Semana del arte en Madrid 2023, Feria Arco y UVNT

IMG 0308 Medium

Semana del arte en Madrid

Feria Arco y UVNT- Urvanity Art Fair

Como siempre, llegar a la semana del arte es un desafío, entender todo lo que ocurre en sincrónico es en gran parte, ir de un lugar a otro, sin dejarse absorber, sino estar abierta a conectar con esas obras que naturalmente van con mi visión, artistas que reconozco y generan un diálogo diferente, atractivo, por algún motivo, en cada una de las ferias o recorridos en los que doy con sus obras. 

IMG 0282
Galería Barbel Grasslin Germany


Profundizo en lo que siento que tiene una escencia conectada con algo más, a veces es mi simple asociación con momentos y obras anteriores de artistas, los televisores usados, utilizados, nos muestran de forma analógica el paso del tiempo y su conectividad al presente. Una obra de arte contemporáneo es también, un valor simbólico que ciertos artistas comparten, en distintas escenas ó contextos, el tiempo que les representa el soporte en el que se apoyan para mostrarse. 

Me resulta curioso, cuando las galerías que llaman mi atención son Alemanas, o de Europa del Norte, incluso más que las galerías que convocan artistas orientales, creo que me sorprendo cuando la curaduría de una galería como Nicolai Wallner de Dinamarca, apela a artistas con obras abstractas, lúgubres, esculturas en formato 3d en una gama de colores en cromática en constraste. 
Este año en ARCO Madrid, las artistas mujeres no lograron vender más que en otros años. Se realizó un camino para abordar la temática feminista, desde una re lectura de la historia del arte, por ejemplo,  Maria Acha-Kurscher, artista peruana, recibió un premio por su obra “La rabbia di Proserpina”, por su obra de distintos retratos bíblicos, de estilo renacentista y barroco, donde las mujeres son sorprendidas en actos violentos.  Vendida por un precio de 1200 euros y 7000 total. 
La Fundación ARCO celebró su 27ª edición en Madrid y ha ampliado los fondos de su Colección con nueve obras adquiridas en ARCOmadrid 2023. Durante los cinco días de feria, participaron 211 galerías de 36 países y más de 450 coleccionistas internacionales y 200 profesionales invitados, y alrededor de 95,000 visitantes. La Fundación ARCO ha entregado los Premios “A” al Coleccionismo, que reconocen a tres colecciones: Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (Premio “A” a la Colección Privada Latinoamericana); collegium.art: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (Premio “A” a la Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo), y Alejandro Lázaro y Alejandra González (Premio “A” a la Colección Joven Privada Nacional). La cena de la Fundación ARCO ha recaudado fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección. Además, el Museo Reina Sofía ha comprado 26 obras de 18 artistas procedentes de galerías participantes en la feria.

Arco adquirió obras de los siguientes artistas gracias a la recaudación de fondos por un total de 400 mil euros:

Las obras corresponden a Diego Bianchi (Galería Jocelyn wolff), Nilbar Güresà (Martín Janda),  Eftihis Patsourakis (Galería Rodeo),  Solange Pessoa (Galería Mendes Wood), Jenna Sutela (Galería Sociètè)  y a Joan Prats (Galería Tadáskía). A éstas se suman una obra de Momu & No Es (Galería House Of Chappaz) y de Juan Silió (Galería Nora Aurrekoetxea), obtenidas por el Consejo Internacional de la Fundación ARCO.  Además, gracias a la donación de Frèdèric Malle se incorpora a la Colección una  obra de Laìs Amaral, de la galería HOA.

Muchas otras fundaciones como: Fundacion Aldo Rubino, Fundación Helga de Alvear, el museo Thyssen, la fundación Maria Jose Jove, la fundación Maria Masuveu Peterson, y Colección SOLO. Han adquirido obras de la feria para sus colecciones, incluido el ayuntamiento de Madrid. 

IMG 0345 1
Nicolai Wallner

Este año fuimos invitados a recorrer el stand ABC cultural, conocimos la obra del artista tinerfeño Cristóbal Tabáres. Su pieza consiste en una aglomeración de cisnes que ha ido recopilando a lo largo de su vida. Una montaña de pájaros de porcelana, de diferentes colores y tamaños que representan toda la cultura “kitsch” que él admira. 

IMG 1313
Obra de Cristobal Tobares

Una de las obras que resaltó fue “Capilla ardiente” de Eugenio Merino, en el stand de la galería ADN de Barcelona, quien “volvió a matar a Picasso”. Al acercarse a la obra podías sentir esta vibración de los visitantes en honor al artista, la contemplación masiva de la obra y el acontecimiento inminente de la “muerte” figurada presente, lo que resultó emblemático en la feria y su repercusión. 

IMG 1315
IMG 1314

El recorrido por la Feria Arco, este año, tuvo una importante escena de artistas latinoamericanos. Las galerías argentinas que participaron fueron: Ruth Benzacar, Rolf art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería. 

En la feria UVNT ART, descubrí a Miju Lee, y sus esculturas graciosas, peludas y macizas de caricaturas sonrientes sin cara. La figuración abstracta y surrealista de Helena Toraño, galerías como Kells Art collection, La Bibi art gallery, Trinta, The artist pool, Ineditad, Pictorium Gallery, Galeria Victor Lopez. 

59338B94 1BF1 4B7E B10C 0C09CA04D221
Miju Lee en La bibi art gallery
IMG 0478
Galería Victor Lopez.
IMG 0495
Moses & Taps
IMG 0503
Ornella Pocceti. Galería Mindysolomon

Jeff Koons, «Pequeño accidente»

IMG 0220

Jeff Koons

La obra del artista se hizo pedazos en Art Wynwood Miami, y generó repercusión

IMG 0220

Jeff Koons, escultor, empresario y pintor estadounidense, artista conceptual, pop, minimalista, para algunos el principal artista kistch. Una de sus esculturas en cuestión, de las más famosas y representativas, era la pieza de porcelana Balloon Dog, ahora expuesta en Art Wynwood Miami. Esta escultura tenía unos 38 centímetros de alto y de color azul. 

La coleccionista que vivió la experiencia de romper un Jeff Koons de 42.000 mil dólares, tuvo la suerte de no tener que pagar por ella, ya que estaba asegurada. 

Esta rotura en pleno cocktail de apertura de la feria, pareció una performance que terminó como repercusión mundial, en la que hasta @beeple_crap posteó en sus redes una obra que inmortaliza el momento y titula «Little Accident».

Mike Winkelmann, conocido como Beeple, es uno de los artistas, sino el más conocido, dentro del ecosistema de arte digital, como diseñador gráfico y animador. Su obra más cara vendida, fue «Everyday: the first 5000 days» un collage que muestra sus primeros 5000 obras, en los últimos 13 años, vendida en 69 millones de dólares a través de Christie’s. Retrató a Elon Musk, Trump, Mark Zuckerberg y otros importantes líderes. 
IMG 0227
Beeple crap artwork
IMG 0231

Faara conecta

faara conecta CWABI 03

Faara conecta

Open Call para Residencia Artística en Casa Wabi

FAARA CONECTA es una iniciativa para que artistas de Argentina y Uruguay participen de residencias internacionales en alianza con la Fundación Ama Amoedo. Los objetivos son facilitar el diálogo entre artistas, ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. Lxs artistas participantes en cada una de las residencias serán seleccionadxs por cada organización a través de sus métodos habituales, ya sea convocatoria abierta, nominación, invitación, etc. Las residencias apoyadas, con sus fechas y condiciones de aplicación, serán anunciadas en nuestra página web, nuestras redes sociales y newsletter.

faara conecta CWABI 03

 

Diciembre de 2022.- Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi tienen el placer de anunciar su primera alianza institucional que tendrá lugar en 2023. La iniciativa forma parte del programa de residencias en Puerto Escondido de Fundación Casa Wabi y de residencias de la Fundación Ama Amoedo en José Ignacio, Uruguay.

Mediante convocatoria abierta serán seleccionados cuatro artistas para participar en dos modalidades de residencia: una residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, Oaxaca, México) destinada a dos artistas de Argentina y una residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna (José Ignacio, Uruguay), destinada a dos exresidentes de ciudadanía mexicana de Casa Wabi.

La Fundación Ama Amoedo celebra esta alianza con Fundación Casa Wabi, en el marco de su nuevo programa FAARA Conecta, que tiene como objetivo ampliar redes de conectividad y estimular la producción en diferentes contextos culturales. La residencia en Casa Neptuna es una edición especial de la residencia interdisciplinaria FAARA Sur.

Open Call para Residencias en alianza con Fundación Casa Wabi

Fundación Ama Amoedo y Fundación Casa Wabi en alianza abren la convocatoria para residencias en México y en Uruguay.
A través de convocatoria abierta, cuatro residentes serán seleccionados para participar de una de las siguientes modalidades:

—Residencia de seis semanas en Casa Wabi (Puerto Escondido, México) para dos artistas de nacionalidad Argentina (viviendo dentro o fuera del país).
—Residencia de cuatro semanas en Casa Neptuna, Fundación Ama Amoedo (José Ignacio, Uruguay) para dos ex residentes de Casa Wabi mexicanos (viviendo dentro o fuera del país).

