Art Basel Paris

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Art Basel Paris

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Art Basel is a like a vortex of fantastic revolutionary ideas that are represented in many different ways by diverse minds, which are capable of intrinsic lifestyles, approaches to devices, materials, creations, art in general, and also, that interact with the art fair in a special way. 

I can imagine “ The garden of delights’ by El Bosco, the dutch painter of 1500. It also reminds me of a digital artwork of Studio Smack at “Coleccion Solo” in Madrid, an interactive big screen showing millions of creatures moving through the place in ways a lot of people could be seen moving around in masses. 

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Art Basel Paris, was, in my opinion, a boutique, a little bit quiet, more organized, and a beautiful art fair. This did not happen to me when I arrived at Art Basel Miami 2 years ago, where the city is more like “ revolutionized” about it like foreign fanatics take the streets. Here the scene is more easygoing. French people somehow got the dynamic a little bit relaxed but also out of control, like, everything was settled, but not just people from the art scene, but tourists, visitors, artists in Paris, designers, etc, were all there, like “of course we came to Paris, what else are we gonna do here?”. 




My press pass was for 3 pm, i went there on the morning of October 30th, and nobody could tell me why i couldn’t get in at that moment. Suddenly an Art Basel Paris manager appeared and explained to me the situation. It was not a big deal, I went to Palais de Tokyo and came back. 

The main exhibition sector of Paris + par art Basel features 140 galleries specializing in modern and contemporary art, displaying exceptional quality work including paintings, drawings, sculptures, installations, photography, video, and digital art. 

I started walking through the art fair. I did not have much time but 3 hours for it. I had a meeting afterward and the whole art Basel Paris scene was in front of me. 

I usually do it per row, the first line of galleries was mixed from all over Europe, and most galleries were. The Grand Palais Éphémère is 15 minutes away from Tour Eiffel.

The inaugural edition of Paris+ par Art Basel brought together 156 premier galleries from 30 countries and territories – including 61 exhibitors with spaces in France – in a new flagship event that further amplifies Paris’s international standing as a cultural capital. A strong line-up of galleries from France was joined by exhibitors from across Europe, Africa, Asia, North and South America, and the Middle East for a global showcase of the highest quality. Reaching beyond the Grand Palais Éphémère, the fair presented an active cultural program from morning to night, all week, and throughout the city, through a robust program of collaborations with Paris’s cultural institutions and its city-wide sector Sites.

The debut edition of Paris+ par Art Basel was attended by leading private collectors from France and across Europe, the Americas, the Middle East, Asia and Africa, as well as museum directors, curators, and high-level patrons from approximately 140 cultural organizations including: Albertina, Vienna; Art Institute of Chicago; By Art Matters, Hangzhou; The Bourse de Commerce – Pinault Collection, Paris; CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux; Centre Pompidou, Paris; Dia Art Foundation, New York; Elgiz Museum, Istanbul; Fine Arts Museums of San Francisco; Fondation Louis Vuitton, Paris; Fondazione MAXXI, Rome; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; ICA Boston; Jeu de Paume, Paris; Lafayette Anticipations, Paris; Leeum Museum of Art, Seoul; Les Abattoirs, Toulouse; Los Angeles County Museum of Art (LACMA); The Metropolitan Museum of Art, New York; Moderna Museet, Stockholm; Mudam – The Contemporary Art Museum of Luxembourg; Munchmuseet, Oslo; Musée d’art contemporain de Lyon; Musée d’art contemporain de Montréal; Musée d’Art Moderne de Paris; Musée d’Orsay, Paris; Museo Tamayo, Mexico City; The Museum of Modern Art, New York; Nasjonalmuseet, Oslo; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; New Museum, New York; NSU Art Museum Fort Lauderdale; Palais de Tokyo, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Serpentine Galleries, London; Tate, London; and Zachęta – National Gallery of Art, Warsaw.

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The fair welcomed President of France Emmanuel Macron and French Minister of Culture Rima Abdul Malak. First Lady Brigitte Macron was also in attendance on the fair’s first public day. During his visit, President Macron congratulated Art Basel on having reinvented a true international contemporary art fair in Paris.

