ARCO Madrid 2023

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ARCO Madrid

Presenta su edición 42

La edición de ARCO Madrid se realizará del 22 al 26 de Febrero organizada por IFEMA Madrid en la capital española y ahí estaremos para mostrarles los insights de la feria. Contará con un total de 214 galerías de 37 países, entre ellos obviamente, America Latina. El protagonismo de Argentina es notorio, participarán galerías como: Ruth Benzacar, Rolf Art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería. 

Sabemos el auge que tiene el arte latinoamericano en estos momentos para los coleccionistas, habrá importantes galerías de Brasil, México, Perú, Colombia, Guatemala, Cuba, Uruguay y Venezuela en representación. También, conocemos el peso que tienen estas colecciones sobre el premio al coleccionismo que revela ARCO cada año. 

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La ciudad se verá en conconcordancia al arte y habrá muestras en el Reina Sofía, Sala de Alcalá 31, y el espacio de matadero Madrid. 

Este año ARCO Madrid, en su edición 42, se verá bajo el tema “Mediterráneo: Un mar redondo” que comisariada por Marina Fokidis, con la asesoría de Bouchra Khalili, Hila Peleg y Pedro G. Romero, pretende movilizar las relaciones que transcurren de abajo arriba y de lado a lado en un esfuerzo por alcanzar un punto de encuentro para las intensidades compartidas de esta área geográfica. 

Marta Minujin se casó con la eternidad en el Malba

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Marta Minujín

Celebró sus 80 años en Malba, casándose con la eternidad

Rodeada de más de 200 invitados entre familiares, amigos, colegas y referentes del mundo del arte, la gran artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) celebró este martes en Malba su cumpleaños 80 con un casamiento con la eternidad.

Pasadas las ocho de la noche y luego del anuncio musical a cargo de dos clarinetistas, los invitados y curiosos se juntaron en la explanada del museo a esperar a la artista que llegó al museo en un colectivo de la línea 67 con su cartel de destino intervenido con las palabras: “Malba, Eternidad” y el clásico “Arte Arte Arte”.

Vestida de novia -con un diseño de tul rosa pastel regalo especial de Amalia Amoedo firmado por Jorge Rey-, Marta bajó del colectivo escoltada por un grupo de diez jóvenes voluntarios de Malba Joven con las caras pintadas en blanco, azul, rojo y verde con figuras cubistas. Un homenaje de Minujín a Picasso, en conmemoración del 50 aniversario de su muerte.

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Todos los invitados vestidos de negro y con anteojos negros como indicaba el dress code, siguieron a la artista al interior del museo mientras sonaba la marcha nupcial. El vals “El Danubio Azul” de Strauss marcó el inicio oficial de la fiesta con Marta en el centro, seguida por el resto de los invitados. El grupo de jóvenes “performers” acompañó a la artista durante toda la fiesta animando a los invitados a formar parte activa del festejo con diferentes instrucciones y acciones participativas.


Antes de dar paso al corte de la torta negra de cuatro pisos, Marta agradeció a los invitados y dijo: «disfruten el momento presente y esta experiencia única de vivir en arte».

Luego diferentes invitados tiraron de las cintas de la torta y se llevaron prendedores con la figura del Partenón de Libros, un ícono de su producción artística. Para el brindis, los invitados levantaron sus copas negras al grito de “Arte, Arte, Arte”.

Para cerrar el festejo, la “novia” arrojó el ramo de rosas negras a todos los invitados, para luego retirarse en el colectivo 67 junto a su cortejo.

2023, año Minujín

Diosa del Arte Pop y figura icónica del arte argentino desde los años 60, Marta Minujín es conocida por sus performances, happenings y construcciones a gran escala, así como por sus obras de vanguardia, conceptuales y psicodélicas. Minujín vivió en la bohemia parisina, triunfó en Nueva York e hizo sus performances en las capitales más importantes del mundo. Entre los hitos de su carrera destacan: Eróticos en Technicolor y ¡Revuélquese y viva! (1964), La Menesunda (1965), Minuphone (Nueva York, 1967), El Obelisco de pan dulce (Buenos Aires, 1978), El Partenón de libros (Buenos Aires,1983), La deuda (1985), entre tantas otras obras.

En 2010 Malba organizó su primera retrospectiva en el país, con un recorrido exhausto por su extensa producción. En 2013 festejó sus 70 años con un casamiento con el arte y el 2023, será recordado como el año en que Marta Minujín celebró su casamiento con la eternidad.