Cierre de convocatorias: sábado, 28 de febrero, 2023

DSF7839

Sobre Fundación Casa Wabi

Fundación Casa Wabi es una organización sin fines de lucro que fomenta un intercambio entre el arte contemporáneo y las comunidades locales en tres sedes: Puerto Escondido, Ciudad de México y Tokio. Su nombre se origina en la filosofía japonesa de Wabi-Sabi, la cual busca la belleza y la armonía en lo simple, lo imperfecto, y lo poco convencional. Nuestra misión se enfoca en forjar un desarrollo social a

través de las artes, misma que llevamos a cabo por medio de cinco programas clave: residencias, exhibiciones, barro, cine y biblioteca móvil.

Casa Wabi se encuentra en la costa del Pacífico, a 20 minutos del aeropuerto de Puerto Escondido, Oaxaca. Situada entre las montañas y el mar, la sede principal fue diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando y sobre la base de una iniciativa desarrollada por el artista mexicano Bosco Sodi. Las instalaciones incluyen una sala de usos múltiples, seis dormitorios independientes, dos estudios cerrados y otros seis abiertos, un espacio expositivo de 450 m2 y diversas áreas de trabajo que, en conjunto, crean el entorno ideal para recargar energías entre otros artistas.

El programa de residencias de Fundación Casa Wabi está dirigido a artistas nacionales e internacionales y busca generar un diálogo horizontal con las comunidades aledañas a Casa Wabi. Las residencias propician encuentros multidisciplinarios entre distintas generaciones que estimulen sus inquietudes experimentales y creativas, y que contribuyan al desarrollo del tejido social y cultural de la zona. Es por ello que solicitamos a los residentes el desarrollar un proyecto o actividad para compartir e involucrarse con las comunidades. El programa busca fomentar tres elementos clave para el equilibrio de nuestra misión: la inspiración creativa de los residentes, la relación con otros artistas y el equipo de la fundación, y el intercambio activo con las comunidades.

¿Quiénes pueden aplicar?

Pueden aplicar artistas de ciudadanía argentina, residiendo en el país o en el exterior, mayores de 18 años, de todas las disciplinas.

¿Cómo envío mi aplicación?

Las aplicaciones deberán ser enviadas en un PDF unificado (tamaño máximo de 25 MB), y debe incluir lo siguiente:

  1. Una propuesta de 500 palabras, para un proyecto que se realizará con y en beneficio de las comunidades locales de los pueblos que rodean Casa Wabi.

  2. Hasta 5 imágenes que resuman su práctica artística

  3. CV actualizado

Nota: No se tendrán en cuenta las solicitudes enviadas en un formato diferente.
¿Cuáles son los requisitos y el plazo del proyecto?
El proyecto debe realizarse y terminarse dentro de los plazos de la residencia, que dura seis semanas. ¿Cuándo es la residencia?
La residencia se llevará a cabo del 20 de octubre al 26 de noviembre del 2023.
¿Qué gastos están cubiertos en la residencia?
Fundación Ama Amoedo cubre los pasajes aéreos a y desde Ciudad de México y el seguro médico. Fundación Casa Wabi cubre:

  • –  Alojamiento, un espacio de estudio, y tres comidas al día. Cada residencia incluye un cómodo dormitorio privado, salón de usos múltiples, biblioteca, WiFi y servicio de lavandería.

  • –  Vuelo Ciudad de México – Puerto Escondido – Ciudad de México.

  • –  Materiales necesarios para la realización del proyecto comunitario.

    ¿Dónde y cuándo debo presentar mi solicitud?

    Las aplicaciones deberán ser enviadas a [email protected] con el siguiente encabezado de mail: “Residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo”, seguido de su nombre.

    La fecha límite de aceptación de solicitudes es el 28 de febrero de 2023.

    ¿Cómo se seleccionarán a los artistas residentes?

    Todas las aplicaciones serán recibidas por la Fundación Casa Wabi, quienes a través de un jurado estarán a cargo de seleccionar a los dos artistas argentinos participantes.

    Los artistas seleccionados para la residencia Casa Wabi I Fundación Ama Amoedo serán notificados vía email el 30 de marzo del 2023. Los resultados serán publicados el 10 de abril en las páginas web y redes sociales de Fundación Casa Wabi y Fundación Ama Amoedo.

    www.casawabi.org I www.fundacionamaamoedo.org IG: @casawabi @fundacionamaamoedo

ARCO Madrid 2023

AT 6189 scaled

ARCO Madrid

Presenta su edición 42

La edición de ARCO Madrid se realizará del 22 al 26 de Febrero organizada por IFEMA Madrid en la capital española y ahí estaremos para mostrarles los insights de la feria. Contará con un total de 214 galerías de 37 países, entre ellos obviamente, America Latina. El protagonismo de Argentina es notorio, participarán galerías como: Ruth Benzacar, Rolf Art, Pasto Galería, Herlitzka & Co, y W galería. 

Sabemos el auge que tiene el arte latinoamericano en estos momentos para los coleccionistas, habrá importantes galerías de Brasil, México, Perú, Colombia, Guatemala, Cuba, Uruguay y Venezuela en representación. También, conocemos el peso que tienen estas colecciones sobre el premio al coleccionismo que revela ARCO cada año. 

ARCOVIP MAQ 04

La ciudad se verá en conconcordancia al arte y habrá muestras en el Reina Sofía, Sala de Alcalá 31, y el espacio de matadero Madrid. 

Este año ARCO Madrid, en su edición 42, se verá bajo el tema “Mediterráneo: Un mar redondo” que comisariada por Marina Fokidis, con la asesoría de Bouchra Khalili, Hila Peleg y Pedro G. Romero, pretende movilizar las relaciones que transcurren de abajo arriba y de lado a lado en un esfuerzo por alcanzar un punto de encuentro para las intensidades compartidas de esta área geográfica. 

La Galerilla

Ivan Martinez y Camila Lacroze por Federico Racchi 1

La Galerilla

Próxima estación: Garzón

La Galerilla comenzó como una galería de arte pop-up. Luego de un tiempo de montar muestras en distintos espacios de Punta del Este y alrededores, su fundador, Iván Martinez Autin (32), decidió darle al proyecto un lugar de exhibición concreto en un escenario particular, cercano a una estación de tren abandonada donde los trenes no llegan hace más de medio siglo, pero adonde hoy se aventuran nuevos pioneros.

Ivan Martinez por Federico Racchi 2
Iván por Federico Racchi

Garzón, al principio, hace cien años, era un sitio por donde los granjeros y los rancheros pasaban en su viaje desde Montevideo a Brasil. Algunos se juntaban en aquellas montañas, a decenas de kilómetros para adentro del océano Atlántico, donde surgió este pequeño pueblo. A los políticos, desde la capital uruguaya, les costó encontrar un nombre para el enclave hasta 1935, cuando se le dio el nombre de un militar independentista. Hoy es el pueblo elegido por el turismo internacional más sofisticado.

Pueblo Garzón se encuentra en el campo, sus callecitas rurales de ripio, además ser sede del célebre restaurante de Francis Malman, dan paso a galerías de arte recién llegadas, como Walden Naturae o la Galerilla, y también a las pioneras ya establecidas, como Black Gallery, Photology o la residencia de arte Campo, fundada en 2016 por la norteamericana Heidi Lender. Estas atracciones forman un recorrido perfecto para los visitantes del verano que buscan un destino de gastronomía y arte como opción al mar y la playa. El pueblo se ubica a treinta kilómetros de José Ignacio y a sesenta de Punta del Este.

En 2021, en una esquina del pueblo, el joven galerista unió dos vagones de tren con un puente de madera y armó un espacio donde se pueden encontrar instalaciones y obras de artistas emergentes latinoamericanos. Como señala el Financial Times, el tren que alberga la galería parece respetar “el ciclo natural de Pueblo Garzón”, un lugar de oportunidades que durante años y décadas quedó en la oscuridad, hasta ahora que se está redescubriendo.

La Galerilla se apoya en la tendencia global del arte emergente, busca exponer a sus visitantes internacionales y coleccionistas locales el arte latinoamericano de vanguardia, sobre todo la obra de talentosas artistas mujeres. Algunas de las últimas muestras fueron de Vicky Barranguet, Camila Lacroze, Florencia De Palleja, Camila Ercoreca, Lolo Bonfanti y Maria Chiara Baccanelli.

Lacroze (34), estrecha colaboradora de Iván, es un nombre cada vez más importante y premiado en la escena del arte contemporáneo uruguayo. Además de haber terminado recientemente su maestría en Arte y Cultura Visual en la Facultad de Artes de Montevideo, acaba de recibir la beca FEFCA para participar de una residencia de arte en Mana Contemporary, en Nueva Jersey. Juntos, este año Iván y ella trabajaron en una exposición individual que se llevó a cabo en el vagón de Garzón, donde Camila exhibió el trabajo que venía desarrollando durante estos últimos dos años, mientras terminaba su maestría. 

Vagon por Adan Jones 2
DSC 5018

Por su parte, Baccanelli es argentina y divide su tiempo entre exposiciones, ferias de arte y periodos de creación en Punta del Este, Buenos Aires, Miami y Milán. Sus obras son codiciadas por coleccionistas de todo el mundo. 
Algo similar es lo que hace la uruguaya Vicky Barranguet (49), radicada hace ya más de dos décadas en Nueva York, cuyas obras revisten las paredes de destinos de lujo en Europa, Estados Unidos y Uruguay. Esta temporada colaboró con la Galerilla para producir un cuerpo de obra y exhibirlo bajo la curaduría de Jacqueline Lacasa,  una muestra que hoy se puede visitar en el complejo Terrazas de Manantiales.