‘I believe this week marks a true inflection point for the arts community in France, one in which Paris’s cultural actors came together to collectively present, on the global stage, the best of what the city has to offer,’ said Clément Delépine, Director, Paris+ par Art Basel. ‘The excitement in the halls and throughout Paris is testament to the city’s renewed momentum and the spirit of collegiality which has made the extraordinary success of this first edition possible’. 

‘This is a truly historic moment for Art Basel,’ said Marc Spiegler, Global Director, Art Basel. ‘Despite having only nine months to prepare, this felt like a strong show in every way. Collectors came from all over the world and were rewarded with the highest quality of artworks in the booths. We couldn’t have hoped for a better debut in this amazing city, whose cultural scene continues to go from strength to strength.’

Galleries exhibiting across all sectors of Paris+ par Art Basel –including Galeries Émergentes, the fair’s premiere sector dedicated to galleries presenting young and emerging artists –remarked on their experiences of the debut edition:

Galeries

‘Art Basel is the plus for Paris! The fair and its organization have strongly reinforced Paris’s artistic energy. We are seeing more collectors, from the US and Asia notably, sales are high, and the audience is eager to discover new talents as well as modern masters. I could not dream of more for Paris.’

Kamel Mennour, Founder, kamel mennour (Paris)

‘It was an honor to be part of Art Basel’s first Paris edition, having participated in all of the fair’s locations for many successful years. The quality and number of important international collectors remained high, and we placed several works in significant collections in the first few hours of the fair opening.’

Monika Sprüth and Philomene Magers, Co-owners, Sprü̈th Magers (Berlin, London, Los Angeles)  

‘I expected Paris+ par Art Basel to be a vibrant and dynamic fair, but now I think it should be called Paris+++. A great job in so little time! At the fair I engaged with people from Australia to Latin America, from North America to Asia. Paris is at the heart of these beautiful and diverse connections. Seeing President Macron and Minister of Culture Rima Abdul Malak come to support the fair and its galleries is a great sign. It shows that culture in France is at the center of the current agenda, and it places France at the center of culture in the world!’

Lorenzo Fiaschi, Director, Galleria Continua (San Gimignano, São Paulo, Beijing, Havana, Les Moulins, Paris, Rome)

‘Paris+ was beyond expectations; it’s a fair which brought us all together again in the most elegant and transformative way. The sales were to A-plus collectors and foundations that we haven’t seen in a few years, and the fair reminded us of the before times. We want to thank the Art Basel team for creating such a significant fair in such a short period of time, further building upon the foundation that FIAC established.’

Lisa Spellman, Owner and Director, 303 Gallery (New York)

‘We were thrilled by the energy of the fair and impressed by the truly global cross-section of great collectors we saw on the first day – the most astute Europeans and Americans, as well as great Asian clients. Paris has always been an art capital and a place our partners consider a second home, but this week we felt a whole new momentum here. And so LGDR’s focus for this first edition of Paris+ was on quality, with works by modern and contemporary artists that are the ne plus ultra of their oeuvres. The response to our presentation was fantastic, with many works on our stand sold, and just as important, so many marvelous conversations made possible by the fair’s atmosphere – neither too grand nor too intimate, but just right.’

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Amalia Dayan, Co-Founder, LGDR (New York, Hong Kong, Paris, London)

‘The inaugural Paris+ par Art Basel was a success for us, and I believe for many of our colleagues, too. The early crowd was reminiscent of a typical Art Basel preview day, with collectors coming from all over Europe and the US, and we were pleased to see so many collectors from Asia in person again. We were especially happy to have conversations with many major international museum directors and curators.’

David Zwirner, Owner, David Zwirner (New York, London, Paris, Hong Kong)

‘This first edition was particularly dynamic for us and very satisfying! We were sold out from the very first day and placed works with American, Belgian, French, Mexican, and South African collectors. Many of the works entered the collections of foundations and museums.’