Con esta celebración la artista da inicio a un año importante en su carrera artística que continuará con una gira por varias ciudades del mundo con muestras programadas en el Museo Judío de New York, la Pinacoteca de San Pablo, el Museo Reina Sofía en Madrid, entre otras instituciones de relevancia.

>> Cobertura del evento en redes
@museomalba @malbajoven
#MartaEterna

CRÉDITOS
Coordinador general de performers y voluntarios:
Antonio Villa
Clarinetistas: Bianca Boglione Aliotta y Griselda Acquista
Artistas performers: Cristian Leonardo Jensen, Florencia Vecino y Gonzalo Bourren
Voluntarios Malba Joven: Clara Sanchis Muñoz, Constanza Schwartz, Fermín Moreno Quintana, Agustian Salgado, Guido Del Monaco, Jacinta de Oromí, Julia Tavares Grunberg, María Eugenia Salgado Mujica, Marí La fuente, Milagros Pilar Gómez Almeida, Ramón de Oromí, Victoria Céspedes Mariconda.

El evento fue posible gracias al apoyo de artbag, Claudia Stad y Ruth Mantel.

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Marta Minujin

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MARTA MINUJIN

Inigualable creadora de símbolos

La extraordinaria trayectoria de Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y su bien merecida celebridad se basan en una compleja producción artística que propone, principalmente, provocar la participación masiva del público, alterar las percepciones y modificar el entorno. Antes que muchos, realizó ambientaciones e instalaciones, trabajó con el arte de la tierra y supo comprender la importancia de los medios de comunicación y la jerarquía de la tecnología. Sorprende actualmente con dos exhibiciones en Buenos Aires. 

Talentosa y constante, Minujín posee un extendido y multifacético itinerario de más de 60 años, que suma pinturas, esculturas y videos, experiencias en happenings y arte efímero, prácticas hippies y tecnológicas, trabajos sobre yeso y vidrio en relieve, diseños de objetos cotidianos, intervenciones urbanas y arte público como David, escultura exhibida en estación Retiro del Subte E, reproduciendo la cabeza fragmentada en nueve partes de la escultura homónima de Miguel Angel. 

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Foto de la página opuesta: Marta Minujin en la terraza de la Fundación Santander

Como pocas artistas, Minujín desde muy joven logró instalar su presencia en la prensa tanto por sus audaces proyectos como porque desarrolló una actitud performática en público. Siempre platinada y con eternos anteojos negros, la artista suele vestir coloridos mamelucos, hechos especialmente para ella con diversos diseños, tonos y texturas. ¿Coincidencia u homenaje? Su abuelo fabricaba ropa de trabajo, en el mismo lugar donde Minujin tiene su amplio estudio.

Es en ese mismo estudio donde la artista armó Pandemia, obra de 2 x 2,60 metros con efecto cinético, exhibida ahora en el Museo Nacional de Bellas Artes. Durante los meses de aislamiento del 2020, Minujín aplicó obsesivamente 22.600 pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela. En su cuenta de Instagram, la siempre actualizada artista mostró mes a mes el progreso de la pieza sin colores, que despliega su empecinamiento por trabajar y sobrevivir. 

Esculturas habitables, ambientaciones transitables 

La tapa de este número de Hoornik muestra a la artista recostada sobre una de sus coloridas esculturas blandas habitables. Se trata de una estructura hecha con distintos volúmenes de goma espuma y géneros multicolores. Su lejano antecedente fue la exhibición de colchones, en muestras colectivas en un par de galerías porteñas, antes de La Chambre D´Amour (La pieza del amor, 1962), precursora obra de arte de participación, realizada junto al escultor holandés Mark Brusse en París. A su regreso al país, volvió a experimentar con colchones y en 1964 ganó el prestigioso Premio Nacional del Instituto Di Tella con Revuélquese y viva, una construcción armada con una carpa, colchones y almohadones de muchos colores en dónde el público podía “revolcarse” y “vivir en arte”. 

En la gigantesca instalación Galería blanda, realizada inicialmente con Richard Squires en 1973 en una galería en Washington D.C., los colchones y colchonetas fueron centrales para cubrir paredes, techo y piso y así generar un entorno para que los visitantes ingresaran y se divirtieran recorriendo, escuchando música, viendo videos, como en la versión 2009 de Galería blanda exhibida en la feria de galerías arteBA. Multiformes y multicolores, las formas blandas en ocasiones admiten otros materiales como en El árbol de los deseos, 2014-2015, desplegada en la calle Florida. 