Vicky Barranguet por natalia ayalajpg 1

La Galerilla continúa haciendo muestras pop-up fuera de Garzón, pero llegó al pueblo para quedarse. La convicción de que este pueblo puede emular en Uruguay el éxito de Marfa en Texas es suficiente para contrarrestar las distancias que hay que recorrer para llegar a una galería en un lugar tan alejado. La nueva realidad es que el tren no viene más a la estación, pero en el pueblo los vagones vuelven a darle vida.

Vicky Barranguet en Terrazas de Manantiales por Natalia Ayala
Terrazas de Manantiales - La Galerilla

Marta Minujin se casó con la eternidad en el Malba

ynWUPEGc 2 scaled

Marta Minujín

Celebró sus 80 años en Malba, casándose con la eternidad

Rodeada de más de 200 invitados entre familiares, amigos, colegas y referentes del mundo del arte, la gran artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) celebró este martes en Malba su cumpleaños 80 con un casamiento con la eternidad.

Pasadas las ocho de la noche y luego del anuncio musical a cargo de dos clarinetistas, los invitados y curiosos se juntaron en la explanada del museo a esperar a la artista que llegó al museo en un colectivo de la línea 67 con su cartel de destino intervenido con las palabras: “Malba, Eternidad” y el clásico “Arte Arte Arte”.

Vestida de novia -con un diseño de tul rosa pastel regalo especial de Amalia Amoedo firmado por Jorge Rey-, Marta bajó del colectivo escoltada por un grupo de diez jóvenes voluntarios de Malba Joven con las caras pintadas en blanco, azul, rojo y verde con figuras cubistas. Un homenaje de Minujín a Picasso, en conmemoración del 50 aniversario de su muerte.

pa1hQAWs
apNsNaQI


Todos los invitados vestidos de negro y con anteojos negros como indicaba el dress code, siguieron a la artista al interior del museo mientras sonaba la marcha nupcial. El vals “El Danubio Azul” de Strauss marcó el inicio oficial de la fiesta con Marta en el centro, seguida por el resto de los invitados. El grupo de jóvenes “performers” acompañó a la artista durante toda la fiesta animando a los invitados a formar parte activa del festejo con diferentes instrucciones y acciones participativas.


Antes de dar paso al corte de la torta negra de cuatro pisos, Marta agradeció a los invitados y dijo: «disfruten el momento presente y esta experiencia única de vivir en arte».

Luego diferentes invitados tiraron de las cintas de la torta y se llevaron prendedores con la figura del Partenón de Libros, un ícono de su producción artística. Para el brindis, los invitados levantaron sus copas negras al grito de “Arte, Arte, Arte”.

Para cerrar el festejo, la “novia” arrojó el ramo de rosas negras a todos los invitados, para luego retirarse en el colectivo 67 junto a su cortejo.

2023, año Minujín

Diosa del Arte Pop y figura icónica del arte argentino desde los años 60, Marta Minujín es conocida por sus performances, happenings y construcciones a gran escala, así como por sus obras de vanguardia, conceptuales y psicodélicas. Minujín vivió en la bohemia parisina, triunfó en Nueva York e hizo sus performances en las capitales más importantes del mundo. Entre los hitos de su carrera destacan: Eróticos en Technicolor y ¡Revuélquese y viva! (1964), La Menesunda (1965), Minuphone (Nueva York, 1967), El Obelisco de pan dulce (Buenos Aires, 1978), El Partenón de libros (Buenos Aires,1983), La deuda (1985), entre tantas otras obras.

En 2010 Malba organizó su primera retrospectiva en el país, con un recorrido exhausto por su extensa producción. En 2013 festejó sus 70 años con un casamiento con el arte y el 2023, será recordado como el año en que Marta Minujín celebró su casamiento con la eternidad.

Con esta celebración la artista da inicio a un año importante en su carrera artística que continuará con una gira por varias ciudades del mundo con muestras programadas en el Museo Judío de New York, la Pinacoteca de San Pablo, el Museo Reina Sofía en Madrid, entre otras instituciones de relevancia.

>> Cobertura del evento en redes
@museomalba @malbajoven
#MartaEterna

CRÉDITOS
Coordinador general de performers y voluntarios:
Antonio Villa
Clarinetistas: Bianca Boglione Aliotta y Griselda Acquista
Artistas performers: Cristian Leonardo Jensen, Florencia Vecino y Gonzalo Bourren
Voluntarios Malba Joven: Clara Sanchis Muñoz, Constanza Schwartz, Fermín Moreno Quintana, Agustian Salgado, Guido Del Monaco, Jacinta de Oromí, Julia Tavares Grunberg, María Eugenia Salgado Mujica, Marí La fuente, Milagros Pilar Gómez Almeida, Ramón de Oromí, Victoria Céspedes Mariconda.

El evento fue posible gracias al apoyo de artbag, Claudia Stad y Ruth Mantel.

dl2GqeI
1oxqVG0s
Vnp17qxQ

Marta Minujin

Marta 6 e1675108490554

MARTA MINUJIN

Inigualable creadora de símbolos

La extraordinaria trayectoria de Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y su bien merecida celebridad se basan en una compleja producción artística que propone, principalmente, provocar la participación masiva del público, alterar las percepciones y modificar el entorno. Antes que muchos, realizó ambientaciones e instalaciones, trabajó con el arte de la tierra y supo comprender la importancia de los medios de comunicación y la jerarquía de la tecnología. Sorprende actualmente con dos exhibiciones en Buenos Aires. 

Talentosa y constante, Minujín posee un extendido y multifacético itinerario de más de 60 años, que suma pinturas, esculturas y videos, experiencias en happenings y arte efímero, prácticas hippies y tecnológicas, trabajos sobre yeso y vidrio en relieve, diseños de objetos cotidianos, intervenciones urbanas y arte público como David, escultura exhibida en estación Retiro del Subte E, reproduciendo la cabeza fragmentada en nueve partes de la escultura homónima de Miguel Angel. 

Marta minujin
Foto de la página opuesta: Marta Minujin en la terraza de la Fundación Santander

Como pocas artistas, Minujín desde muy joven logró instalar su presencia en la prensa tanto por sus audaces proyectos como porque desarrolló una actitud performática en público. Siempre platinada y con eternos anteojos negros, la artista suele vestir coloridos mamelucos, hechos especialmente para ella con diversos diseños, tonos y texturas. ¿Coincidencia u homenaje? Su abuelo fabricaba ropa de trabajo, en el mismo lugar donde Minujin tiene su amplio estudio.

Es en ese mismo estudio donde la artista armó Pandemia, obra de 2 x 2,60 metros con efecto cinético, exhibida ahora en el Museo Nacional de Bellas Artes. Durante los meses de aislamiento del 2020, Minujín aplicó obsesivamente 22.600 pequeños cuadrados en blanco, negro y siete tonos de gris sobre una tela. En su cuenta de Instagram, la siempre actualizada artista mostró mes a mes el progreso de la pieza sin colores, que despliega su empecinamiento por trabajar y sobrevivir. 

Esculturas habitables, ambientaciones transitables 

La tapa de este número de Hoornik muestra a la artista recostada sobre una de sus coloridas esculturas blandas habitables. Se trata de una estructura hecha con distintos volúmenes de goma espuma y géneros multicolores. Su lejano antecedente fue la exhibición de colchones, en muestras colectivas en un par de galerías porteñas, antes de La Chambre D´Amour (La pieza del amor, 1962), precursora obra de arte de participación, realizada junto al escultor holandés Mark Brusse en París. A su regreso al país, volvió a experimentar con colchones y en 1964 ganó el prestigioso Premio Nacional del Instituto Di Tella con Revuélquese y viva, una construcción armada con una carpa, colchones y almohadones de muchos colores en dónde el público podía “revolcarse” y “vivir en arte”. 

En la gigantesca instalación Galería blanda, realizada inicialmente con Richard Squires en 1973 en una galería en Washington D.C., los colchones y colchonetas fueron centrales para cubrir paredes, techo y piso y así generar un entorno para que los visitantes ingresaran y se divirtieran recorriendo, escuchando música, viendo videos, como en la versión 2009 de Galería blanda exhibida en la feria de galerías arteBA. Multiformes y multicolores, las formas blandas en ocasiones admiten otros materiales como en El árbol de los deseos, 2014-2015, desplegada en la calle Florida. 

La pieza de tapa, Ensoñación Restauradora, tiene materiales fluorescentes multicolores semejantes a los que utiliza en las obras de sitio específico que integran la muestra IMPLOSIÓN!, con catálogo y texto de Rodrigo Alonso, en el Paseo de las Artes y en la terraza de Fundación Santander Argentina, cuyo vidriado edificio luce un ploteado con el rostro de la artista. 