Loïc Garrier, Paris Director, Ceysson & Bénétière (Paris, Saint-Etienne, Lyon, Koerich, New York)

‘We are so proud to have participated in the inaugural edition of Paris+ par Art Basel. The sales were significant, and the energy throughout the fair grounds and the city was fantastic to experience. We are incredibly grateful for the support and organization of the fair, now in this new city.’

Max Falkenstein, Senior Partner, Gladstone Gallery (New York, Brussels, Rome, Seoul)

‘It was one of the best fairs the gallery has participated in, and not only from a sales perspective. We were delighted to see many collectors from all over the world, American trustees but also French collectors.’

Jérôme Poggi, Founder, Galerie Jérôme Poggi (Paris)

‘The arrival of Art Basel to Paris has undoubtedly added great momentum to the ecosystem of the French capital. We saw much more international attendance to the fair with sales being both strong and consistent. Paris has so much to offer, and we are very happy to be a part of this comeback of the city.’

Mathieu Paris, Senior Director, White Cube (London, Hong Kong)

‘With the concentration of international collectors, curators, and art world players, everyone seems to be in Paris and Paris+ par Art Basel has definitely increased the attractiveness of the city’s art market. Since some time, Paris is experiencing a strong renaissance and has gained back an important role as an art world capital. Paris+ was a strong sign for this.’

Thaddaeus Ropac, Founder, Thaddaeus Ropac (London, Paris, Salzburg, Seoul)

‘We were delighted to reconnect with several collectors, particularly from Hong Kong and Southeast Asia, who we have not seen for some time, due to travel restrictions. The network of Paris+ par Art Basel collectors is of high quality. Paris is booming, with major galleries that used to shun the French capital moving in and private foundations multiplying.’

Anna Kraft, Director, galerie frank elbaz (Paris)

‘Artists and collectors have always been particularly drawn to Paris for its art historical importance and cultural resonance. Many of our artists were keen to place their works specifically in prestigious French collections, and with the excitement around the inaugural edition of this fair they have put forward both new and historically important works. This has been greatly appreciated by local collectors and those from far and wide.’

Serena Cattaneo Adorno, Director, Gagosian (Geneva, Basel, Gstaad, Rome, Athens, Hong Kong)

‘The increase in the quality of the works presented and the profile of the players led to a higher number of sales. The installation by Ashley Hans Scheirl and Jakob Lena Knebl at the entrance to our booth, echoing the Austrian Pavilion at the last Venice Biennale, will join the prestigious collection of one of the leaders in the tech industry. It will also result in exhibitions in several institutions for this duo, whose work will be shown next year at the Palais de Tokyo and in the Falckenberg Collection in Hamburg.’

Hervé Loevenbruck, Founder, Loevenbruck (Paris)

‘James Thurber once said that “the whole of Paris is a vast university of art’, and this first Paris+ fair week confirms those words remain absolutely true. For us at Hauser & Wirth, the atmosphere is particularly inspiring as we’re preparing our new Paris space to open next year. Our stand at Paris+ reflected our delight in being here and our commitment to art of the highest caliber, through a concise selection of museum-quality works by gallery artists, with each represented by the very best of his or her oeuvre. And it was clear on this first day of the fair that collectors and curators have gotten the assignment: Major works went quickly within the first few hours of Day 1.’ 

Marc Payot, President, Hauser & Wirth (Hong Kong, Ciutadella de Menorca, Gstaad, St. Moritz, Zurich, London, Somerset, Los Angeles, New York)

‘Paris is buzzing. Art Basel’s debut undoubtedly confirmed the city’s status as an art capital. This was echoed by the numerous extraordinary exhibitions across town – not least the important show of Alice Neel at the Centre Pompidou, on the artist’s political and social engagement – and strong sales and international attendance at Paris+.’

Xavier Hufkens, Owner and Founder, Xavier Hufkens (Brussels)

‘I am positively surprised by the international audience and institutional attendance. There was an incredibly good atmosphere and interesting conversations, and we are happy to report positive sales, as well as connecting with many interesting French collections that have strong links to the fashion industry.’

