Art Basel Paris

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Art Basel Paris

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Art Basel is a like a vortex of fantastic revolutionary ideas that are represented in many different ways by diverse minds, which are capable of intrinsic lifestyles, approaches to devices, materials, creations, art in general, and also, that interact with the art fair in a special way. 

I can imagine “ The garden of delights’ by El Bosco, the dutch painter of 1500. It also reminds me of a digital artwork of Studio Smack at “Coleccion Solo” in Madrid, an interactive big screen showing millions of creatures moving through the place in ways a lot of people could be seen moving around in masses. 

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Art Basel Paris, was, in my opinion, a boutique, a little bit quiet, more organized, and a beautiful art fair. This did not happen to me when I arrived at Art Basel Miami 2 years ago, where the city is more like “ revolutionized” about it like foreign fanatics take the streets. Here the scene is more easygoing. French people somehow got the dynamic a little bit relaxed but also out of control, like, everything was settled, but not just people from the art scene, but tourists, visitors, artists in Paris, designers, etc, were all there, like “of course we came to Paris, what else are we gonna do here?”. 




My press pass was for 3 pm, i went there on the morning of October 30th, and nobody could tell me why i couldn’t get in at that moment. Suddenly an Art Basel Paris manager appeared and explained to me the situation. It was not a big deal, I went to Palais de Tokyo and came back. 

The main exhibition sector of Paris + par art Basel features 140 galleries specializing in modern and contemporary art, displaying exceptional quality work including paintings, drawings, sculptures, installations, photography, video, and digital art. 

I started walking through the art fair. I did not have much time but 3 hours for it. I had a meeting afterward and the whole art Basel Paris scene was in front of me. 

I usually do it per row, the first line of galleries was mixed from all over Europe, and most galleries were. The Grand Palais Éphémère is 15 minutes away from Tour Eiffel.

The inaugural edition of Paris+ par Art Basel brought together 156 premier galleries from 30 countries and territories – including 61 exhibitors with spaces in France – in a new flagship event that further amplifies Paris’s international standing as a cultural capital. A strong line-up of galleries from France was joined by exhibitors from across Europe, Africa, Asia, North and South America, and the Middle East for a global showcase of the highest quality. Reaching beyond the Grand Palais Éphémère, the fair presented an active cultural program from morning to night, all week, and throughout the city, through a robust program of collaborations with Paris’s cultural institutions and its city-wide sector Sites.

The debut edition of Paris+ par Art Basel was attended by leading private collectors from France and across Europe, the Americas, the Middle East, Asia and Africa, as well as museum directors, curators, and high-level patrons from approximately 140 cultural organizations including: Albertina, Vienna; Art Institute of Chicago; By Art Matters, Hangzhou; The Bourse de Commerce – Pinault Collection, Paris; CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux; Centre Pompidou, Paris; Dia Art Foundation, New York; Elgiz Museum, Istanbul; Fine Arts Museums of San Francisco; Fondation Louis Vuitton, Paris; Fondazione MAXXI, Rome; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; ICA Boston; Jeu de Paume, Paris; Lafayette Anticipations, Paris; Leeum Museum of Art, Seoul; Les Abattoirs, Toulouse; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); The Metropolitan Museum of Art, New York; Moderna Museet, Stockholm; Mudam – The Contemporary Art Museum of Luxembourg; Munchmuseet, Oslo; Musée d’art contemporain de Lyon; Musée d’art contemporain de Montréal; Musée d’Art Moderne de Paris; Musée d’Orsay, Paris; Museo Tamayo, Mexico City; The Museum of Modern Art, New York; Nasjonalmuseet, Oslo; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; New Museum, New York; NSU Art Museum Fort Lauderdale; Palais de Tokyo, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Serpentine Galleries, London; Tate, London; and Zachęta – National Gallery of Art, Warsaw.

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The fair welcomed President of France Emmanuel Macron and French Minister of Culture Rima Abdul Malak. First Lady Brigitte Macron was also in attendance on the fair’s first public day. During his visit, President Macron congratulated Art Basel on having reinvented a true international contemporary art fair in Paris.

‘I believe this week marks a true inflection point for the arts community in France, one in which Paris’s cultural actors came together to collectively present, on the global stage, the best of what the city has to offer,’ said Clément Delépine, Director, Paris+ par Art Basel. ‘The excitement in the halls and throughout Paris is testament to the city’s renewed momentum and the spirit of collegiality which has made the extraordinary success of this first edition possible’. 

‘This is a truly historic moment for Art Basel,’ said Marc Spiegler, Global Director, Art Basel. ‘Despite having only nine months to prepare, this felt like a strong show in every way. Collectors came from all over the world and were rewarded with the highest quality of artworks in the booths. We couldn’t have hoped for a better debut in this amazing city, whose cultural scene continues to go from strength to strength.’

Galleries exhibiting across all sectors of Paris+ par Art Basel –including Galeries Émergentes, the fair’s premiere sector dedicated to galleries presenting young and emerging artists –remarked on their experiences of the debut edition:

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‘Art Basel is the plus for Paris! The fair and its organization have strongly reinforced Paris’s artistic energy. We are seeing more collectors, from the US and Asia notably, sales are high, and the audience is eager to discover new talents as well as modern masters. I could not dream of more for Paris.’

Kamel Mennour, Founder, kamel mennour (Paris)

‘It was an honor to be part of Art Basel’s first Paris edition, having participated in all of the fair’s locations for many successful years. The quality and number of important international collectors remained high, and we placed several works in significant collections in the first few hours of the fair opening.’

