conectividad hacia la tierra y se ve desfigurada por lo que ocurre. Sigo el recorrido, y me encuentro con otro simbolismo receptivo, analógico, que completa la transición de una sala a la otra. Antes de entrar a sumergime en las obras de Paco Pommet, la obra espejo por Ampparito: “Objeto luminoso que se hace sombra con su propia luz”, otro simbolismo de integración, que responde a si mismo, sin parámetros complejos, sobre la dualidad luz/oscuridad.

Esta colección es sublime en cuanto a su aspecto terrorífico y armónico de integración de los opuestos, vivencia que se ve reflejada en la representación atómica de la guerra las bombas de Dagoberto Rodriguez, las cuales normalizan las armas de guerra frente a un mural urbano y simpático sin maldad, de Diaz Faes. Y anteriormente, en una sala con un dedo que gira sobre si mismo, transgrediendo tiempo y espacio obra de Mika Rottenberg Finger.
Se encuentra también el hombre-perro, hecho de plastilina y piedras de Agatha por David Altmejd, la obra más llamativa del espacio contiene la vivencia post apocalíptica en su espalda y extremidades, hace referencia a la condición sometida del hombre a existir en un mundo creado simbólicamente por la capacidad creadora de su espíritu. La escultura, se encuentra en el estado de despertar de una vida típica de oficina, con un cigarrillo en la mano, se diluye entre la anomalía animal-humana. Y enfrente, la ilusionada obra de la naturaleza despierta un paraíso en contraste, el oasis de ensueños por Jorge Rios “This was the first color” y “This was the first gloom” en referencia al origen del todo, un arcoiris al final de una cascada.

Por último, la obra de Studio Smack, “Black Friday” la cual hace referencia a las conductas masivas, ya sean de consumismo, o el simple “copy paste” de coacción que representa a las masas. Es una obra digital que muestra distintas criaturas, también moustruosas, en la lucha para llegar a la parte más alta de la torre humana que la compone. El algoritmo no permite sino de manera aleatoria, adivinar quien será la próxima en aplastar a todas las demás y alcanzar la cima.
Esta exposición en Colección Solo, es una espeluznante radiografía de la barbarie contemporánea, humanizada y modernizada en el romanticismo que atraviesa nuestra sociedad respecto a lo concebido como sublime en la actual revolución tecnológica.

Autor: Camila Tapia San Martin

Jeff Koons, «Pequeño accidente»

24/02/202322/02/2023 por Hoornik Art

Jeff Koons

La obra del artista se hizo pedazos en Art Wynwood Miami, y generó repercusión

Jeff Koons, escultor, empresario y pintor estadounidense, artista conceptual, pop, minimalista, para algunos el principal artista kistch. Una de sus esculturas en cuestión, de las más famosas y representativas, era la pieza de porcelana Balloon Dog, ahora expuesta en Art Wynwood Miami. Esta escultura tenía unos 38 centímetros de alto y de color azul.

La coleccionista que vivió la experiencia de romper un Jeff Koons de 42.000 mil dólares, tuvo la suerte de no tener que pagar por ella, ya que estaba asegurada.

La Galerilla

11/02/202304/02/2023 por Hoornik Art

Ivan Martinez y Camila Lacroze por Federico Racchi 1

La Galerilla

Próxima estación: Garzón

La Galerilla comenzó como una galería de arte pop-up. Luego de un tiempo de montar muestras en distintos espacios de Punta del Este y alrededores, su fundador, Iván Martinez Autin (32), decidió darle al proyecto un lugar de exhibición concreto en un escenario particular, cercano a una estación de tren abandonada donde los trenes no llegan hace más de medio siglo, pero adonde hoy se aventuran nuevos pioneros.