La instalación Conceptos entrelazados (2021) está integrada por una escultura blanda en forma de cubo, con más de 60 piezas acolchadas multicolores y fluorescentes, reflejada en cuatro espejos que la rodean y que en su dorso ostentan gigantografías con la imagen de Minujín joven. Enfrente, un habitáculo invita a sumergirse en una experiencia sensorial. Con la proyección de video mapping y música de Philip Glass, los colores y formas en movimiento de Arte inmersivo (2021) envuelven al visitante y provocan una sensación tan lúdica como vertiginosa. Al aire libre, Autorretrato mediático (2021), es la escultura de hierro pintada de dorado con el rostro de la artista con antejos iluminados digitalmente con tubos de neón. Ésta tiene un código QR que dirige al visitante a una página Web con una encuesta con preguntas sobre el siglo XXI.

marta minujin2
Marta Minujin caminando frente a la instalación Conceptos entrelazados. Fundación Santander Argentina
marta minujin3
El Árbol de los desos. 2014-2015- Bs.As.
marta minujin5 1
Marta Minujín The Parthenon of Books © Mathias Voelzke
Marta 6 e1675108490554
Marta Minujin & Andy Warhol 1985 - New York

Una, entre centenares de muestras realizada por la artista, es la ambientación transitable La Menesunda, programada para el pasado 2020 en Tate Liverpool y postergada aún sin fecha. La Menesunda británica será la tercera edición de la histórica obra inmersiva, realizada en el Instituto Torcuato Di Tella en 1965 junto a Rubén Santantonín. Recreadas en el Museo Moderno en 2015-2016 en Buenos Aires y en New Museum de Nueva York en 2019, como Marta Minujin: Menesunda Reloaded (Menesunda recargada), las reconstrucciones también provocan experiencias visuales, auditivas, táctiles y sensaciones cruzadas. “Menesunda” en lunfardo es “mezcla”, “confusión”. 

Se ingresa a La Menesunda a través de la cabeza de una gigantesca mujer para recorrer algunas partes interiores de su cuerpo, convertidas en dormitorio, peluquería, túnel de neón, cabina con disco de teléfono, y más. La ambientación fue realizada en base a apuntes, fotos y croquis originales, ya que fue un trabajo efímero. La obra expuesta no sólo reformula el espacio por donde circula el espectador sino que está deliberadamente preparada para que el visitante se vea requerido a involucrarse en el juego propuesto. 

Nueva York, Mar del Plata y Kassel 

Formada en las escuelas de arte de la Argentina, en 1959 comenzó a exhibir dibujos y pinturas “pseudo futuristas”; viajó a París con una beca en 1961. Volvió a Buenos Aires luego de sus acciones en la capital francesa, incluyendo su primer happening en 1963, La Destrucción, donde incendió su propia obra ante numeroso público, indicando su interés en el debate acerca de la “muerte del arte”. 

Tras unos años trabajando en Buenos Aires, y realizando happenings también en Montevideo, Minujín armó sus valijas en 1966 y, con tres sucesivas becas, se fue a vivir a Nueva York. Allí armó proyectos, exhibió su obra y conoció a Andy Warhol; incluso formó parte del cuerpo de profesores del área de “nuevos medios” de New York University en 1968. Antes, en 1967 creó Minuphone, instalando una cabina de teléfono electrónica en Howard Wise Gallery. Dentro de la cabina, tras discar un número se producía alguno de los nueve efectos sensoriales previstos (gas helio, brisas, agua coloreada, tono de llamada, luces, humo), incluyendo la toma de una polaroid. La cabina de teléfono, el discado y sus consecuencias, fue reproducida y exhibida en 2010 en Fundación Telefónica Movistar. 

Reconocida como artista conceptual, Minujin se percibe como Pop, “pero más que nada por los colores que uso y porque mi personalidad es Pop”, dijo a Hoornik. Con el rey del Pop Art realizó en 1985 el simbólico Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol; quedan las fotos de la entrega de los choclos, del verdadero “oro latinoamericano” al mítico Warhol que pudieron verse en la retrospectiva de la artista en Malba en 2011. En un intento por mediar en el conflicto por las islas Malvinas, Minujín repitió la acción en 1996 en un Festival de Performance organizado por el Institute of Contemporary Art (ICA), Londres. Entonces, la artista entregó los choclos de Solving the International Conflict with Art and Corn (Resolviendo el conflicto internacional con arte y choclos) a una doble de Margaret Thatcher. 

Para la apertura del Museo de Arte Contemporáneo en la Provincia de Buenos Aires, MAR, Minujin fue invitada en 2013 a crear una escultura temporaria en su explanada. Creó un magnífico lobo marino revestido con más de 50.000 envoltorios dorados de alfajores, que resume dos tradiciones de esa ciudad de Costa Atlántica: los alfajores marplatenses y los mamíferos creados por el escultor José Fioravanti, ubicados en la escalinata que conduce al mar desde la plaza de la Rambla del Casino. 

Pero, como la brillante figura de Lobo Marino se convirtió en inmensamente popular, sitio preferido de selfies y protagonista de Instagram, en 2014 se decidió cambiar “su piel” para que quede definitivamente frente al MAR. Cuando se desmontaron, los papeles fueron entregados al público para ser canjeados por alfajores en la casa líder o para ser guardados de recuerdo. Luego, la escultura fue recubierta por miles de símiles de esos envoltorios en aluminio, que se lustran periódicamente. Lobo Marino brilla más que nunca y, como dijo Minujín: “será un icono eterno, porque nadie quiso que desaparezca”. 

La artista volvió a hacer en 2017 el impactante El Partenón de Libros en la ciudad alemana de Kassel donde, cada cinco años, se desarrolla la prestigiosa exhibición internacional Documenta. Esta vez, los libros vinieron de todos los puntos del planeta para construir esta semejanza del Partenón de Atenas; originalmente erigido en Av. 9 de Julio para festejar el advenimiento de la democracia en 1983, con 20.000 libros mayormente prohibidos durante la última dictadura militar (1976-1983). 

ESTE ARTE 2023

LaPecera LineaMerin Pelenur 202228229

Nuevo Formato

NUEVO PROGRAMA

ESTE ARTE es más que un lugar donde los artistas y las galerías del más alto nivel presentan lo mejor del arte actual, es un espacio donde se exponen obras para ser apreciadas por su belleza, emotividad y capacidad inspiradora.

En esta edición nos acompañan una vez más las galerías uruguayas:  Black Gallery (Pueblo Garzón), Galería Sur (La Barra) y La Pecera (Punta del Este). Esta última plantea una serie de artistas que destacan por su uso del color: Azul van Peborgh, Martín Pelenur y Juanito Conte. Galería del Paseo (Manantiales, Lima), por su parte, hace una apuesta más conceptual con artistas de gran nivel, entre ellos: Guillermo García Cruz, Azul Caverna, Pedro Tyler, Nicolás García Uriburu, Nelson Ramos, Ana Tiscornia, Liliana Porter y Marco Maggi.

 

LaPecera LineaMerin Pelenur 202228229
La Pecera Martin Pelenur

Del ámbito internacional, ESTE ARTE 2023 presenta a: ArtBag (Buenos Aires), Bensignor Gallery (Buenos Aires), Elsi del Rio (Buenos Aires), Espacio Líquido (Gijón), Galeria Karla Osorio (Brasilia, San Pablo), Galería Zielinsky (Barcelona), María Casado (Buenos Aires) y Xippas (París, Ginebra, Punta del Este). A su vez, Reginart Collections (Madrid, Ginebra) presenta en esta oportunidad artistas con una trayectoria inigualable para el devenir del arte del siglo XX: Lucio Fontana (Argentina, 1899-1968), Amodeo Modigliani (Italia, 1884-1920), André Masson (Francia, 1896-1987) y André Cadere (Polonia,1934-1978). Caben destacar las nuevas incorporaciones de expositores internacionales radicados en Uruguay que sumamos a esta exclusiva selección: Walden Naturae (Pueblo Garzón) con la obra de Ulises Beisso, Gonzalo Delgado y Christina Schiavi.

ESTE ARTE, en su sentido más amplio, es una estrategia de comunicación, una forma de promover puntos de vista y ofrecer opciones. Como en las obras que presentan las galerías, el arte significa lo que el artista imagina que significa, moldeado por los materiales, técnicas y formas que utiliza, así como también por las ideas y sentimientos que genera en los espectadores. ESTE ARTE es un catalizador para compartir sentimientos, pensamientos y miradas.

NUEVO PROGRAMA

ESTE ARTE 2023 tiene el placer de recibir en las costas de Punta del Este, Uruguay, a cuatro curadoras de renombre internacional: Cecilia Alemani, curadora de la 59.ª Bienal de Venecia; Barbara London, fundadora de la colección de videos del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; Joanna Warsza, cocuradora del pabellón polaco-romaní en la 59.ª Bienal de Venecia y el Pabellón de Georgia en la 55.ª Bienal de Venecia; y Jenny Moore, curadora independiente y directora por más de 9 años de la Fundación Chinati en Texas, Estados Unidos. Con su visión única, cada una de estas mujeres ha moldeado el mundo del arte contemporáneo. Estas curadoras lideran comunidades artísticas que defienden la práctica artística, construyen infraestructuras e instituciones esenciales y generan compromisos públicos con el arte.

Hacé click acá para conocer el mapa de los picks que no te podés perder. 

_

DOMINGO 8 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE CHARLA | Centros de arte inesperados
Jenny Moore, curadora independiente y ex-directora de Fundación Chinati, Texas
Veronica Flom, directora de Fundación Ama Amoedo, José Ignacio
Modera Camila Pose, curadora
Con la colaboración de Fundación Ama Amoedo. Esta actividad se llevará a cabo en español e inglés, con traducción.