Monika Sprüth and Philomene Magers, Co-owners, Sprü̈th Magers (Berlin, London, Los Angeles)  

‘I expected Paris+ par Art Basel to be a vibrant and dynamic fair, but now I think it should be called Paris+++. A great job in so little time! At the fair I engaged with people from Australia to Latin America, from North America to Asia. Paris is at the heart of these beautiful and diverse connections. Seeing President Macron and Minister of Culture Rima Abdul Malak come to support the fair and its galleries is a great sign. It shows that culture in France is at the center of the current agenda, and it places France at the center of culture in the world!’

Lorenzo Fiaschi, Director, Galleria Continua (San Gimignano, São Paulo, Beijing, Havana, Les Moulins, Paris, Rome)

‘Paris+ was beyond expectations; it’s a fair which brought us all together again in the most elegant and transformative way. The sales were to A-plus collectors and foundations that we haven’t seen in a few years, and the fair reminded us of the before times. We want to thank the Art Basel team for creating such a significant fair in such a short period of time, further building upon the foundation that FIAC established.’

Lisa Spellman, Owner and Director, 303 Gallery (New York)

‘We were thrilled by the energy of the fair and impressed by the truly global cross-section of great collectors we saw on the first day – the most astute Europeans and Americans, as well as great Asian clients. Paris has always been an art capital and a place our partners consider a second home, but this week we felt a whole new momentum here. And so LGDR’s focus for this first edition of Paris+ was on quality, with works by modern and contemporary artists that are the ne plus ultra of their oeuvres. The response to our presentation was fantastic, with many works on our stand sold, and just as important, so many marvelous conversations made possible by the fair’s atmosphere – neither too grand nor too intimate, but just right.’

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Amalia Dayan, Co-Founder, LGDR (New York, Hong Kong, Paris, London)

‘The inaugural Paris+ par Art Basel was a success for us, and I believe for many of our colleagues, too. The early crowd was reminiscent of a typical Art Basel preview day, with collectors coming from all over Europe and the US, and we were pleased to see so many collectors from Asia in person again. We were especially happy to have conversations with many major international museum directors and curators.’

David Zwirner, Owner, David Zwirner (New York, London, Paris, Hong Kong)

‘This first edition was particularly dynamic for us and very satisfying! We were sold out from the very first day and placed works with American, Belgian, French, Mexican, and South African collectors. Many of the works entered the collections of foundations and museums.’

Loïc Garrier, Paris Director, Ceysson & Bénétière (Paris, Saint-Etienne, Lyon, Koerich, New York)

‘We are so proud to have participated in the inaugural edition of Paris+ par Art Basel. The sales were significant, and the energy throughout the fair grounds and the city was fantastic to experience. We are incredibly grateful for the support and organization of the fair, now in this new city.’

Max Falkenstein, Senior Partner, Gladstone Gallery (New York, Brussels, Rome, Seoul)

‘It was one of the best fairs the gallery has participated in, and not only from a sales perspective. We were delighted to see many collectors from all over the world, American trustees but also French collectors.’

Jérôme Poggi, Founder, Galerie Jérôme Poggi (Paris)

‘The arrival of Art Basel to Paris has undoubtedly added great momentum to the ecosystem of the French capital. We saw much more international attendance to the fair with sales being both strong and consistent. Paris has so much to offer, and we are very happy to be a part of this comeback of the city.’

Mathieu Paris, Senior Director, White Cube (London, Hong Kong)

‘With the concentration of international collectors, curators, and art world players, everyone seems to be in Paris and Paris+ par Art Basel has definitely increased the attractiveness of the city’s art market. Since some time, Paris is experiencing a strong renaissance and has gained back an important role as an art world capital. Paris+ was a strong sign for this.’

Thaddaeus Ropac, Founder, Thaddaeus Ropac (London, Paris, Salzburg, Seoul)

‘We were delighted to reconnect with several collectors, particularly from Hong Kong and Southeast Asia, who we have not seen for some time, due to travel restrictions. The network of Paris+ par Art Basel collectors is of high quality. Paris is booming, with major galleries that used to shun the French capital moving in and private foundations multiplying.’

Anna Kraft, Director, galerie frank elbaz (Paris)

‘Artists and collectors have always been particularly drawn to Paris for its art historical importance and cultural resonance. Many of our artists were keen to place their works specifically in prestigious French collections, and with the excitement around the inaugural edition of this fair they have put forward both new and historically important works. This has been greatly appreciated by local collectors and those from far and wide.’

Serena Cattaneo Adorno, Director, Gagosian (Geneva, Basel, Gstaad, Rome, Athens, Hong Kong)

‘The increase in the quality of the works presented and the profile of the players led to a higher number of sales. The installation by Ashley Hans Scheirl and Jakob Lena Knebl at the entrance to our booth, echoing the Austrian Pavilion at the last Venice Biennale, will join the prestigious collection of one of the leaders in the tech industry. It will also result in exhibitions in several institutions for this duo, whose work will be shown next year at the Palais de Tokyo and in the Falckenberg Collection in Hamburg.’

Hervé Loevenbruck, Founder, Loevenbruck (Paris)

‘James Thurber once said that “the whole of Paris is a vast university of art’, and this first Paris+ fair week confirms those words remain absolutely true. For us at Hauser & Wirth, the atmosphere is particularly inspiring as we’re preparing our new Paris space to open next year. Our stand at Paris+ reflected our delight in being here and our commitment to art of the highest caliber, through a concise selection of museum-quality works by gallery artists, with each represented by the very best of his or her oeuvre. And it was clear on this first day of the fair that collectors and curators have gotten the assignment: Major works went quickly within the first few hours of Day 1.’ 

Marc Payot, President, Hauser & Wirth (Hong Kong, Ciutadella de Menorca, Gstaad, St. Moritz, Zurich, London, Somerset, Los Angeles, New York)

‘Paris is buzzing. Art Basel’s debut undoubtedly confirmed the city’s status as an art capital. This was echoed by the numerous extraordinary exhibitions across town – not least the important show of Alice Neel at the Centre Pompidou, on the artist’s political and social engagement – and strong sales and international attendance at Paris+.’