Emanuel Layr, Founder, Layr (Vienna)

‘A great success for the first edition of the Art Basel fair in Paris. We were able to witness a profusion of international clients from all over the world, an audience rarely seen at an event of this type in Paris. This first edition probably announces the comeback of Paris at the center of the art market.’

Benoît Sapiro, Founder, Galerie Le Minotaure (Paris)

‘With this first edition of Paris+ by Art Basel, we have seen a real improvement in the quality of the works exhibited, with collectors coming from all over the world: this has resulted in a real emulation which allowed us to say, on Friday afternoon, that the fair is already a success.’

Nathalie Obadia, Founder, Galerie Nathalie Obadia (Paris, Brussels)

‘It was a thrill for us to have such a positive reception during the opening hours of the inaugural Paris+ par Art Basel from international collectors and curators. Having done FIAC for a decade, I am thrilled to keep the gallery’s French presence alive with Paris+.’

Jessica Silverman, Founder, Jessica Silverman (San Francisco)

‘We are very pleased with our participation in Paris+. There is a strong dynamic at the fair; we notice the presence of many collectors, and notably of a new generation, which is very interesting. And there was no slowdown in transactions, even three days after the opening. All in all, an excellent edition!

Pietro Spartà, Founder, Galerie Pietro Spartà (Chagny)

‘I am thrilled to have taken part in the first edition of Paris+ par Art Basel. This is another exceptional platform that the organizer provided, allowing me to showcase our Japanese artists to a wider group of European and international audiences. The fair has already proven to be a key meeting point for the art community globally. I am glad to connect and engage with the sophisticated and emerging collectors in this city and beyond.’

Atsuko Ninawaga, Owner and Director, Take Ninagawa (Tokyo)

‘We were surprised by the number of First Choice guests and the number of collectors, which is exceptional per square meter. We had visitors from the United States, Latin America, China, but also from Turkey. We have never had such a rush, such excitement around the former FIAC. ’

Anne-Claudie Coric, Executive Director, Templon (Paris, Brussels)

Galeries Émergentes

‘We were thrilled to participate in the inaugural edition of Paris+ par Art Basel, which has brought greater attention and visibility to our gallery presentation, programme, and artists. We are even more delighted that Akeem Smith showing at our booth has been selected to carry out a special commission as part of the fair’s partnership with the Galeries Lafayette group and whose work will be supported through the production of a new piece in the workshops of Lafayette Anticipations.’

Pauline Seguin, Founder, Heidi (Berlin)

‘We are absolutely delighted about the first edition of Paris+ par Art Basel, which we think was incredibly well organized. We had a lot of insightful conversations, and participating in the fair was a decisive step in the development of the gallery.’

Oswaldo Nicoletti, Founder, Nicoletti (London)

‘We are very proud we were able to show Jessy Razafimandimby in such an important context for the Paris art scene. The fair went very well for us; we sold works from the booth and our inventory to a lot of foreign collectors we were meeting for the first time.’

Marie Madec, Director, sans titre (Paris)

‘The fair vastly exceeded our expectations. Our booth by London-based Patrick Goddard sold out within hours on the first day. We have had incredible conversations about the artist’s practice. Crucially, the impressive quality of engagement with Goddard’s work is a testament to what Paris+ is offering.’

David Hoyland, Founder and Director, seventeen (London)

‘Paris+ par Art Basel is one of the best fairs we’ve participated in since opening the gallery. The emerging section in particular, which we were a part of, was small but very strong, and we were honored to be present.’

Beatrice Beugelmans, Assistant Director, Chris Sharp Gallery (Los Angeles)

Galeries

The main sector of the fair featured 140 of the world’s leading galleries which presented the highest quality of painting, sculpture, works on paper, installation, photography, video, and digital works. For the full list of exhibitors in Galeries, please visit parisplus.artbasel.com/galeries.