La pieza de tapa, Ensoñación Restauradora, tiene materiales fluorescentes multicolores semejantes a los que utiliza en las obras de sitio específico que integran la muestra IMPLOSIÓN!, con catálogo y texto de Rodrigo Alonso, en el Paseo de las Artes y en la terraza de Fundación Santander Argentina, cuyo vidriado edificio luce un ploteado con el rostro de la artista. 

La instalación Conceptos entrelazados (2021) está integrada por una escultura blanda en forma de cubo, con más de 60 piezas acolchadas multicolores y fluorescentes, reflejada en cuatro espejos que la rodean y que en su dorso ostentan gigantografías con la imagen de Minujín joven. Enfrente, un habitáculo invita a sumergirse en una experiencia sensorial. Con la proyección de video mapping y música de Philip Glass, los colores y formas en movimiento de Arte inmersivo (2021) envuelven al visitante y provocan una sensación tan lúdica como vertiginosa. Al aire libre, Autorretrato mediático (2021), es la escultura de hierro pintada de dorado con el rostro de la artista con antejos iluminados digitalmente con tubos de neón. Ésta tiene un código QR que dirige al visitante a una página Web con una encuesta con preguntas sobre el siglo XXI.

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Marta Minujin caminando frente a la instalación Conceptos entrelazados. Fundación Santander Argentina
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El Árbol de los desos. 2014-2015- Bs.As.
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Marta Minujín The Parthenon of Books © Mathias Voelzke
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Marta Minujin & Andy Warhol 1985 - New York

Una, entre centenares de muestras realizada por la artista, es la ambientación transitable La Menesunda, programada para el pasado 2020 en Tate Liverpool y postergada aún sin fecha. La Menesunda británica será la tercera edición de la histórica obra inmersiva, realizada en el Instituto Torcuato Di Tella en 1965 junto a Rubén Santantonín. Recreadas en el Museo Moderno en 2015-2016 en Buenos Aires y en New Museum de Nueva York en 2019, como Marta Minujin: Menesunda Reloaded (Menesunda recargada), las reconstrucciones también provocan experiencias visuales, auditivas, táctiles y sensaciones cruzadas. “Menesunda” en lunfardo es “mezcla”, “confusión”. 

Se ingresa a La Menesunda a través de la cabeza de una gigantesca mujer para recorrer algunas partes interiores de su cuerpo, convertidas en dormitorio, peluquería, túnel de neón, cabina con disco de teléfono, y más. La ambientación fue realizada en base a apuntes, fotos y croquis originales, ya que fue un trabajo efímero. La obra expuesta no sólo reformula el espacio por donde circula el espectador sino que está deliberadamente preparada para que el visitante se vea requerido a involucrarse en el juego propuesto. 

Nueva York, Mar del Plata y Kassel 

Formada en las escuelas de arte de la Argentina, en 1959 comenzó a exhibir dibujos y pinturas “pseudo futuristas”; viajó a París con una beca en 1961. Volvió a Buenos Aires luego de sus acciones en la capital francesa, incluyendo su primer happening en 1963, La Destrucción, donde incendió su propia obra ante numeroso público, indicando su interés en el debate acerca de la “muerte del arte”. 

Tras unos años trabajando en Buenos Aires, y realizando happenings también en Montevideo, Minujín armó sus valijas en 1966 y, con tres sucesivas becas, se fue a vivir a Nueva York. Allí armó proyectos, exhibió su obra y conoció a Andy Warhol; incluso formó parte del cuerpo de profesores del área de “nuevos medios” de New York University en 1968. Antes, en 1967 creó Minuphone, instalando una cabina de teléfono electrónica en Howard Wise Gallery. Dentro de la cabina, tras discar un número se producía alguno de los nueve efectos sensoriales previstos (gas helio, brisas, agua coloreada, tono de llamada, luces, humo), incluyendo la toma de una polaroid. La cabina de teléfono, el discado y sus consecuencias, fue reproducida y exhibida en 2010 en Fundación Telefónica Movistar. 