20-21 h | ESTE FOCUS | La 59.ª Bienal de Venecia: Cecilia Alemani
Cecilia Alemani, directora artística de la 59.ª Bienal de Venecia
En conversación con Laura Bardier, directora de ESTE ARTE
Con la colaboración del Istituto Italiano di Cultura a Montevideo. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

_

LUNES 9 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE FOCUS | Azul Caverna y Pedro Tyler
Azul Caverna, artista
Pedro Tyler, artista
Modera Fabián Muro, periodista de El País (Uruguay)
Esta actividad se llevará a cabo en español, sin traducción.

20-21 h | ESTE FOCUS | Curating Beyond Mainstream: Joanna Warsza
Joanna Warsza, curadora
En conversación con Adriana Rostovsky, arquitecta y artista visual
Con la colaboración de Uruguay XXI. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

_

MARTES 10 DE ENERO

18.30-19.30 h | ESTE FOCUS | Pati Fernández y Juanito Conte
Pati Fernández, artista
Juanito Conte, artista
Modera Elisa Valerio, ESTE ARTE
Esta actividad se llevará a cabo en español, sin traducción.

20-21 h |ESTE FOCUS | Seeing Sound: Barbara London Barbara London, curadora. En conversación con Leonardo Secco, investigador de la Universidad Católica del Uruguay
Con la colaboración de ARCA International Film Festival y la Universidad Católica del Uruguay. Esta actividad se llevará a cabo en inglés, sin traducción.

CECILIA ALEMANI
Curadora italiana radicada en Nueva York. Alemani ha encargado y producido obras de arte ambiciosas para espacios públicos e inusuales. Recientemente se desempeñó como directora artística de la muy esperada 59.ª Bienal de Venecia (2022). En 2018, Alemani fue directora artística de la edición inaugural de Art Basel Cities: Buenos Aires. Curó una exposición para toda la ciudad, titulada “Rayuela”, que presentaba obras de 18 artistas internacionales en diálogo cercano con sus lugares, dando forma a una experiencia de múltiples capas que conectaba el arte visual, los espacios urbanos y las historias de la ciudad de forma inusual. Entre los artistas participantes se encontraban: Eduardo Basualdo, Pia Camil, Maurizio Cattelan, Gabriel Chaile, Alex Da Corte, Leandro Katz, Barbara Kruger, Luciana Lamothe, Ad Minoliti y Stan VanDerBeek. Desde 2011 ha sido directora y curadora de High Line Art en Nueva York. Alemani encabezó High Line Plinth, un programa que presenta obras de arte monumentales, que comenzó en junio de 2019 con Brick House, una escultura de Simone Leigh. Durante su mandato en High Line, encargó importantes proyectos a El Anatsui, Phyllida Barlow, Carol Bove, Sheila Hicks, Rashid Johnson, Zoe Leonard, Faith Ringgold, Ed Ruscha, Nari Ward, Adrián Villar Rojas, entre otros. Alemani también ha organizado exposiciones colectivas en High Line y sus alrededores con obras de artistas jóvenes y emergentes. Estos proyectos han examinado el papel del arte en la creación y definición de espacios públicos, la relación entre la humanidad y la naturaleza, y la ineludible obsolescencia de la tecnología, entre otros temas de actualidad. Además, lanzó una serie de performances en curso y una serie periódica de videos.
Otros proyectos han incluido el encargo de Alexandra Pirici para Art Basel en 2019; la curaduría del Pabellón de Italia en la Bienal de Venecia de 2017; la curaduría de Frieze Projects (2012-2017); y la dirección de la Iniciativa X en Nueva York (2009-2010). Alemani también trabajó como curadora independiente colaborando con museos como el Tate Modern (Londres) y el MoMA PS1 (Nueva York), el Whitney Museum (Nueva York), Gió Marconi Gallery (Milán), así como instituciones sin fines de lucro, como Artists Space y Art in General (Nueva York), y fundaciones privadas, como la Fundación Deste. Es, a su vez, cofundadora de No Soul For Sale, un festival de espacios independientes, organizaciones sin fines de lucro y colectivos de artistas. Alemani ha escrito extensamente para varias publicaciones, incluidas Artforum y Mousse Magazine, tiene una columna semanal en D, Repubblica desde octubre de 2019. Ha sido autora, coautora y editora en varios libros.

JOANNA WARSZA
Curadora, editora y escritora polaca. Warsza trabaja principalmente fuera de la órbita del «cubo blanco», en el ámbito público examinando agendas sociales y políticas. Recientemente, fue cocuradora del Pabellón de Polonia en la 59.ª Bienal de Venecia (2022) con una obra de la artista romaní-polaca Malgorzata Mirga-Tas. Junto con Övül Ö. Durmusoglu también fue cocuradora de Die Balkone en Berlín, la 3.ª y 4.ª Bienal de Autostrada en Kosovo y la 12.ª Survival Kit en Riga. Fue directora artística de Public Art Munich 2018. Warsza curó el Programa Público para Manifesta 10 en San Petersburgo (2014), que recordó los legados soviéticos y tomó una postura abierta contra la Rusia de Putin a través de intervenciones políticamente comprometidas en espacios públicos. En 2013 fue curadora del Pabellón de Georgia en la 55.ª Bienal de Venecia y la Bienal de Göteborg. En 2012 fue curadora asociada de la 7.ª Bienal de Berlín. En 2009 curó Public Movement, explorando el fenómeno de las delegaciones de jóvenes israelíes en Polonia. De 2006 a 2008 investigó la invisibilidad de la comunidad vietnamita en Varsovia con el proyecto Finissage of Stadium X. Además, fue directora del programa de CuratorLab de la Universidad de las Artes Konstfack en Estocolmo; fundó la Fundación Laura Palmer en 2006 y recientemente integra la junta directiva de la Fundación Pernod Ricard.
En sus últimas publciaciones se destacan: Red Love. A Reader on Alexandra Kollontai (coeditado con Maria Lind y Michele Masucci; Sternberg Press, Konstfack Collections y Tensta Konsthall, 2020); Y Warren Niesłuchowski Was There: Guest, Host, Ghost (coeditado con Sina Najafi 2020); I Can’t Work Like This: A Reader on Recent Boycotts and Contemporary Art (2017), entre otros.

BARBARA LONDON
Autora y curadora estadounidense que investiga los nuevos medios y el arte sonoro en todos los rincones del mundo. Conocida por fundar la colección de videos del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York y por la adquisición de obras de Nam June Paik, Laurie Anderson y Bruce Nauman. London se unió al personal del MoMA en 1970. Como joven asistente curatorial en el Departamento de Grabados y Libros Ilustrados, fundó la colección de videos y los programas de exposición a mediados de la década del 1970. En el MoMA, organizó más de 500 exposiciones de arte multimedial de vanguardia, que muestran el trabajo de artistas pioneros internacionales activos. También inició Video Viewpoints (1978-2002), una serie de conferencias de cuatro años en la que los artistas de los medios presentaban y discutían regularmente su trabajo.
London fue la primera en integrar el internet como parte de la práctica curatorial, con “Stir-fry” (1994); “Internyet” (1998); y “dot.jp.” (1999), y organizó exposiciones con artistas disidentes como Laurie Anderson, Peter Campus, Teiji Furuhashi, Gary Hill, Joan Jonas, Shigeko Kubota, Song Dong, Steina Vasulka, Bill Viola y Zhang Peili. Sus exposiciones temáticas en el MoMA incluyen: “Soundings: A Contemporary Score” (2013), “Looking at Music” (2009), “Video Spaces” (1995), “Music Video: the Industry and Its Fringes” (1985), y “Video from Tokyo to Fukui and Kyoto” (1979).
Después de cuatro décadas como curadora de medios y artes escénicas en el MoMA, en 2013 cambió de rumbo para dedicarse a escribir y enseñar. Es autora de Video Art/The First Fifty Years (Phaidon Press, 2020), donde rastrea la historia del videoarte a medida que se transformaba en el campo más amplio del arte mediático. London enseña en el Departamento de Arte Sonoro de la Universidad de Columbia, anteriormente enseñó en el Departamento de Arte de Graduados de Yale (2014-2019). Sus honores incluyen: la beca del Getty Research Institute, 2016; el Premio al Valor, Eyebeam, 2016; Residencia Contemporánea Gertrude, Melbourne, 2012; Residencia Casa Dora Maar, Menerbes, 2010; un premio CEC Artslink en Polonia, 2003; una beca Bunkacho del Gobierno japonés, 1992-1993; y una beca del Fondo Nacional para las Artes de Estados Unidos, 1988-1989.

JENNY MOORE
Curadora independiente de arte contemporáneo y profesional de museos. De 2013 a 2022 fue directora de la Fundación Chinati en Texas, Estados Unidos. Bajo su dirección, Chinati completó la instalación permanente más grande de Robert Irwin, creó el primer plan maestro del museo y restauró el edificio John Chamberlain, una estructura de 23,000 pies cuadrados distinguido como lugar histórico, de acuerdo con el Registro Nacional de Estados Unidos. A su vez, Moore defendió el trabajo de mujeres artistas, académicas y profesionales en dicha institución. Esto incluyó la presentación de instalaciones a gran escala por parte de Charlotte Posenenske, Bridget Riley y Solange, además de recibir una subvención de USD 1.25 millones de #StartSmall para brindar oportunidades de desarrollo económico y profesional a mujeres en el lejano oeste de Texas. Moore ha ocupado puestos curatoriales en el New Museum (Nueva York), la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts (Nueva York), Exit Art (Nueva York) y la 8.ª Bienal de Gwangju.