Xavier Hufkens, Owner and Founder, Xavier Hufkens (Brussels)

‘I am positively surprised by the international audience and institutional attendance. There was an incredibly good atmosphere and interesting conversations, and we are happy to report positive sales, as well as connecting with many interesting French collections that have strong links to the fashion industry.’

Emanuel Layr, Founder, Layr (Vienna)

‘A great success for the first edition of the Art Basel fair in Paris. We were able to witness a profusion of international clients from all over the world, an audience rarely seen at an event of this type in Paris. This first edition probably announces the comeback of Paris at the center of the art market.’

Benoît Sapiro, Founder, Galerie Le Minotaure (Paris)

‘With this first edition of Paris+ by Art Basel, we have seen a real improvement in the quality of the works exhibited, with collectors coming from all over the world: this has resulted in a real emulation which allowed us to say, on Friday afternoon, that the fair is already a success.’

Nathalie Obadia, Founder, Galerie Nathalie Obadia (Paris, Brussels)

‘It was a thrill for us to have such a positive reception during the opening hours of the inaugural Paris+ par Art Basel from international collectors and curators. Having done FIAC for a decade, I am thrilled to keep the gallery’s French presence alive with Paris+.’

Jessica Silverman, Founder, Jessica Silverman (San Francisco)

‘We are very pleased with our participation in Paris+. There is a strong dynamic at the fair; we notice the presence of many collectors, and notably of a new generation, which is very interesting. And there was no slowdown in transactions, even three days after the opening. All in all, an excellent edition!

Pietro Spartà, Founder, Galerie Pietro Spartà (Chagny)

‘I am thrilled to have taken part in the first edition of Paris+ par Art Basel. This is another exceptional platform that the organizer provided, allowing me to showcase our Japanese artists to a wider group of European and international audiences. The fair has already proven to be a key meeting point for the art community globally. I am glad to connect and engage with the sophisticated and emerging collectors in this city and beyond.’

Atsuko Ninawaga, Owner and Director, Take Ninagawa (Tokyo)

‘We were surprised by the number of First Choice guests and the number of collectors, which is exceptional per square meter. We had visitors from the United States, Latin America, China, but also from Turkey. We have never had such a rush, such excitement around the former FIAC. ’

Anne-Claudie Coric, Executive Director, Templon (Paris, Brussels)

Galeries Émergentes

‘We were thrilled to participate in the inaugural edition of Paris+ par Art Basel, which has brought greater attention and visibility to our gallery presentation, programme, and artists. We are even more delighted that Akeem Smith showing at our booth has been selected to carry out a special commission as part of the fair’s partnership with the Galeries Lafayette group and whose work will be supported through the production of a new piece in the workshops of Lafayette Anticipations.’

Pauline Seguin, Founder, Heidi (Berlin)

‘We are absolutely delighted about the first edition of Paris+ par Art Basel, which we think was incredibly well organized. We had a lot of insightful conversations, and participating in the fair was a decisive step in the development of the gallery.’

Oswaldo Nicoletti, Founder, Nicoletti (London)

‘We are very proud we were able to show Jessy Razafimandimby in such an important context for the Paris art scene. The fair went very well for us; we sold works from the booth and our inventory to a lot of foreign collectors we were meeting for the first time.’

Marie Madec, Director, sans titre (Paris)

‘The fair vastly exceeded our expectations. Our booth by London-based Patrick Goddard sold out within hours on the first day. We have had incredible conversations about the artist’s practice. Crucially, the impressive quality of engagement with Goddard’s work is a testament to what Paris+ is offering.’

David Hoyland, Founder and Director, seventeen (London)

‘Paris+ par Art Basel is one of the best fairs we’ve participated in since opening the gallery. The emerging section in particular, which we were a part of, was small but very strong, and we were honored to be present.’

Beatrice Beugelmans, Assistant Director, Chris Sharp Gallery (Los Angeles)

Galeries

The main sector of the fair featured 140 of the world’s leading galleries which presented the highest quality of painting, sculpture, works on paper, installation, photography, video, and digital works. For the full list of exhibitors in Galeries, please visit parisplus.artbasel.com/galeries.

Galeries Émergentes

Dedicated to emerging galleries across the globe, Galeries Émergentes featured 16 solo presentations. Exhibitors included Antenna Space from Shanghai, Instituto de visión from Bogotá and New York, LC Queisser from Tbilisi, Marfa’ from Beirut, Parliament from Paris, Galeria Dawid Radziszewski from Warsaw, sans titre from Paris, and Veda from Florence. 

Supported by groupe Galeries Lafayette, artist Akeem Smith, represented by Heidi in the sector, was selected by a specially appointed jury to produce a new piece in the workshop of the Lafayette Anticipation – Fondation Galeries Lafayette. The new work will be exhibited at Lafayette Anticipations in 2023. As part of the initiative, Heidi will be reimbursed its fair participation fee.

The jury was composed by Guillaume Houzé, Rebecca Lamarche-Vadel, Myriam Ben Salah, Agnes Gryczkowska, and Jean-Marie Appriou.