Reconocida como artista conceptual, Minujin se percibe como Pop, “pero más que nada por los colores que uso y porque mi personalidad es Pop”, dijo a Hoornik. Con el rey del Pop Art realizó en 1985 el simbólico Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol; quedan las fotos de la entrega de los choclos, del verdadero “oro latinoamericano” al mítico Warhol que pudieron verse en la retrospectiva de la artista en Malba en 2011. En un intento por mediar en el conflicto por las islas Malvinas, Minujín repitió la acción en 1996 en un Festival de Performance organizado por el Institute of Contemporary Art (ICA), Londres. Entonces, la artista entregó los choclos de Solving the International Conflict with Art and Corn (Resolviendo el conflicto internacional con arte y choclos) a una doble de Margaret Thatcher. 

Para la apertura del Museo de Arte Contemporáneo en la Provincia de Buenos Aires, MAR, Minujin fue invitada en 2013 a crear una escultura temporaria en su explanada. Creó un magnífico lobo marino revestido con más de 50.000 envoltorios dorados de alfajores, que resume dos tradiciones de esa ciudad de Costa Atlántica: los alfajores marplatenses y los mamíferos creados por el escultor José Fioravanti, ubicados en la escalinata que conduce al mar desde la plaza de la Rambla del Casino. 

Pero, como la brillante figura de Lobo Marino se convirtió en inmensamente popular, sitio preferido de selfies y protagonista de Instagram, en 2014 se decidió cambiar “su piel” para que quede definitivamente frente al MAR. Cuando se desmontaron, los papeles fueron entregados al público para ser canjeados por alfajores en la casa líder o para ser guardados de recuerdo. Luego, la escultura fue recubierta por miles de símiles de esos envoltorios en aluminio, que se lustran periódicamente. Lobo Marino brilla más que nunca y, como dijo Minujín: “será un icono eterno, porque nadie quiso que desaparezca”. 

La artista volvió a hacer en 2017 el impactante El Partenón de Libros en la ciudad alemana de Kassel donde, cada cinco años, se desarrolla la prestigiosa exhibición internacional Documenta. Esta vez, los libros vinieron de todos los puntos del planeta para construir esta semejanza del Partenón de Atenas; originalmente erigido en Av. 9 de Julio para festejar el advenimiento de la democracia en 1983, con 20.000 libros mayormente prohibidos durante la última dictadura militar (1976-1983). 

Feria Otro Arte Uruguay

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Feria Otro Arte

Punta del Este, Uruguay

La feria Otro Arte surge de la ausencia de un espacio de venta abierto para artistas independientes, sin galería. Tenemos un objetivo, creemos que es importante, dentro del circuito de la semana del arte en Punta del Este, proveer a los artistas de un espacio en el que se puedan representar a ellos mismos.
La iniciativa comenzó gracias a Ivan Martinez Autin, fundador de @lagalerilla, galería de arte itinerante, Micaela Gregores, gestora y productora cultural, Gustavo Perrier, artista y director de arquitectura promocional, encargado de la estructura y el montaje de la feria.
La grilla de artistas está integrada por María Valdés, Inés Gaggero, Florencia de Palleja, Pedro Peralta Duarte, Soledad Da Rosa, Gustavo Perrier, Daniel Supervielle, Maki Oaks, Natalia Namaka, Agustín Martínez, Manuelle Chelle Brandt, Michel Castillo, Camila Lacroze, Emiliana Rat, Pablo Aloy, Mor Vener.

@otroarte.uy

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Micaela Gregores, Iván Martinez Autin, ambos directores de Otro Arte junto a Gustavo Perrier
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Terrazas de manantiales, Punta del Este

El predominio de la experiencia- GASPAR LIBEDINSKY

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El predominio de la experiencia

CASA TOMADA

GASPAR LIBEDINSKY

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MISTER TRAPO - Museo Nacional de arte decorativo, 2022
 