Galeries Émergentes

Dedicated to emerging galleries across the globe, Galeries Émergentes featured 16 solo presentations. Exhibitors included Antenna Space from Shanghai, Instituto de visión from Bogotá and New York, LC Queisser from Tbilisi, Marfa’ from Beirut, Parliament from Paris, Galeria Dawid Radziszewski from Warsaw, sans titre from Paris, and Veda from Florence. 

Supported by groupe Galeries Lafayette, artist Akeem Smith, represented by Heidi in the sector, was selected by a specially appointed jury to produce a new piece in the workshop of the Lafayette Anticipation – Fondation Galeries Lafayette. The new work will be exhibited at Lafayette Anticipations in 2023. As part of the initiative, Heidi will be reimbursed its fair participation fee.

The jury was composed by Guillaume Houzé, Rebecca Lamarche-Vadel, Myriam Ben Salah, Agnes Gryczkowska, and Jean-Marie Appriou.

For the full list of exhibitors in Galeries Émergentes, please visit parisplus.artbasel.com/galeries-emergentes

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Bs.As. Argentina 

Estampa Feria en Madrid

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Estampa Feria en Madrid

El coleccionismo y el galerismo de arte contemporáneo en España se dan cita en el 30 Aniversario de Estampa

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Del 13 al 16 de octubre la feria celebra tres décadas impulsando el coleccionismo de arte contemporáneo. El Programa General cuenta con la participación de las principales galerías nacionales, e incorpora otras más jóvenes que actualizan las transformaciones de nuestro mercado. Crecen los programas de coleccionistas nacionales e internacionales que reflejan la vitalidad y el interés por el galerismo en España. Los artistas invitados en esta ocasión, Jordi Teixidor y José María Yturralde, han creado nuevas obras para presentar en la feria junto a un estudio de sus influencias musicales. Madrid, 13 de octubre de 2022.- La feria Estampa celebra su 30 Aniversario del 13 al 16 de octubre en el pabellón 5 del recinto ferial de IFEMA MADRID. Una edición conmemorativa que cuenta con la participación de más de 100 galerías de arte contemporáneo, con obras de cerca de un millar de artistas nacionales e internacionales.

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 Esta convocatoria, consolidada como la gran cita de otoño del mercado del arte en España y una referencia para el galerismo y el coleccionismo en nuestro país, cuenta en esta ocasión con la intervención de Jordi Teixidor y José María Yturralde como artistas invitados.

Galerías Con un crecimiento notable en el número de solicitudes que optan a un stand en la feria, el 30 Aniversario cuenta con las principales galerías de la escena galerística nacional, incorporándose hasta una veintena de nuevos proyectos creados en España en los últimos años, que muestran las transformaciones y evolución más vibrante del mercado español. De acuerdo con la vocación de la feria de ser el referente del arte contemporneo en España, conforman el Programa General las principales galerías del país, entre las que cabría mencionar nombres tan destacados como, Juana de Aizpuru (Madrid), Moisés Pérez de Albéniz (Madrid), Cayón (Madrid/Menorca/Manila), José de la Mano (Madrid), NF/Nieves Fernández (Madrid), Máx Estrella (Madrid), Fernando Pradilla (Madrid), Mayoral (Barcelona), Juan Silió (Santander), Zielinsky (Barcelona), Leyendecker (Tenerife), Álvaro Alcázar

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ArtNueve (Murcia), Rafael Pérez Hernando (Madrid), ATM (Gijón), F2 (Madrid), T20 (Murcia) y Espacio Valverde (Madrid). Así mismo el Programa General refuerza e incorpora las galerías de última generación como Yusto/Giner (Madrid/Marbella), VETA (Madrid), Arniches26 (Madrid), Cerquone (Caracas/Madrid), Swinton Gallery (Madrid), La Causa (Madrid), Herrero de Tejada (Madrid), Artizar (Tenerife), La Bibi Gallery (Palma de Mallorca), Tuesday to Friday (Valencia), WeCollect (Madrid) o 3 Punts (Barcelona). Destaca también la participación de galerías dedicadas a fotografía como Blanca Berlín (Madrid), Valid Foto (Barcelona), Cámara Oscura (Madrid), Bernal Espacio (Madrid) o A Pick Gallery (Turín, Italia). A la sección comisariada por Alicia Ventura acuden Ponce + Robles (Madrid), Senda (Barcelona), Rosa Santos (Valencia/Madrid), Jorge López (Valencia), Marta Cervera (Madrid) y Rocío Santa Cruz (Barcelona).