For the full list of exhibitors in Galeries Émergentes, please visit parisplus.artbasel.com/galeries-emergentes

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Bs.As. Argentina 

Estampa Feria en Madrid

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Estampa Feria en Madrid

El coleccionismo y el galerismo de arte contemporáneo en España se dan cita en el 30 Aniversario de Estampa

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Del 13 al 16 de octubre la feria celebra tres décadas impulsando el coleccionismo de arte contemporáneo. El Programa General cuenta con la participación de las principales galerías nacionales, e incorpora otras más jóvenes que actualizan las transformaciones de nuestro mercado. Crecen los programas de coleccionistas nacionales e internacionales que reflejan la vitalidad y el interés por el galerismo en España. Los artistas invitados en esta ocasión, Jordi Teixidor y José María Yturralde, han creado nuevas obras para presentar en la feria junto a un estudio de sus influencias musicales. Madrid, 13 de octubre de 2022.- La feria Estampa celebra su 30 Aniversario del 13 al 16 de octubre en el pabellón 5 del recinto ferial de IFEMA MADRID. Una edición conmemorativa que cuenta con la participación de más de 100 galerías de arte contemporáneo, con obras de cerca de un millar de artistas nacionales e internacionales.

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 Esta convocatoria, consolidada como la gran cita de otoño del mercado del arte en España y una referencia para el galerismo y el coleccionismo en nuestro país, cuenta en esta ocasión con la intervención de Jordi Teixidor y José María Yturralde como artistas invitados.

Galerías Con un crecimiento notable en el número de solicitudes que optan a un stand en la feria, el 30 Aniversario cuenta con las principales galerías de la escena galerística nacional, incorporándose hasta una veintena de nuevos proyectos creados en España en los últimos años, que muestran las transformaciones y evolución más vibrante del mercado español. De acuerdo con la vocación de la feria de ser el referente del arte contemporneo en España, conforman el Programa General las principales galerías del país, entre las que cabría mencionar nombres tan destacados como, Juana de Aizpuru (Madrid), Moisés Pérez de Albéniz (Madrid), Cayón (Madrid/Menorca/Manila), José de la Mano (Madrid), NF/Nieves Fernández (Madrid), Máx Estrella (Madrid), Fernando Pradilla (Madrid), Mayoral (Barcelona), Juan Silió (Santander), Zielinsky (Barcelona), Leyendecker (Tenerife), Álvaro Alcázar

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ArtNueve (Murcia), Rafael Pérez Hernando (Madrid), ATM (Gijón), F2 (Madrid), T20 (Murcia) y Espacio Valverde (Madrid). Así mismo el Programa General refuerza e incorpora las galerías de última generación como Yusto/Giner (Madrid/Marbella), VETA (Madrid), Arniches26 (Madrid), Cerquone (Caracas/Madrid), Swinton Gallery (Madrid), La Causa (Madrid), Herrero de Tejada (Madrid), Artizar (Tenerife), La Bibi Gallery (Palma de Mallorca), Tuesday to Friday (Valencia), WeCollect (Madrid) o 3 Punts (Barcelona). Destaca también la participación de galerías dedicadas a fotografía como Blanca Berlín (Madrid), Valid Foto (Barcelona), Cámara Oscura (Madrid), Bernal Espacio (Madrid) o A Pick Gallery (Turín, Italia). A la sección comisariada por Alicia Ventura acuden Ponce + Robles (Madrid), Senda (Barcelona), Rosa Santos (Valencia/Madrid), Jorge López (Valencia), Marta Cervera (Madrid) y Rocío Santa Cruz (Barcelona).

Artistas invitados Por otra parte, Jordi Teixidor y José María Yturralde, como artistas invitados, presentan sendas obras específicamente realizadas para la feria y cuyo tema se centra en su relación con la música y el sonido. Este programa conmemorativo del 30 aniversario de Estampa se establece a partir del análisis y estudio de las referencias, intereses, influencias y aportaciones acústicas, científicas y musicales que el compositor y musicólogo Miguel Álvarez Fernández realiza sobre la obra de los artistas invitados, para reunir sus resultados en un álbum conmemorativo con toda la documentación surgida del estudio y una edición de estos sonidos en un disco de vinilo en edición limitada para coleccionistas.

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Entrevista a Heidi Lender fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay. Este año 2021, Leandro Erlich presenta «Semáforos, civilización o barbarie»

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Leandro Erlich en Campo Art Fest

Entrevista a Heidi Lender, fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay, donde Leandro Erlich presenta, "Semáforos, civilización y barbarie".

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Bajo el calor del verano uruguayo, todos los años, 38 kilómetros al norte de José Ignacio, el pequeño pueblo de Garzón es intervenido por una organización de arte para dar lugar al Campo Art Fest. Se trata de la fundación de arte liderada por Heidi Lender. 

Durante los últimos días de diciembre, el pueblo de 230 habitantes cobra una nueva vida: Los edificios abandonados son reutilizados como espacios de exhibición, las calles se cortan y el pueblo se llena de una vibrante atmósfera de festival. Campo ofrece un diverso cronograma de actividades culturales durante el festival, con propuestas de música, gastronomía y actividades para niños, entre otras. 

Nos reunimos con Heidi para que nos cuente sobre el origen de Campo, y el testimonio que nos brindó fue una crónica de crecimiento personal, de transformación y sanación. “Un día me desperté y supe qué era lo que quería hacer, pero para llegar a ese día fue necesario un largo proceso de curación y crecimiento”. 

Lender, oriunda de New Haven, Connecticut, recuerda que llegó a Garzón por primera vez hace diez años por casualidad. “En ese momento estaba haciendo un viaje con mi novio de entonces por Argentina y Brasil, y decidimos aprovechar para conocer Uruguay. Cuando llegamos a Punta del Este nos dimos cuenta de que era plena temporada y no quedaban alojamientos vacantes. Terminamos en Garzón, después de por supuesto perdernos en el camino, pero cuando nos recibieron fue como atravesar un portal y llegar a un paraíso mágico”. 

“Nos quedamos en una posada donde en la habitación adyacente dormía Francis Malmann, y la noche del 31 de diciembre él invitó a todos los huéspedes de la posada a celebrar el año nuevo con un asado en el campo. Había seis personas más en la posada, así que éramos alrededor de treinta personas festejando. Si Garzón todavía no nos había volado la cabeza, en ese momento lo terminó de hacer”.