Una de las discusiones más interesantes que se plantean dentro del universo del arte contemporáneo gira alrededor de cuál es y cómo se expresa su verdadero potencial de politicidad. Una buena cantidad de críticos, teóricos y expertos, le presuponen a las nuevas formas del arte un componente alto de frivolidad y de falta de apego a las realidades sociopolíticas. Estas consideraciones, las más de las veces, responden a criterios más bién modernos de aproximación al problema y encapsulan las posibilidades políticas del arte a sus elementos discursivos y a sus resoluciones más obvias, dejando fuera de análisis dos cuestiones relevantes. Por un lado, desestiman la capacidad del arte por resignificar los lenguajes y, por el otro, solo perciben la politicidad de manera literal. Casa Tomada, la retrospectiva de Gaspar Libedinsky en el Museo Nacional De Arte Decorativo de Buenos Aires es un ejemplo claro de lo equivocado que pueden estar los que le imputan al arte contemporáneo una ligereza insustancial que solo busca el efecto inmediato y el reconocimiento del mercado. Libedinsky es un artista con una ligazón estrecha con el mundo social en el que vive y su compromiso reconoce una infinidad de capas superpuestas que pendulan entre la cuestión ambiental, las desigualdades sociales, las discusiones sobre el espacio y el tiempo, sobre lo valioso y lo mundano, sobre lo útil y lo desechable y, en definitiva, sobre lo ordinario y lo especial.

Las analogías que el propio Libedinsky establece entre el artista y el servidor público, lo coloca en el rango de un activismo contundente, al que le incorpora, gracias a su sólida formación profesional, un discurso pulido, centrado, razonado e innovador. Pero, a diferencia de otros casos en lo que el discurso se antepone y se sobreimprime a la obra, en su caso, ambas dimensiones se acompañan y se enriquecen mutuamente al tiempo en que le permiten a Libedinsky armar su propio personaje, su propia

Casa Tomada es, además de una muestra retrospectiva que mezcla obra nueva con reposiciones de trabajos anteriores, un site specific gigantesco.

La muestra está pensada, organizada y ejecutada para el espacio del Museo Nacional de Arte Decorativo y no podrá ser repuesta del mismo modo en otro lugar. Este es uno de los puntos altos de la exposición y es algo que merece ser rescatado. La manera en que Libedinsky resuelve el diálogo de las obras con el espacio del Museo y el modo en que el artista fue tomando los espacios interiores y exteriores del Museo es de una precisión y un detalle milimétrico. Todo tiene su explicación, su lugar y su sentido. El itinerario espacial, el guión que se sigue hilvanando una obra con la siguiente y la posible lectura final del “texto” que propone Casa Tomada no deja nada al azar y entremezcla un indudable placer en las posibilidades lúdicas del arte con una seriedad conceptual y un rigor en la ejecución admirables.

El encuentro del visitante con la obra comienza apenas traspasa el bellísimo portal del Museo. Antes de entrar, Libedinsky dispuso su “homenaje al hombre común”, una obra que cabalga entre la instalación y la escultura y que remeda a los Castellers, esas torres humanas que son parte del folclor catalán y que se remontan a 200 años atrás. En la versión del artista, el clásico vestuario deja paso a trajes oscuros y camisas blancas comprados al Ejército de Salvación. La formación habitual de los castells, con los hombres más fornidos y gruesos abajo para soportar el peso y darle equilibrio a la formación se invierte y los más débiles sostienen a los más fuertes, lo que da a la escultura un fuerte tono paródico y social. Para aumentar su potencia simbólica, la estructura puede erguirse y guardarse mediante un sistema de poleas, y lo que se hace apenas comienza el día de exhibición es “izar” el monumento, como si se tratase de una bandera.

Ya dentro, en la antecámara del Palacio, la experiencia guía al visitante hacia Intocable, una instalación de 2020 que es, al mismo tiempo, una puerta de entrada a la exposición y un resumen. La actitud de la obra frente al entorno es la de toda la muestra, la irrupción de algo que no debe estar allí pero que sin embargo aparece, se presenta y lo modifica todo. Lo extraño ganando el espacio de lo habitual. En este caso, unos insectos-pájaros de metal pululan sobre una purísima escultura de Joseph-Michel-Ange Pollet y rodean su blanco inmaculado sin tocarla. Un sonido invade el ambiente y completa el clima de la escena, predisponiendo al espectador e invitándolo a dejar de serlo y a sumarse a la experiencia planteada por el artista.

Esta continúa con la obra tal vez más espectacular de la muestra, por su dimensión, su carga conceptual y su apertura en términos visuales partiendo de su emplazamiento y de sus múltiples posibilidades de abordaje. En Arrecife, Libedinsky usa 1.000 kilos de cerdas plásticas de escobillones para armar un arrecife de 400 metros cuadrados en la planta principal del Palacio. Compositivamente, la obra es impecable. Los caminos interiores que crea el arrecife, su fuga hacia las escaleras laterales, el manejo de la competencia de la obra con el entorno barroco y con el piso marqueteado la convierten en una de las estrellas de la muestra. Vista desde el balcón del primer piso, la obra se realza y toma una dimensión más amplia, mezclando la idea inmersiva de estar allí recorriendo con la posibilidad de alejarse visualmente y generar otras perspectivas y otras miradas.