LOGO ESTEARTE 63MB
LOGO ESTEARTE 63MB

Art Basel Miami

IMG 7507 scaled

Art Basel Miami

Feria de Arte Contemporáneo

Art Basel Miami Beach empieza en los tempranos 2000, funciona como un punto de encuentro entre América Latina y Norteamérica. La ciudad como sabemos está definida por el estilo art deco de 1930, y su escena de fiestas simbólicamente representada por los 80 y 90s. 

En mi experiencia por más fantasma que parezca la escena nocturna actual de Miami Beach, durante la semana del arte y art basel en particular, la ciudad vuelve a tomar ese fervor. 

SEX (1992) de Madonna en South Beach, muestra tomada por Steven Meisel, hace ya 30 años. Fue para m,i un highlight a nivel sensorial. Saint Laurent expuso estas fotografías en Ocean Drive sobre la playa, se siente la vibración parecida a lo que fue Miami Vice en los 90s. Podías tocar el empoderamiento de la diva del pop. 

 

IMG 8055
Madonna por Steven Meisel, SEX en Miami Beach

Art Basel con ahora  20 años de antigüedad en Miami Beach, logró democratizar el escenario y proponer un espacio para todo tipo de arte multimedia, esculturas, fotografías, performance e instalaciones. Abrió el abanico y a través de los años se institucionalizó cada vez más, alrededor de la ciudad y ahora también, Wynwood tomó mayor importancia en el recorrido. 

A mi agenda le sume algunos puntos clave en mi descubrimiento de 6 días sobre la escena de ntfs, unas circunstancias under completamente en los barrios a side de la escena fancy de Florida.

Este año Art Basel fue curado por Magalí Arriola, directora del Museo Tamayo, y previamente del Museo de arte Carrillo Gil, ambos en México. Trabajó como curadora en la 8th biennal de Panamá, y como visitante en el instituto de arte contemporáneo de San Francisco. Esta vez, encontré en la feria, un aire a museo que no había en años anteriores, algunas instalaciones, entre ellas sobre video analógico. Pude apreciar obras de Picasso, al lado de Joan Miró seguida de un Wayne Thielbaud y Jean Dubuffet en una de las galerías más emblemáticas de la feria. 

IMG 7266
Picasso
IMG 7263
Wayne Thiebaud

Encontré obras de Jessie Henson que me resultaron una ola pop, orgánicas, con betas de papel que se entrelazan, una al lado de la otra, en la galería de Anthony Meier. En la galería de Matthew Marks (nyc), una obra de Joan Brown, al estilo arte 3d “Enamel on canvas”. 

jessie henson
Jessie Henson
IMG 7253
Helen Frankenthaler
IMG 7261
Tom Waselmann

En Van de Weghe fine art, Andy Warhol de 1976. En Eward Tyler Nahem (nyc) Helen Frankenthaler 1974, de 2 metros 70cm, por 198cm de ancho. Tom waselmann 1971, fetiche de pie humano pop, encontré Amoako en más de una galería, y me recordaba a las pinturas de Keith Haring, una vendida durante la feria, por 4.5 millones de dólares. 

Richard Deacon en modo instalación, me resultó en Double talk, 1987, un shift a la escultura contemporánea, me recordó a Pablo Reinoso, a sus esculturas en madera. A Wei Wei, por su combinación con el cuero, un fetish que permite al espectador enfocarse no solo en la obra sino en el cuarto que la contiene, el diálogo entre ambas.

IMG 7256
Amoako
IMG 7322
Jaume Plensa-

Quisiera estar ahí recorriendo horas, agrego las fotos de mi recorrido así pueden verlo ustedes también. Me pregunto, cómo puede generar la sensación de ver una obra, un estilo, como si fuera la primera vez, cuando ya vi sus obras tantas veces, como puede ser que Picasso siga sorprendiéndome. Encontré más de una obra que nunca había visto y me sorprende que tenga su sello, como si fuera impredecible que fuera a pintar también esa concepción del mundo, a una mujer, de esa manera. Como cuando estuve en el campo de Fortabat y vi un Picasso en representación del tiempo colgado en el cuarto del comedor. Y aunque simbólicamente es un espacio tiempo en sí mismo, su propia representación del reloj de arena lo expresa todavía más.  Casi imperceptible, escondido, denotando su adaptación a las paredes de madera, en tonos tierra y rojos, su manera de interpretar el tiempo, parecía desfasada, conceptual, actual. 

Pasee por el vip de la feria, es una puerta a un escándalo de marcas con stands promocionando su nuevo espacio del metaverso en este plano. 

En Art Basel también encontrabas un cajero de ATM, en el que cualquiera podía insertar su tarjeta de débito y te marca en el ranking de balances bancarios que lugar te

corresponde. El colectivo MSCHF fue el encargado, la pieza fue vendida por 75.000 a un coleccionista de Miami, y en conclusión el balance más grande fue de 9 millones de dólares. 

De Artsy tomé el resumen de ventas, las galerías se fueron contentas con las ventas,  y los coleccionistas privados, y las instituciones que adquirieron obra. 

Las ventas top que expuso Artsy sobre las ventas:

Andy Warhol, Flowers 1964, por 3.8 millones

Keith Haring Untitled 1981 4.5 millones

Gladstone Gallery sold a Keith Haring tarp painting, Untitled(1981), for $4.5 million. 

Michael Armitage por 3 millones por parte de White cube

Kerry James Marshall 2.8 millones. por Jack Shainman Gallery. 



Guillermo Kuitca «El teatro de la pintura»

Guillermo Kuitca 6

Guillermo Kuitca

David’s Living Room Revisited, 2014

A room by Guillermo Kuitca after David Lynch’s

installation Untitled (2007)

Commission for the exhibition Les Habitants,

Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, 2014

Photo ˝ Olivier Ouadah

Guillermo Kuitca

El teatro de la pintura

La casa de Guillermo Kuitca está rodeada de andamios: los pintores de brocha gorda le están refrescando la cara al petit hotel de Belgrano que habita desde hace años. Puertas adentro, el artista empuña pinceles de distinto calibre para hacer obras que rápido vuelan a Londres o Nueva York para encontrar nuevos dueños. Entre proyectos de muestras, libros y, siempre, pinturas, Kuitca se toma un tiempo para pensar sobre el camino andado y su lugar en el arte argentino actual.

Hace unos meses que no visito su taller, y veo que algunas pinturas han cambiado y otras permanecen colgadas en las mismas paredes. Tres teatros de gran formato y diferentes épocas ocupan un sector. Son obras parecidas pero diferentes. Kuitca está pensando en una muestra de cámara, y ensaya. “Hay temas muy clásicos en mi trabajo: teatros, mapas, plantas, camas… con tratamientos formales muy distintos y a través de lapsos de tiempo que ahora se hicieron muy grandes”, explica. Pasaron entre las piezas diez o veinte años.

Intervenir en el mercado no es lo mío. Si la galería lo quiere hacer, no me entero exactamente, pero yo no podría. Es tan complejo el sistema ahora… Antes éramos el artista, el galerista y el coleccionista; ¡ahora hay tantos jugadores nuevos! No tengo una colección amplia de mi obra, y en los últimos años empecé a pensar que quizá algunas piezas debería tenerlas. Pero el artista tiene la posibilidad de que la moneda sea su obra”, dice. Otro de los teatros en exhibición provisoria es uno más tardío, más figurativo y expresivo, casi narrativo.

Guillermo Kuitca 1
Guillermo Kuitca “El teatro de la pintura”. 2017 Oleo sobre madera y vidrio 33 x 30 x 33 cm

Ya no está el escenario pintado con ese patrón geométrico con claroscuros que se ha vuelto recurrente en estos últimos años. Era, quizá, la última evolución de los teatros. Se exhibió en su más reciente exposición en Londres, en la galería Hauser & Wirth y ahora fue enviado a Suiza. Solo quedó un boceto, que como todos sus bocetos, es posterior a la obra. Una maqueta pequeña que tiene una hendija para introducir el celular en modo linterna y recrear la pieza tal cual es, con su iluminación y todo –Kuitca lo muestra orgulloso, a pura risa–. Entre las obras más nuevas hay una puerta inclinada. “Es bastante rústica. Medio de backstage. La manija, al tener una pequeña torsión, permite imaginar que alguien la está abriendo, detrás o entre nosotros y la puerta”.

Aprecia mucho una obra de 1994, de las primeras en las que el teatro se ve desde el punto de vista de los espectadores. Tanto, que logró tenerla de vuelta a través de un cambio de obra. “Comprarme a mí mismo es raro y es caro.

El libro de dibujos en el que trabaja hace tiempo ya es casi una realidad, que se palpa en prototipos. Lo editarán Kültur Büro Barcelona (KBB) y JRP/Ringier, una edición al cuidado de Sigismond de Vajay que se imprimirá en Barcelona.

“¡Estoy tan contento con esto! El primer dibujo incluido es de 1969”, cuenta.