Artistas invitados Por otra parte, Jordi Teixidor y José María Yturralde, como artistas invitados, presentan sendas obras específicamente realizadas para la feria y cuyo tema se centra en su relación con la música y el sonido. Este programa conmemorativo del 30 aniversario de Estampa se establece a partir del análisis y estudio de las referencias, intereses, influencias y aportaciones acústicas, científicas y musicales que el compositor y musicólogo Miguel Álvarez Fernández realiza sobre la obra de los artistas invitados, para reunir sus resultados en un álbum conmemorativo con toda la documentación surgida del estudio y una edición de estos sonidos en un disco de vinilo en edición limitada para coleccionistas.

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Entrevista a Sebastián Masegosa por María Carolina Baulo

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Sebastián Masegosa

Los juegos de la mente

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No hay que ser un erudito para reconocer la base expresionista y la fuerte presencia gestual en la obra de Sebastían Masegosa.
Inicialmente dueño de una paleta saturada y la rigurosidad de las estructuras abstractas que organizaban la lectura del plano, en series tales como “Las Diferentes Líneas”, basada en el I-Ching, el artista nos acerca a un mundo de correspondencias con los hexagramas del libro del oráculo, estableciendo vínculos con aquel principio donde cuanto más seguro se encuentra uno consigo mismo, mucho más abierto a recibir la mirada del otro y a mostrarse con la menor cantidad de máscaras posibles. Obras que limitan la paleta a dos o tres colores y donde el negro dibuja trazos aparentemente azarosos, la tela se ha despojado de las explicaciones, ha dejado se llenarse de pregnantes manchas y pinceladas con alto protagonismo desde lo formal y lo matérico para descubrir una tela casi monocroma. Son estos trabajos que se revelan dentro de una tradición informalista, con preponderancia de una gestualidad visceral, los que van enriqueciendo su vocabulario plástico con el tiempo.

Tal es así que su última serie, “Mind Games” –juego de palabras con la obra de John Lennon de 1973- compuesta íntegramente durante la pandemia, atravesada por una espiritualidad y sensibilidad abrumadora, que el artista hace girar 180 grados la percepción del espectador de sus obras en tanto la monocromía apagada de la paleta se enciende de colores vibrantes. Obras que combinan materiales tales como ácidos, acrílicos, oleos, pintura de auto, lacas, todos aplicados con pinceles, espátulas, lijas, así como trapos o cualquier elemento disruptivo que logre ejecutar las manchas buscadas por el artista. En esos planos de materia de puro color, se dibujan recorridos inciertos donde cada una de las técnicas busca recuperar, aun en la convivencia, cierto protagonismo dentro de los límites de su tela. Trabajos donde el gesto por una línea que aporta la cuota de estabilidad mínima ante la tentación que llama desde el precipicio de las pasiones incontrolables. 

El artista utiliza la pulsión que le prohíbe dejar de pintar como si fuese una suerte de instinto animal que lo trasciende y rescata de una realidad alienante. Sin embrago, la obra se permite el desborde dentro de la línea rígida inicial que marca la estructura que finalmente será violentada con esa impronta salvaje cuasi agresiva. El artista parte de la línea razonada, luego pinta aleatoriamente, retira las cintas y rescata el armazón que necesita. Y es en esa ida y vuelta mental, ese “juego” al que alude la obra de Sebastián Masegosa cuando se sostiene entre dos mundos opuestos y complementarios.

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Maria Carolina Baulo: Me gustaría empezar por preguntarte ¿Cómo te acercas al arte?. Yo siempre digo y sostengo que no se elige ser artista, es como una suerte de pulsión arrolladora que no responde, necesariamente, al orden de lo racional.