 

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“Al día siguiente yo me desperté al alba y me fui a sacar fotos por el pueblo, me enamoré de una casa y ese mismo día empezamos negociaciones para comprarla. La pasamos tan bien que cuando continuamos con nuestro itinerario y llegamos a Brasil, nos miramos y nos dijimos ‘¿Qué estamos haciendo?’, dimos media vuelta y volvimos a Garzón”.

La vida de Heidi hasta ese momento había sido todo men

os predecible, y todavía le quedaba un largo proceso antes de que naciera la idea de Campo. Lender comenzó su carrera primero como periodista cubriendo moda en París, y llegó al puesto de directora de moda de Women’s Wear Daily y W Magazine. Después de eso Heidi viajó por el mundo, vivió ocho años en India practicando Ashatanga yoga bajo la instrucción de Patthabi Jois antes de volver a California en 2007, donde durante un tiempo Heidi tuvo un estudio de yoga secreto en San Francisco. 

Pero en algún momento esas estructuras comenzaron a resquebrajarse, y por debajo una faceta todavía más creativa de Heidi Lender comenzaba a surgir. Fue durante esa época que empezó a incursionar en la fotografía, y fue durante esos años del estudio de yoga en San Francisco que hizo el viaje a Garzón que cambiaría su vida. 

Total autodidacta, Lender supo usar la cámara de fotos para desarrollar una respetable carrera como artista. Hoy en día está representada por Richard Levy Gallery en Albuquerque en New Mexico, Guthrie Contemporary en New Orleans y Black Gallery en Pueblo Garzón. También durante esa etapa Heidi se separó de su pareja y emprendió un largo camino de reconstrucción y de crecimiento que la llevaría al comienzo de Campo. 

El break-up con su pareja dejó a Heidi sintiendo que su vida se había desmoronado y que ella había quedado enterrada debajo de los escombros. Lo describe como un tiempo de depresión y de introspección, durante el cual el proyecto de hacer un autorretrato diario era literalmente lo único que lograba hacerla salir de la cama. “Antes de esta etapa yo siempre me había sentido como una impostora en todo lo que hacía, y por primera vez sentí que estaba haciendo algo que surgía de mí y era algo completamente auténtico”. 

En los años que siguieron, Heidi cuenta que estuvo en todos lados y en ningún lado. Fueron años errantes, durante los cuales recorrió los Estados Unidos de punta a punta más de una vez con la cámara de fotos, pasó por Islandia, vivió un tiempo en Los Hamptons, pero siempre acordándose de Garzón. “Me estaba sanando”.  

“No hay mejor manera de contarlo, un día me desperté y dije ‘ya sé’. Voy a ayudar a otros artistas a que conozcan este lugar y puedan tener este viaje de soledad para conectar con ellos mismos y con otros en Garzón’”. Para ganar experiencia, Heidi inmediatamente consiguió un trabajo en la residencia de arte de UCross Foundation en Wyoming, donde se confirmó lo que ella venía gestando: La residencia iba a tener un programa bien definido, Garzón era perfecto por ser aislado pero la residencia iba a promover un alto grado de conexión humana. Los artistas comerían juntos casi todos los días. A diferencia de UCross, Campo iba a contar con un chef residente, y los artistas son invitados a intentar encontrar una forma de colaborar con la comunidad local de Garzón durante su estadía.

En 2016 se inauguró la residencia de Campo con diez artistas invitados, en un lapso de seis semanas. Hoy Campo cuenta con una junta de asesores, el espacio gastronómico Campo Canteen y el festival que todos los años reúne a decenas de artistas de distintas partes del mundo. “Yo quería que la residencia de Campo ofreciera la misma oportunidad que tuve yo, que fui seleccionada como artista y como una persona creativa para trabajar. Y recibí el regalo de poder trabajar, de no tener que ocuparme ni de la comida y poder crear todos los días”. La residencia de Campo además les ofrece a los artistas invitados un estipendio para pagar el viaje a Uruguay. “Recibir un regalo así me dio ganas de trabajar el triple, y eso fue lo que hice. Me sentía muy afortunada de que alguien en el mundo creyera en mi proceso creativo”. 

 

“Al mismo tiempo yo estaba pensando cómo podía hacer para involucrar a Campo con la comunidad, y cómo hacer para que ganara visibilidad lo que estábamos haciendo, y así fue que surgió el ArtFest. Un artista de Estados Unidos hizo un gran umbral, otra artista de Cuba intervino la estación de tren, y así se fue armando. Hoy en día todo es mucho más sofisticado, fui aprendiendo cada año.”

 

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Hoy en día la filosofía de trabajo de Campo en gran parte está definida por la necesidad de crear a partir de/desde lo que se encuentra inmediatamente disponible.  Es un desafío con el que se encuentran todos los artistas que trabajan en Campo, sean residentes, chefs residentes, o artistas del festival, todos deben aprender a aprovechar lo que se les da al máximo. 

En los últimos años el ARTFEST propone una temática con la cual los artistas son invitados a dialogar con su obra. La consigna para la temporada 2019/2020 “Uncommon Sense: Percepciones Cambiantes + Perspectivas”. La palabra “sense”, “sentido” en español invita a los artistas a invocar la vista, el olfato, el oído, el tacto, o el gusto para cuestionar los límites de la percepción.  Es mediante la articulación de esta premisa con el terreno que los artistas del ArtFest más se lucen. 

La temática de este año 2021 fue ON PROGRESS: reflexiones para seguir avanzando. Los artistas profundizarán en el “progreso” y cómo se relaciona con diversos temas,desde el arte, la religión y la raza hasta el género, la tecnología, el medio ambiente y la interconexión global.