En el salón comedor, la imponente mesa original de la colección fue sustituida por una de las obras más interesante y estimulante de la exposición. Se trata de Banquete, una mesa realizada con puertas y ventanas que pueden abrirse

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AVESTRUZ Museo Nacional de arte decorativo, 2022

y cerrarse, formando figuras espacialmente distintas y volviéndose aptas para distintas actitudes en cada caso. Abrir una puerta o una ventana predispone al diálogo entre dos o entre varios, llama a la intimidad o al trabajo grupal.
Levantar una ventana opera como límite y al mismo tiempo como refugio. El trabajo tiene muy presente una inspiración arquitectónica y de diseño y los colores plenos contrastan con los mármoles, las paredes y pisos de madera y las arañas antiguas. El resultado visual es contundente, rasgo que se acentúa en las activaciones, cuando performers toman el espacio y le dan distinta funcionalidad. En la misma sala, en los paneles laterales, están las pinturas de Libedinsky. La serie Kunstformen der Natur reúne una colección de obras muy particulares. El artista tensa con dos paneles de acrílico escobillones de manera tal que las cerdas se desacomodan y van tomando formas diferentes.

Los hilos de plástico actúan como pinceladas para diseñar composiciones abstractas con una paleta de colores vibrante que en algunos casos llega incluso a sugerir una especie singular de paisajes.

Más allá, en las salas contiguas, La nube se adueña de un pequeño espacio y lo domina. La gran masa de esferas de cerdas de colores arremolinados está puesto a la altura de la cara de una persona de estatura media y los visitantes no pueden evitar la foto escondiéndose tras la escultura.

En el salón, la obra más antigua y conocida del conjunto, Mr Trapo, está dispuesta como un salón de maniquíes, o un desfile de modelos estáticos. Sobre los figurines de madera, prendas realizadas durante la beca Kuitca entre 2010 y 2011 hacen que trapos de piso, franelas, rejillas y otros textiles de uso popular y cotidiano se transformen en trajes, ambos del tipo de enfermería o uniformes

institucionales. La serie maneja un registro emocional primario, que opera en el reconocimiento inmediato del observador sobre la materia y, al mismo tiempo, requiere de una agudización de los sentidos para percibir los cambios y comprender cómo un elemento puede pasar a ser otro mediante el juego estético. La fase final del recorrido por la planta del Palacio Errázuriz está escoltado por La economía circular del avestruz, una instalación de dos esculturas de buen tamaño en el que 40 plumeros comprados en la calle a vendedores ambulantes visten una estructura de madera con forma de avestruz.

Las plumas de los plumeros, todas distintas pero en el registro de los grises y los tierra, forman los cuerpos de los animales, indicando la circularidad de un material que dejó su origen para volver a él. El hecho que no exista comercialización ni fabricación “formal” de plumeros le da a la obra una dimensión socio histórica muy situada y lo coloca a Libedinsky como un activista y un crítico.

En el subsuelo del museo hay una serie de trabajos que recorren temporalmente una década y que muestran la variedad de registros en lo que puede moverse el artista para lograr el efecto de comunicación. En la sala oscura puede verse un video, Boquete, en el que se ve cómo se abre un agujero en un muro en la cárcel de Caseros. Cuando el boquete queda hecho, el pedazo de pared que lo contiene es seccionado, bajado mediante un sistema de grúas y es transportado por la ciudad en una camioneta. Libedinsky instaló una cámara en el muro para registrar el recorrido urbano filmado desde atrás del boquete. Las paradas, imposible de establecer de antemano por cierto, van conformando una suerte de guión visual de extrema y singular belleza. Llama la atención, en algunas partes del video, la precisión en el recorte de la imagen que se establece con los límites circulares del agujero, que terminan siendo el marco de imágenes potentes y características de Buenos Aires.