Su otro orgullo es una obra pequeña, en tres dimensiones, a mitad de camino entre el objeto y la pintura: por fuera es un teatro de unos 40 centímetros de alto y, por dentro, la superficie manchada y matérica de una paleta aún fresca sobre vidrio. “Hacía tiempo que quería hacer algo que se llamara El teatro de la pintura. Más allá de la literalidad del título, la obra es eso: la pura pintura puesta en escena. No me pasa que me guste mucho lo que hago… ¡pero esto me encanta! Tiene esa idea de que para mí lo teatral en la pintura no es necesariamente lo dramático, sino que hay algo en la pintura que va más allá de lo narrativo que es teatral, al mismo tiempo. Veo colores en la paleta y puedo percibir acción, drama”, dice, y enciende la luz del teatrito para que se aprecien sus transparencias desde afuera. “El teatro de la pintura es una contradicción, son términos opuestos. Se supone que si algo la pintura no es, es teatro. No es ficción, no tenés porqué pactar ante un cuadro lo mismo que en el teatro: el hecho de creer que algo fue dotado de verosimilitud. No es algo de creer o no creer. Acá me parece que el teatro es visto como espacio, y no como condición de la obra. Es una obra concreta; una caja con colores”.

Pasan los años y Kuitca sigue joven, al menos en aspecto. El pelo continua de ese rojizo oscuro, los ojos azules, el estilo despreocupado de siempre y no usa anteojos, o casi, y pasados los 50 eso ya es un triunfo. “Puedo vivir sin lentes, pero no puedo leer de cerca sin ellos. Lo que no puedo hacer es pintar con lentes, porque es una distancia mayor… la distancia de mi brazo”.

Si mirás después con anteojos la obra, ¿la cosa cambia?

–Me pasa con los cuadros grandes, los murales. En uno en Somerset, Inglaterra, sucedió que lo veía blureado, fuera de foco. Sentía que le faltaba algo de precisión. Lo miraba extrañado, ¡hasta que me puse los lentes! ¡Qué alivio!

¡Estaba bien definido! Fue como apretar un botón. Tengo que preparar para el año que viene mi vista y mi cuerpo, porque tengo que trabajar en un espacio mucho mayor en Escocia. No es una iglesia, que es lo que me gustaría, sino el restaurante de un hotel en el medio de la nada. Un lugar espectacular, pero remoto.

Lo que sí se verá en Buenos Aires en la muestra de la colección de la Fundación Cartier en el CCK, de la que sos curador, a partir de octubre.

–Es la continuación de Les habitants, por la que estuve trabajando en París en febrero pasado. La segunda parte de esa muestra, aquí en Buenos Aires, se llamará Les visitants, una palabra que en realidad no existe. Se extiende muchísimo la cantidad de obras y de artistas, es enorme la muestra como lo es el espacio del CCK. Técnicamente es muy compleja, porque hay muchas salas de video. Es un desembarco importante: Patti Smith, David Lynch, grandes fotógrafos como William Eggleston, Francesca Woodman, Wolfgang Tillmans y Nobuyoshi Araki. Se trata de una colección cuyos acentos más fuertes son Francia, Japón y África. Una oportunidad para conocer la obra Hiroshi Sugimoto y la de Rinko Kawauchi, una joven fotógrafa excepcional, que no se han visto acá. Son 22 artistas, algunos con veinte obras, otros con una sola instalación.

Además, hay un proyecto de hacer un programa paralelo de acciones que la fundación suele hacer: Les Soirées Nomades, que son performáticas, danza teatro, charlas, música; Les Nuits de l’Incertitude, que son debates, y las maratones de entrevistas infinitas que hace Hans Ulrich Obrist. La muestra va a estar seis meses y lleva tiempo verla. Yo estoy muy comprometido en todo, pero de mi obra sólo va a estar la reproducción del living room de David Lynch tal cual estuvo en París, apenas un poco más grande: el cuadro de Lynch, el fondo mío, la voz de Patti Smith y su presencia, creo, en algún momento de la exposición. Va a haber una buena selección de fotos de ella: su trabajo fotográfico es muy extenso y muy bueno. Ella es fabulosa. Hay cosas fascinantes, como la serie de desnudos de Lynch, que hizo antes de Blue Velvet, cuando está en el nacimiento de su lenguaje fotográfico, y cuando lo ves, ¡es puro Lynch! Eso viene directo de su estudio, además de un conjunto enorme de trabajos en papel. La colección es gigante. Lo que hice es una selección según

mis caprichos, mis intereses, mis ganas.

¿Cómo te sentís en el rol de curador?

–Me siento raro. Lo vivo con una responsabilidad enorme. De hecho en ninguna parte figuro como curador: en París la muestra se nombraba como “Les habitants, una idea de Guillermo Kuitca”, y acá será “una mirada de Guillermo Kuitca”. No tanto por pudor como por respeto. De algún modo, creo que el curador hilvana obras de un modo más discursivo, y en este caso son muestras sin discurso, muy intuitivas aunque sé lo que estoy mostrando, con la libertad de no atar las obras a un eje curatorial, ni histórico, ni de una investigación.

Pienso que lo que hago es poner mi creatividad en un collage gigante de piezas de otros artistas.

¿Cómo ha sido tu relación con los curadores?

–Me ha tocado de todo… Cuando trabajás con un curador en una muestra antológica es muy raro que se establezca una relación complicada. En general, soy una persona relativamente fácil en el trato. Puedo tener alguna firmeza, algunas convicciones… pero soy fácil. Ahora en las muestras colectivas sí pueden surgir las dificultades: ¿por qué esta obra? ¿Por qué esta pared?

¿Qué tiene que ver esta obra con este contexto? Aparecen arbitrariedades. Sin embargo, la arbitrariedad como fuerza creativa es fabulosa. Tan importante como el talento mismo. Es de donde saco la fuerza para hacer lo que hago. Me parece que el curador no tiene ese margen, tiene que tener alguna claridad.

Sí me molestaría que una muestra no sea clara para el público, en el que me incluyo: los que vemos arte. Aun el sinsentido. La falta de claridad en el arte es insoportable. La búsqueda experimental también me interesa, y no puede ser concluyente, afirmativa, pero sí puede tener claridad en tanto búsqueda.

Toda obra, todo artista y toda constelación de artistas encierra su lógica y su expresión más clara. Últimamente estoy muy atento a eso. Cuando pierdo el hilo de por dónde fue un artista en una muestra antológica, pienso que ahí hicieron lío. Espero que mi visión en esta muestra sea la más clara posible.

Guillermo Kuitca 7
Foto de la página opuesta: Sin título. 2014 Oleo sobre madera 230 x 106 x 4 cm © Guillermo Kuitca Courtesy the artist and Hauser & Wirth Photo: Alex Delfanne

“Yo me siento muy cómodo frente a la obra de los demás, aún cuando no la entienda. Creo que lo fuerte de esta especie de rol docente es no ponerme en el lugar del que sabe, sino acompañar desde el lugar de que ni él, ni yo entendemos lo que está haciendo.”

Durante la última edición de Arco Madrid, integraste la muestra colectiva Ultramar, curada por Sonia Becce, que intervino las salas de pintura de vanguardias del siglo XX del Museo Thyssen-Bornemisza con pinturas tuyas y de Lucio Fontana, Alejandra Seeber y Juan Tessi. ¿Cómo te sentiste ahí?

–Pasé por la muestra. Ahí se trataba de algo muy parecido a la intervención, éramos visitantes en una colección constituida. No creo que la gracia fuera que la obra se fundiera con el entorno, sino una inserción de obras que iban de visita, casi en misión diplomática. A mí me tocó una sala de arte de posguerra británico, con héroes míos de toda la vida como Bacon y Freud, y justo enfrente de mi obra estaba el Fontana, con el que se establecía una especie de diálogo, un guiño a esa argentinidad de Fontana que está siempre en duda, pero hacemos bien en reclamar. Se veía bien, porque justo mi obra (Doble eclipse) era un poco más figurativa, aún dentro de una etapa abstracta, en un diálogo con obras del pasado –camas, sillas, micrófonos, lunas, charcos, caos–, una obra nocturna y melancólica.

De esta invitación especial a la Argentina en Arco, una de las críticas que circuló era que tenía un sello muy kuitquiano, si es que podemos acuñar el término, porque las dos curadoras encargadas eran afines a tu obra. ¿Sentís que existe una escuela o una corriente que responde a tu estilo, que lleva tu impronta de alguna manera?

–Primero, no conozco personas que tengan un pensamiento más libre e independiente que Inés Katzenstein y que Sonia Becce. Después, podemos hacer un paréntesis y pensar que el inicio de la Beca Kuitca es de 1991 y habrán pasado por ahí más de 130 artistas.

Probablemente, un número elevado de ellos son los artistas que hoy vemos, son mis colegas a los que admiro y sigo. Fueron mis compañeros de ruta. Honestamente, no creo que haya dejado una impronta. Estéticamente, ¡no tienen nada que ver conmigo! Por ejemplo, Diego Bianchi, Eduardo Basualdo, Juan Tessi, Florencia Bothlingk, Jazmín López, Fernanda Laguna, Magdalena Jitrik,

Matías Duville… Tienen lenguajes muy constituidos, muy formados ¡Nadie pinta camitas! Esa crítica no es cierta. La beca es un hecho, esa relación con los artistas existió. Es muy raro pensar el arte de un tiempo y un lugar fuera de los contactos entre artistas, con ese criterio debería estar prohibida la amistad entre los artistas. Yo no soy jurado nunca de nada, porque ahí sí pienso que sería un problema para los artistas que pasaron por la beca. Pero una cosa es ser jurado, y otra es la circulación o el vínculo a niveles poéticos, estéticos o de creación.