Por segunda vez participa en CAMPO Artfest Leandro Erlich, el reconocido atista argentino -que también vive en Uruguay-. En colaboración con Xippas Galleries, Erlich, este año acompañando la temáctica On Progress presenta una instalación de alto impacto:  ̈Semáforos – Civilización o barbarie ̈. Esta instalación está inspirada en la relación que existe dentro del paisaje urbano con las regulaciones sociales, y de estructura. Al artista le resulta evidente que no se precisen semáforos en lugares como Garzón, sin embargo, a veces nota el empuje del “progreso” tratando de aplicar los órdenes de la ciudad en pueblos pequeños. “Esto lo veo no sólo ridículo, sino una falta de comprensión de la naturaleza de los contextos.Imaginen el día en que tengamos que pagar para estacionar el auto en el campo.”, comenta Erlich en una entrevista con CAMPO. 

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Pablo Albarenga instalacion by Natalia Ayala

En el año 2000 participó en la Bienal del Whitney y respentó a Argentina en la 49a Bienal de Venecia (2001). Vivió y trabajó en París durante unos años, y luego regresó a Buenos Aires. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y bienales de arte en todo el mundo. Es la segunda vez que Erlich participa en CAMPO Artfest: “Yo creo que el primer CAMPO Artfest ya expresó la seriedad y el compromiso ambiocoso del proyecto. Tamibién cristalizó el afán de la comunidad por participar y el deseo de ver un proyecto cultural.” Fundada por la fotógrafa y escritora Heidi Lender, CAMPO es un instituto creativo sin fines de lucro ubicado en Pueblo Garzón que apoya a artistas internacionales y persigue la colaboración intercultural por medio de residencias para talentos de las artes visuales, literarias, musicales y culinarias de todo el mundo. CAMPO ofrece tiempo y espacio ininterrumpidos para el trabajo y la reflexión personal y es la incubadora perfecta para el pensamiento creativo, el intercambio cultural y el compromiso con la comunidad.

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin.

Fotografías:

NA: Natalia Ayala https://alaluzdemisojos.wixsite.com/natayala 

FR: Federico Racchi https://www.lacelebracion.com.uy/federico-racchi 

Guillermo Fernández: https://www.instagram.com/guillermo_ez/?hl=es

HL: Heidi Lender https://heidilender.com


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Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

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Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

En colaboración con Connect, BTS, Aerocene Pacha en Jujuy

La culminación del proyecto de Studio Tomás Saraceno en colaboración con CONNECT, BTS Aerocene Pacha sigue consagrando a Tomás Saraceno como uno de los artistas latinoamericanos más audaces e imaginativos de su generación.

El proyecto de documentar el vuelo une pasajere usando solo energías atmosféricas desafía la clasificación: Es tanto arte ambientalista, hazaña de ingeniería y propuesta de curación de un director de arte de K-pop.

Pero la participación de CONNECT, BTS propone una premisa central que define todas las partes de lo que sucedió en Salinas Grandes el 28 de Enero: “la común unidad; la comunidad.”—Así lo expresó Ruben “Chino” Galián de Inti Killa de Tres Morros, quien terminó siendo un colaborador clave de este proyecto global que se presentó en su localidad de Salinas Grandes.

 

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Si desglosamos el trabajo presentado en el Centro Cultural Kirchner encontramos que se trata de una colaboración entre tres organizaciones que cumplen cada una un rol distinto: La Fundación Aerocene, encargada del vuelo del Arocene Pacha, la comunidad investigativa Vuela con Aerocene Pacha a cargo de articular el mensaje de la “posibilidad de cohabitar la Tierra de manera ética y sostenible”, y la iniciativa global Connect, BTS cuyo rol en este caso es el de producir la conexión y el trabajo en conjunto de las otras dos organizaciones. 

El vuelo de la escultura voladora marca no solo el primer vuelo humano libre impulsado por el sol, pero también un anhelado hito en la carrera artística de Tomás Saraceno, que lleva 20 años persiguiendo el sueño de volar sustentablemente. Un sueño que por cierto, lo llevó a instancias extremas como fracturarse la espalda en un intento de volar usando un globo aerosol fabricado con bolsas plásticas recicladas. Los colaboradores del Studio Tomás Saraceno reciben la culminación de su trabajo con una profunda emoción a través de la piloto Leticia Márquez, quien aterriza como la campeona que canaliza la euforia de la proeza y como múltiple batidora de récords mundiales. El Studio Saraceno además se ocupó de una serie de producciones audiovisuales que documentan el vuelo con el objetivo de “ver el lanzamiento a través de varias miradas”. El listado de cineastas incluye a Gastón Solinsky, Maxi Liana, Diego Belaunzaran Colombo, Matias Arturo Tarres, Julia Solomonoff y Ana Quiroga por Canal Encuentro, además del equipo audiovisual del Studio Tomás Saraceno. 

Además, la comunidad Vuela con Aerocene Pacha es fundada con el objeto de integrar puntos de vista heterogéneos sobre el proyecto de Connect, BTS y Aerocene. Y en este contexto se invita a las comunidades indígenas de la región a participar en conjunto con la socióloga especialista en extractivismo y derechos humanos. Los representantes de las comunidades indígenas de Tres Pozos, Pozo Colorado, San Miguel del Colorado e Inti Killa de Tres Morros, quienes encuentran coincidencias entre el ethos ambientalista de Aerocene y su tradición de vida en armonía con el medio ambiente articulan un mensaje de protesta contra la explotación de los recursos naturales a través de la minería que se manifiesta en el Aerocene Pacha con el lema “El agua y la vida valen más que el litio”. 