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KUNSTFORMEN DER NATUR Foto by Flavia Canelo

Un poco más arriba, Carrousel, es una instalación participativa en la que una ronda de bicicletas unidas entre sí actúan como una fuerte metáfora de la colaboración. Si una sola persona es la que pedalea, su esfuerzo se intensifica para poder acarrear al resto, si mas de uno pedalea, la intensidad física disminuye y el sacrificio es menor. Otra vez, la resolución estética está impregnada de metáforas sociales y responde a un juego conceptual que es propio de Libedinsky. Afuera, en el señorial jardín del palacio, se pueden ver las casitas para pájaros realizadas por los colaboradores del artista en su taller a partir de un elemento único y común. La consigna es la de convertir un cajón de verdulería en un albergue de pájaros, para que puedan guarecerse y comer. Las distintas versiones son sorprendentes. 
Pueden adivinarse formas abstractas, construcciones utilitarias y obras con más presencia de la variable estética, pero el conjunto, además, opera como una especie de una sinfonía visual de gran atractivo. Al final, el gran tapiz hecho con trapitos comprados a trabajadores urbanos re-instala la pregunta sobre el potencial político del arte contemporáneo a partir de rituales mínimos, casi íntimos. No quiero terminar este recorrido por la muestra sin subrayar lo que creo es el gesto principal que la recorre, complejizando y tornando a la experiencia interesante además de bella. Libedinsky trabaja con la inversión, con el trastocamiento y la idea de poner las cosas en otro lugar. Lo hace todo el tiempo, coloca un objeto aspirando a ser otra cosa, un material pidiendo otro destino que el habitual, un elemento resignificándose y reclamando ser visto de otra manera, una suerte de sinécdoque visual que asombra, invita a la reflexión y al disfrute calmo.

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Bs.As. Argentina 

Ernesto Arellano

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Ernesto Arellano

ARTISTA

Las Fuentes: Deseo, placer y poder

Las fuentes de interior son recortes del cuadro del Bosco El Jardín de las Delicias que corresponden a la búsqueda de situaciones escultóricas específicas, que hay muchas. Este es un cuadro que se basa en la idea de la composición a través del dibujo, cosa que por un lado facilita la cuestión escultórica y por otro la hace difícil, porque son figurines planos. Cada una de las composiciones tiene que ver con el goce en relación simbólica, principalmente, con el madroño, una fruta muy preciada en el medioevo, un arbusto ornamental de tres metros de altura. Sus frutros son comestibles y tienen propiedades asombrosas, son  antioxidantes, antibióticas, astringentes y hepatotónicas y durante su maduración producen una fermentación natural de los azúcares que produce alcohol.

 

El Bosco es un compilador de determinados desarrollos científicos de la época. El cuadro es un catálogo de pájaros que existen, y también es un bestiario de animales fantáticos, que aperecen en un tamaño mucho menor, ligados al imaginario de las mentalidades del campesinado. Esta diferencia de escala refleja la importancia que el Bosco le otorga a la ciencia, el deseo está puesto en la transmisión del conocimiento científico como si fuera un alimento. El poder político, por su parte, coloca al hombre y la mujer en pie de igualdad, en los cuadros del Bosco son figuras intercambiables donde no existe una jerarquía, la asexuación que se percibe tiende a remarcar esa idea.

Ernesto Arellano, 2018.

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Mercedes Pérez San Martin

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Mercedes Pérez San Martín

ARTISTA

El peso de las consecuencias
El desarraigo

En mi obra los planos y las formas se fragmentan, los volúmenes se desarman en la tela, las sombras son incoherentes. En los elementos que aparecen en mi pintura hay una continuidad-discontinuidad, un armado y desarmado de líneas y planos que se yuxtaponen. La información es harta, así como los ángulos y direcciones.

Pienso en el papel que juegan los recuerdos en la construcción de la obra, en la identidad del artista. La memoria es mi herramienta de 

trabajo, y sin embargo mi proceso jamás parte de algo consciente, no hay proyectos previos, ni bocetos: mi trabajo es ansioso y meticuloso, pero desmemoriado, se centra en el ahora todo el tiempo.

Pero entonces, si mis formas y líneas se fragmentan ¿responden ellas a una fragmentación interna? ¿Qué lugar ocupa en mi memoria el mundo contemporáneo, la vida urbana, mis sucesivas migraciones, adaptaciones, re-adaptaciones y maternidades en distintas ciudades, culturas, comunidades,? ¿Qué sucede luego con mi identidad? Será que mi obra habla acerca de la inmigración y sus consecuencias. Será que parte de una necesidad de destrabar recuerdos.

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