Garzón, al principio, hace cien años, era un sitio por donde los granjeros y los rancheros pasaban en su viaje desde Montevideo a Brasil. Algunos se juntaban en aquellas montañas, a decenas de kilómetros para adentro del océano Atlántico, donde surgió este pequeño pueblo. A los políticos, desde la capital uruguaya, les costó encontrar un nombre para el enclave hasta 1935, cuando se le dio el nombre de un militar independentista. Hoy es el pueblo elegido por el turismo internacional más sofisticado.

Pueblo Garzón se encuentra en el campo, sus callecitas rurales de ripio, además ser sede del célebre restaurante de Francis Malman, dan paso a galerías de arte recién llegadas, como Walden Naturae o la Galerilla, y también a las pioneras ya establecidas, como Black Gallery, Photology o la residencia de arte Campo, fundada en 2016 por la norteamericana Heidi Lender. Estas atracciones forman un recorrido perfecto para los visitantes del verano que buscan un destino de gastronomía y arte como opción al mar y la playa. El pueblo se ubica a treinta kilómetros de José Ignacio y a sesenta de Punta del Este.

En 2021, en una esquina del pueblo, el joven galerista unió dos vagones de tren con un puente de madera y armó un espacio donde se pueden encontrar instalaciones y obras de artistas emergentes latinoamericanos. Como señala el Financial Times, el tren que alberga la galería parece respetar “el ciclo natural de Pueblo Garzón”, un lugar de oportunidades que durante años y décadas quedó en la oscuridad, hasta ahora que se está redescubriendo.

La Galerilla se apoya en la tendencia global del arte emergente, busca exponer a sus visitantes internacionales y coleccionistas locales el arte latinoamericano de vanguardia, sobre todo la obra de talentosas artistas mujeres. Algunas de las últimas muestras fueron de Vicky Barranguet, Camila Lacroze, Florencia De Palleja, Camila Ercoreca, Lolo Bonfanti y Maria Chiara Baccanelli.

Lacroze (34), estrecha colaboradora de Iván, es un nombre cada vez más importante y premiado en la escena del arte contemporáneo uruguayo. Además de haber terminado recientemente su maestría en Arte y Cultura Visual en la Facultad de Artes de Montevideo, acaba de recibir la beca FEFCA para participar de una residencia de arte en Mana Contemporary, en Nueva Jersey. Juntos, este año Iván y ella trabajaron en una exposición individual que se llevó a cabo en el vagón de Garzón, donde Camila exhibió el trabajo que venía desarrollando durante estos últimos dos años, mientras terminaba su maestría.

Por su parte, Baccanelli es argentina y divide su tiempo entre exposiciones, ferias de arte y periodos de creación en Punta del Este, Buenos Aires, Miami y Milán. Sus obras son codiciadas por coleccionistas de todo el mundo.
Algo similar es lo que hace la uruguaya Vicky Barranguet (49), radicada hace ya más de dos décadas en Nueva York, cuyas obras revisten las paredes de destinos de lujo en Europa, Estados Unidos y Uruguay. Esta temporada colaboró con la Galerilla para producir un cuerpo de obra y exhibirlo bajo la curaduría de Jacqueline Lacasa, una muestra que hoy se puede visitar en el complejo Terrazas de Manantiales.

La Galerilla continúa haciendo muestras pop-up fuera de Garzón, pero llegó al pueblo para quedarse. La convicción de que este pueblo puede emular en Uruguay el éxito de Marfa en Texas es suficiente para contrarrestar las distancias que hay que recorrer para llegar a una galería en un lugar tan alejado. La nueva realidad es que el tren no viene más a la estación, pero en el pueblo los vagones vuelven a darle vida.

Marta Minujin se casó con la eternidad en el Malba

11/02/202301/02/2023 por Hoornik Art

Marta Minujín

Celebró sus 80 años en Malba, casándose con la eternidad

Rodeada de más de 200 invitados entre familiares, amigos, colegas y referentes del mundo del arte, la gran artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) celebró este martes en Malba su cumpleaños 80 con un casamiento con la eternidad.