CONNECT, BTS por su parte es una iniciativa global de curadores en Berlín, Londres, Buenos Aires, Seúl y Nueva York con el fin de conectar individuos alrededor del mundo, bajo la propuesta filosófica de BTS “Centrada en la diversidad, el amor y el respeto por la periferia. El credo de BTS se encuentra totalmente permeado en el discurso del megaproyecto Vuela con Aerocene Pacha y es constantemente enfatizado por todos sus colaboradores, sean parte del equipo de Saraceno, el enviado de BTS Daehyung Lee, o algún integrante de las comunidades indígenas locales.

 

En el dia del despegue casi 500 personas se reunieron para ser testigos del hecho en Salinas Grandes, y luego de un desayuno ofrecido por las comunidades locales y de un ritual de agradecimiento a la Pachamama, el globo comenzó a llenarse de aire cada vez más caliente y la piloto logró dar sus primeros pasos en el aire, finalmente elevándose a una altura de 173 metros y recorriendo una distancia de 1,7 kilómetros antes de aterrizar.

Tal vez los más críticos,  se arriesgarán a decir que la obra de Saraceno en esta etapa puede parecer un poco autocomplaciente, sin embargo la hazaña del Studio Tomás Saraceno es sin lugar a duda un enorme paso en la dirección correcta hacia una cultura menos destructiva del ecosistema, y BTS también llega al 2020 posicionado como una fuerza global unificadora que busca romper con estructuras arcaicas de xenofobia, o como parafrasea Tomás Saraceno “Nuestro aterrizaje aquí es un pequeño paso en el aire y un gran salto para el planeta y su clima”.  

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin

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Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

ARTISTA

Kunstformen der Natur

La exposición se puede visitar en Praxis galería de arte. Arenales 1331.

Ernst Haeckl (1834 – 1919) fue un naturalista y filósofo alemán que popularizó el trabajo de Charles Darwin, creando nuevos términos tales como «ecología».
Es considerado uno de los grandes ilustradores del mundo natural del siglo XIX.

Kunstformen del Natur (Formas artísticas de la naturaleza, 1904) es un libro de 100 litografías representando varios de los tipos de organismos vivos, muchos de los cuales fueron descriptos por primera vez por el propio Haekel. El libro hace especial foco en sus aportes a los estudios de los invertebrados marinos, como las medusas y las esponjas.

Kunstformen der Natur influyó en el arte, la arquitectura y el diseño de principios del siglo XX, enlazando ciencia y arte. Bajo el mismo título, Gaspar Libedinsky presenta su obra pictórica.

 

 

Una progresión de precisas
operaciones físicas,

comprensión, tensión, rotación,
generan la obra pictórica.

Cada escobillón es una pincelada.
El peinado de sus coloridas cerdas sintéticas expresa
una diversidad de intenciones plásticas con menor y mayor
grado de control y accidente.

Estas composiciones pictóricas
plasman un universo explosivo de emociones
que remiten a la naturaleza más salvaje:
aquella que aún falta por descubrir.

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Venecia en clave verde

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Venecia en clave verde

Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal

Homenaje a Nicolás García Uriburu en el Bellas Artes, a medio siglo de la coloración del Gran Canal de Venecia.

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición “Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal”, del 29 de junio al 30 de septiembre. La muestra conmemora los cincuenta años de la intervención del artista argentino en las aguas de Venecia, el 19 de junio de 1968. 

“Nicolás García Uriburu es un referente fundamental del land art y, a la vez, un pionero de la conciencia ecológica, que formuló con el lenguaje de la acción artística”, sostiene el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Tiñiendo las aguas de los canales de Venecia durante la Bienal de 1968, proponía una doble lectura en un solo gesto: al restituir su coloración denunciaba la actividad humana que trastoca la naturaleza volviéndola un artificio inútil. Por otra parte, lo disruptivo de la 

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acción, que se realizó en forma clandestina, sin amparo de las instituciones, ponía en cuestión el sistema de las artes, acorde al espíritu de la época”, agrega.

La exhibición, curada por Mariana Marchesi −directora artística del Museo−, se concentra en el período de 1968 a 1974, y reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas, así como un selecto grupo de pinturas realizadas en esos años.

En el marco de la XXXIV Bienal de Venecia convulsionada tras los sucesos del Mayo Francés, García Uriburu llevó a cabo una acción artística que, con el tiempo, marcaría un momento determinante de su carrera. Con la coloración del Gran Canal –enmarcada dentro las tempranas manifestaciones de la performance y del conceptualismo–, el artista argentino reflexionó sobre el rol de la pintura y las alternativas estéticas de la vanguardia, que abogaba por la fusión del arte con la vida.

Tras algunos meses de investigación, optó por utilizar una sustancia fluorescente para teñir las aguas, dado que reunía las condiciones visuales y medioambientales necesarias: inofensivo para la flora y fauna, colorante verde y uniforme. Esta iniciativa fue el origen de las numerosas intervenciones en la naturaleza que el artista desarrolló en distintas aguas del mundo –en Buenos Aires, París, Bruselas, Londres–, y que marcó la dirección de sus obras posteriores, siempre signadas por su preocupación por el medioambiente. 

“Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal” puede visitarse del 29 de junio al 30 de septiembre en las salas 39 y 40 del Museo. 

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Ernesto Arellano

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Ernesto Arellano

ARTISTA

Las Fuentes: Deseo, placer y poder

Las fuentes de interior son recortes del cuadro del Bosco El Jardín de las Delicias que corresponden a la búsqueda de situaciones escultóricas específicas, que hay muchas. Este es un cuadro que se basa en la idea de la composición a través del dibujo, cosa que por un lado facilita la cuestión escultórica y por otro la hace difícil, porque son figurines planos. Cada una de las composiciones tiene que ver con el goce en relación simbólica, principalmente, con el madroño, una fruta muy preciada en el medioevo, un arbusto ornamental de tres metros de altura. Sus frutros son comestibles y tienen propiedades asombrosas, son  antioxidantes, antibióticas, astringentes y hepatotónicas y durante su maduración producen una fermentación natural de los azúcares que produce alcohol.