Quizás se pueda pensar que lo que les haya quedado de vos sea una forma de compromiso, de búsqueda.

–Ojalá sea eso. Es más probable que ellos hayan dejado marcas estéticas en mí, que yo en ellos. Me ha pasado de encontrarme pintando y decir ‘esto parece una pintura de Mariana López o de Tiziana Pierri’. El trabajo con las becas es muy profundo, muy largo, no está investigado, no parece estar en la agenda de la investigación del arte contemporáneo. Es una historia riquísima para entender el arte local, más allá de las categorías habituales de nuestra historiografía: los ’80, los ’90, El Rojas, Belleza y Felicidad… En esas clasificaciones perezosas no suele aparecer la Beca. Refleja lo que es: un lugar muy privado, heterogéneo, con un acercamiento genuino entre sus participantes, muy difícil de transferir como experiencia. Mi encuentro con ellos sigue siendo desde el afecto y la gratitud mutua, por el hecho de saber que en ese momento compartimos algo valioso en ambos sentidos.

¿Extrañás la beca?

–Sí, extraño. Pero me consume una cantidad de tiempo y energía enorme, y la última edición me dejó fusilado. Si bien supongo que en algún momento lo volveré a hacer, tengo que encontrar un bloque de tiempo que no tendré en los próximos dos años. Como es un programa nómade, estuvo relacionado con diferentes instituciones –Antorchas, Proa, el Centro Cultural Rojas, la Universidad Di Tella–, así que tampoco es evidente cuál sería su próxima asociación. Quizás tome el carácter de una residencia, más corta o aislada.

Guillermo Kuitca 4
Foto de la página opuesta: Sin título 2015 Oleo sobre madera 70 x 50 cm © Guillermo Kuitca Photo: Alex Delfanne

¿Cómo serán aquellos futuros becarios? ¿Se van haciendo cada vez más diferentes?

–Lo pensé. A veces trato de mirarlo con coraje. Yo me siento muy cómodo frente a la obra de los demás, aun cuando no la entienda. Creo que lo fuerte de esta especie de rol docente es no ponerme en el lugar del que sabe, sino acompañar desde el lugar de que ni él ni yo entendemos lo que está haciendo.

Si no te convertís en el gurú idiota que les dice a los demás lo que tienen que hacer. Yo partí de trabajar con artistas de mi generación, de mi misma edad o incluso mayores. Y a lo largo de casi 30 años, esa mutación generacional se va notando.

Tu edad, igual, nunca es cronológica. Cuando eras joven ya tenías mucha experiencia; cuando ya no eras tan joven, seguías siendo el joven Kuitca…

–¿Y entonces ahora qué me toca? ¡Ser un tipo grande que no tiene ninguna experiencia! Yo igual con los colegas jóvenes me encuentro a gusto, cómodo, siento que hay un respeto mutuo, pienso que puedo acceder a sus obras. En parte, uno de los motivos por los que la beca fue discontinua, fue para que en el momento en que volviera a aparecer cayera en el contexto de una nueva generación. Hoy serían artistas que no conozco, y ese es el objetivo.

¿Sos consciente de la magnitud de tu obra? En una enciclopedia de arte universal que se está publicando ahora por fascículos en un diario, había dos hojas dedicadas al arte latinoamericano –lo cual ya dice mucho– y de los seis artistas mencionados, el único argentino eras vos. ¿Cómo vivís esto?

–Qué sé yo… No tiene eso un gran peso en mí. Sé que el arte latinoamericano tiene una presencia muy distinta de la que tenía hace veinte años, pero esa lista de seis es una arbitrariedad total.

Pero vos en los ’90 ya estabas inserto en el mercado internacional

–Sí. No sé si por suerte o por desgracia esas categorías nunca aparecieron en mi horizonte. Sigo siendo el mismo tipo que cuando se pone a laburar, se pone contento cuando sale algo y se pone mal cuando no. Muchas veces las cosas no salen. Por supuesto que siento orgullo cuando estoy en compañía de artistas enormes, pero no entra eso en mi vida cotidiana y en mi trabajo.

No ando por la vida como un tipo de enciclopedia. No sabría cómo hacerlo.

Detesto la falsa modestia, y no quiero sonar así, pero no tengo la menor idea de cómo vivirlo. Es más, me pregunto si tengo que vivirlo, porque en realidad es una experiencia ajena. Son decisiones de otros los panteones o equipos estelares. No hay cómo erigirse en un éxito mundial. No juzgo igual a quien lo vive de diferente manera. Yo no soy un policía, no puedo andar con el dedo levantado. ¡Quisiera que no se hiciera! No se puede andar diciendo “ojito con creérsela”. ¡No se puede! Y además, ¿desde cuándo los artistas fueron santos?

¿Desde cuándo por portarse bien un artista es virtuoso? Portarse bien puede estar bien para cuestiones cívicas, ser buen vecino, no robar, pagar los impuestos, pero dentro del arte esos valores no son los que deben ser. Muchas veces recibo comentarios favorables como ‘sos un tipo modesto’. Puede ser, soy modesto y tranquilo, pero por favor ¡no me elogien por eso! Cada uno es como es… ser modesto quizá es mi problema. No puede ser un rasgo virtuoso.

En todo caso, lo que me hará valer será mi obra, o el trabajo de las becas que fue algo muy lindo y valioso… pero la personalidad de los artistas no puede estar en permanente discusión. Está bien, no voy a las inauguraciones ni a los eventos públicos, no me saco fotos, pero eso no me hace mejor. A lo sumo me hace más tímido o más fóbico

Guillermo Kuitca 2
Foto de la página opuesta: © Guillermo Kuitca Sin título 2015 Oleo sobre tela 263 x 282 cm © Guillermo Kuitca Courtesy the artist and Hauser & Wirth Photo: Alex Delfanne

Hablando de cómo vivir el éxito –o cómo no saber vivirlo–, ¿Qué pasa con su opuesto? ¿Pensás en la posibilidad del fracaso alguna vez? ¿Te preocupa?

– Hay varios niveles de fracaso. Una cosa es que una obra no salga, y bueno, la reciclo en mis diarios –forra con la tela fallida la mesa redonda donde trabaja todos los días, y se va construyendo una nueva obra con las inscripciones y dibujos automáticos que van saliendo sin querer; serie que lleva décadas haciendo y que es un registro de su vida–. Les doy una segunda oportunidad.

Pero también está el fracaso de las decisiones equivocadas en la carrera, con muestras más o menos exitosas, con más o mejores críticas o atención del público… toda esa gama de cosas que van del mercado a la materialidad. Eso en algún lado está. Me acostumbré tanto a no exponer en la Argentina que mi medición de mis fracasos y mis éxitos es muy relativa. Si yo me voy de una muestra al día siguiente de la inauguración pierdo contacto no solamente con lo bueno sino también con lo no tan bueno de eso. Tuve recientemente una inauguración muy linda en Londres, me sentí muy halagado, pero no tengo ni idea de lo que pasó al día siguiente. A lo mejor no entró nadie a la galería.

Claro que las galerías me pasan el reporte de las ventas, y bueno, yo no salté de un día al otro. Mi carrera es tan larga y constante, que no hay baches ni picos. No estoy exento del fracaso, no es que las cosas me salgan bien todo el tiempo. Quizá quedan algunas cuentas pendientes. Hacer el libro de dibujos, por ejemplo, es un logro personal porque lo que van a aparecer ahí son obras que estuvieron guardadas, no vistas durante treinta años, algunas. Para mí descubrir que en esa montaña de 4000 obras había 500 que valía la pena mostrar, fue como cambiarle el signo a algo que alguna vez había visto como un fracaso. Tuve una impresión de mí mismo durante ciertas épocas de mi vida en la que mi obra no había sido lo suficientemente interesante. Volver a verla con una distancia tan grande, fue cambiarle el signo a algo que era un olvido, de esos que pesan, que uno no quiere volver a ver. Como todo artista, y como todo ser humano, estoy expuesto al fracaso.

¿Cuál es tu fuente de felicidad y alegría hoy?

– Inevitablemente la vida afectiva es lo que está por encima de todas las cosas.

Estar acompañado, saber que hay alguien que querés y te quiere, está muy por arriba. Claro que hay otras cosas que te da la vida, y yo soy un tipo con mucha suerte. Si llego a conectarme con esa suerte digo ¡qué bueno!, pero a veces me olvido y ando como perro… no me acuerdo el dicho… ¡como bola sin manija! Hablando de eso, ¡cómo extraño a mis perros! Ya pronto llegarán uno o dos perritos, pero estoy esperando a terminar de arreglar la casa. ¡Los quiero recibir con todo lindo! Siempre tuve labradores, y tuve experiencias tan buenas… Pero conozco perros rescatados que son maravillosos. Me fascinan los perros. Me dan alegría. El trabajo también me da alegría lo mismo que el contacto con mis colegas. Cuando paso períodos sin trabajar, me doy cuenta de que a la semana de no estar comprometido con ningún proyecto cambia mucho mi humor. Siempre es una salvación. Soy poco original: el trabajo y los afectos es donde más se juega la alegría.

Guillermo Kuitca 8
Guillermo Kuitca David’s Living Room Revisited, 2014 A room by Guillermo Kuitca after David Lynch’s installation Untitled (2007) Commission for the exhibition Les Habitants, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, 2014 Photo © Olivier Ouadah
logotipo subheader


Bs.As. Argentina