Pasadas las ocho de la noche y luego del anuncio musical a cargo de dos clarinetistas, los invitados y curiosos se juntaron en la explanada del museo a esperar a la artista que llegó al museo en un colectivo de la línea 67 con su cartel de destino intervenido con las palabras: “Malba, Eternidad” y el clásico “Arte Arte Arte”.

Vestida de novia -con un diseño de tul rosa pastel regalo especial de Amalia Amoedo firmado por Jorge Rey-, Marta bajó del colectivo escoltada por un grupo de diez jóvenes voluntarios de Malba Joven con las caras pintadas en blanco, azul, rojo y verde con figuras cubistas. Un homenaje de Minujín a Picasso, en conmemoración del 50 aniversario de su muerte.

Todos los invitados vestidos de negro y con anteojos negros como indicaba el dress code, siguieron a la artista al interior del museo mientras sonaba la marcha nupcial. El vals “El Danubio Azul” de Strauss marcó el inicio oficial de la fiesta con Marta en el centro, seguida por el resto de los invitados. El grupo de jóvenes “performers” acompañó a la artista durante toda la fiesta animando a los invitados a formar parte activa del festejo con diferentes instrucciones y acciones participativas.

Antes de dar paso al corte de la torta negra de cuatro pisos, Marta agradeció a los invitados y dijo: «disfruten el momento presente y esta experiencia única de vivir en arte».

Luego diferentes invitados tiraron de las cintas de la torta y se llevaron prendedores con la figura del Partenón de Libros, un ícono de su producción artística. Para el brindis, los invitados levantaron sus copas negras al grito de “Arte, Arte, Arte”.

Para cerrar el festejo, la “novia” arrojó el ramo de rosas negras a todos los invitados, para luego retirarse en el colectivo 67 junto a su cortejo.

2023, año Minujín

Diosa del Arte Pop y figura icónica del arte argentino desde los años 60, Marta Minujín es conocida por sus performances, happenings y construcciones a gran escala, así como por sus obras de vanguardia, conceptuales y psicodélicas. Minujín vivió en la bohemia parisina, triunfó en Nueva York e hizo sus performances en las capitales más importantes del mundo. Entre los hitos de su carrera destacan: Eróticos en Technicolor y ¡Revuélquese y viva! (1964), La Menesunda (1965), Minuphone (Nueva York, 1967), El Obelisco de pan dulce (Buenos Aires, 1978), El Partenón de libros (Buenos Aires,1983), La deuda (1985), entre tantas otras obras.

En 2010 Malba organizó su primera retrospectiva en el país, con un recorrido exhausto por su extensa producción. En 2013 festejó sus 70 años con un casamiento con el arte y el 2023, será recordado como el año en que Marta Minujín celebró su casamiento con la eternidad.

Con esta celebración la artista da inicio a un año importante en su carrera artística que continuará con una gira por varias ciudades del mundo con muestras programadas en el Museo Judío de New York, la Pinacoteca de San Pablo, el Museo Reina Sofía en Madrid, entre otras instituciones de relevancia.

>> Cobertura del evento en redes
@museomalba @malbajoven
#MartaEterna

CRÉDITOS
Coordinador general de performers y voluntarios: Antonio Villa
Clarinetistas: Bianca Boglione Aliotta y Griselda Acquista
Artistas performers: Cristian Leonardo Jensen, Florencia Vecino y Gonzalo Bourren
Voluntarios Malba Joven: Clara Sanchis Muñoz, Constanza Schwartz, Fermín Moreno Quintana, Agustian Salgado, Guido Del Monaco, Jacinta de Oromí, Julia Tavares Grunberg, María Eugenia Salgado Mujica, Marí La fuente, Milagros Pilar Gómez Almeida, Ramón de Oromí, Victoria Céspedes Mariconda.

El evento fue posible gracias al apoyo de artbag, Claudia Stad y Ruth Mantel.