 

El Bosco es un compilador de determinados desarrollos científicos de la época. El cuadro es un catálogo de pájaros que existen, y también es un bestiario de animales fantáticos, que aperecen en un tamaño mucho menor, ligados al imaginario de las mentalidades del campesinado. Esta diferencia de escala refleja la importancia que el Bosco le otorga a la ciencia, el deseo está puesto en la transmisión del conocimiento científico como si fuera un alimento. El poder político, por su parte, coloca al hombre y la mujer en pie de igualdad, en los cuadros del Bosco son figuras intercambiables donde no existe una jerarquía, la asexuación que se percibe tiende a remarcar esa idea.

Ernesto Arellano, 2018.

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Toto Fernández Ampuero

Toto Fernandez Ampuero. Ofelia.
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Toto Fernández Ampuero

ARTISTA

Siempre me interesó la pintura al óleo como técnica principal de mi obra. En este contexto uno de mis intereses principales gira en torno a los conceptos formales y tradicionales de la pintura, técnicas, materiales y soportes, Dando prioridad al oficio de pintor como punto vital para la creación de una pieza de arte.

Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos, incido mucho en la psicología individual, creo personajes, con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. Busco que la obra sea un punto de partida para empezar un descubrir.

Trato a los individuos, tanto hombres como mujeres, como personajes atemporales sumergidos en un momento que lo sugiere  la propia obra.

Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina, etc. La figuración es la predominante en toda mi obra. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, dejando a los personajes masculinos, el rol de una comparsa que a distancia y silenciosamente acompaña en algunas  obras.

Uso la representación femenina como figura de conflicto: objeto de deseo, para mí es un ideal estético de sofisticación y glamour; pero

 también objeto (y no sujeto) esquivo al deseo. Procuro que predomine una mirada “masculina” del tema del género, los roles y la configuración del erotismo en este contexto.

Mi paleta la considero sobria, depurada y restringida en mis primeras obras, mientras que en la actualidad hay un uso considerable de color y multiplicidad de tonos, influenciada por la cultura urbana actual, así como el diseño y la media.

Mi gusto por valores y patrones globales, históricos y mediáticos hizo de la apropiación de imágenes una constante en mis primeros años, actualmente produzco mis propias las fotografías, busco la/os modelos hago la dirección de arte y el styling. La fotografía se ha vuelto un punto de inicio, más no define la totalidad de mis pinturas, busco que tenga su propia temperatura y composición, yo dejo que el cuadro me vaya guiando hasta su consecución.

Si bien todo esto ha sido un proceso he procurado que sea algo orgánico y natural, en la actualidad mis intereses están en la pintura en gran formato, siempre de manera figurativa.

 He encontrado en la colaboración con otros artistas, experiencias de las que puedo nutrirme, así puedo decir que el desarrollo interdisciplinario ha hecho que pueda desarrollar mi trabajo en otros ámbitos del arte que no dominaba, como las artes digitales o el video.

Toto Fernández Ampuero.

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Nora Unda

detalle Divino Amor 2016 Nora Unda

Nora Unda

ARTISTA

Mi proceso creativo emerge desde una experiencia cercana a la muerte, la que me hizo encontrar en los fragmentos de mi memoria, los recuerdos de mi infancia y me ha llevado a hacer en mis creaciones, una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.

Para desarrollar e inmortalizar  lo que tengo en mi imaginario utilizo como material principal plasticina, porque es volumétrico, lúdico,  transformable y colorido, lo que ha permitido conectarme con fluidez a mi esencia.

Actualmente estoy desarrollando  la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida, siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias.

Los animales son parte de nuestro ecosistema global, nuestra falta de consciencia ha hecho que en el paso de los años, el respeto por su sabiduría y origen sean olvidados.

Mis obras son respuesta a una  reflexión análoga, en torno a mi manipulación de fragmentos de naturaleza artificial y a la manipulación humana hacia el origen de los animales, la que ha tenido como propósito, clasificar para entender el comportamiento de especies según su hábitat y a la vez ha intervenido para crear otras nuevas, apropiándose en algunos casos de la identidad en relación a un país, llegando a perder el respeto por ellos (los animales).

A su vez, mis creaciones, son interpretaciones de ritos de amor, libertad y encuentro, entre un ser que se conoce y  acepta a sí mismo y  desde la unión instintiva entre dos seres sin prejuicios, sin importar su raza, credo o identidad.

Nora Unda , Chile 1982

 

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Mercedes Pérez San Martin

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Mercedes Pérez San Martín

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El peso de las consecuencias
El desarraigo

En mi obra los planos y las formas se fragmentan, los volúmenes se desarman en la tela, las sombras son incoherentes. En los elementos que aparecen en mi pintura hay una continuidad-discontinuidad, un armado y desarmado de líneas y planos que se yuxtaponen. La información es harta, así como los ángulos y direcciones.

Pienso en el papel que juegan los recuerdos en la construcción de la obra, en la identidad del artista. La memoria es mi herramienta de 

trabajo, y sin embargo mi proceso jamás parte de algo consciente, no hay proyectos previos, ni bocetos: mi trabajo es ansioso y meticuloso, pero desmemoriado, se centra en el ahora todo el tiempo.

Pero entonces, si mis formas y líneas se fragmentan ¿responden ellas a una fragmentación interna? ¿Qué lugar ocupa en mi memoria el mundo contemporáneo, la vida urbana, mis sucesivas migraciones, adaptaciones, re-adaptaciones y maternidades en distintas ciudades, culturas, comunidades,? ¿Qué sucede luego con mi identidad? Será que mi obra habla acerca de la inmigración y sus consecuencias. Será que parte de una necesidad de destrabar recuerdos.

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