Sebastián Masegosa: El acercarse es una imagen que puede ser consensuada o no por dos puntos. Aunque uno de ellos lo observamos como el “activo” en relación al otro, creo que esos dos puntos o lugares definitivamente se acercan el uno al otro siempre. Tengo la sensación de que si yo me acerque al arte, el arte también se acerco a mi. La vida es arte y yo soy parte de ella. Para mi hablar de arte y hablar de la vida es exactamente lo mismo. No hay diferencia alguna. Todo es necesidad y así fue desde un principio. En mi vida el arte lo experimenté de esa forma. Es como respirar, es lo que me hace seguir creyendo en algo, más allá de la razón, lo que me permite soñar y también esta totalmente ligado a mis sensaciones y a mis emociones. Exactamente como decís, lo comparto en su totalidad. No creo que se elija ser artista, como tampoco se elije nacer. Lo que sí podemos elegir sin saber el resultado de antemano, es a qué jugar y de qué forma hacerlo. Y ahí es donde cada uno de nosotros tiene la libertad de bocetar quién quiere ser y qué quiere hacer de su vida, sea cual fuere el resultado. La necesidad de “ser” en todo momento esta ahí, evitable o inevitablemente con cada decisión que tomamos nos interrelacionamos e influimos en la vida de los demás directa o indirectamente. Todosestamos conectados y en parte todos somos “artistas” de diferentes formas y con distintas búsquedas. Mi acercamiento al arte fue desde siempre. Los primeros recuerdos de mi madre tocando el piano, el olor de los óleos en cada rincón de mi casa y en cada taller en los cuales mi hermano (Gabriel) y mi hermana (Pupi) asistían siendo yo muy pequeño como para tomar clases, pero lo suficientemente grande como para acompañar y sentarme en algún rincón a dibujar algunas cráneos de vacas que luego con los años comprendí que se usaban para ejercicios de naturaleza muerta. Tendría unos 6 años. El acercamiento lo viví desde siempre, con cada contacto con diferentes mundos y formulas artísticas desde musicales hasta visuales. No conozco otra imagen que me represente mejor que esa. Todo fue arte desde un principio.

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MCB: ¿Cuáles son tus referentes en el mundo del arte y cómo se dio tu formación profesional?

SM: Referencialmente lo mas conmovedor fue descubrir los conceptos y los caminos en los cuales los grandes artistas me mostraron que podría haber diferentes formas de jugar, entender que cada uno tenia la opción y libertad de crear y de poder ser quien uno deseaba ser. Eso fue lo más importante que me regalaron los denominados “artistas consagrados” sin ellos saberlo (los grandes pintores de la historia en esos libros, estaban jugando conmigo). La curiosidad en mi niñez de esas tardes y noches en casa observando esos enormes libros de arte clásico, desde el impresionismo hasta el arte pop navegando por cada movimiento, mi mirada como degustando un pastel con los ojos (podría nombrar decenas de artistas) y deleitándome siempre con las mismas imágenes, con los mismos trazos, colores e historias que yo creaba en mi mente de una manera lúdica. Lo descifraba y disfrutaba repetidamente de una forma casi adictiva. Dentro de los movimientos en el arte plástico mi gran flechazo lo logró el informalismo americano de los años 50. Aquellos grandes creadores con todo su instinto, con toda su pasión, su irracionalidad. Algo salvaje y seductor, hipnótico y también primario, algo de lo que no podría escapar nunca más, lo supe desde el primer momento, volviendo una y otra vez a sumergirme en cada “mancha” que no tenía racionalidad pero era animalmente atractiva. La fe y el azar pueden ser el mayor motor para sobrevivir artísticamente. La formación me parece rígida si es tomada dogmáticamente. Sí creo y defiendo la formación artística como experiencia y es ahí en donde centré mi atención en un principio por curiosidad y luego por determinación. Desde muy joven me acompañaron los talleres que formaron parte natural de mi crecimiento intelectual y sensorial. Mi búsqueda en la música y en el cine también fueron ciertos mojones que enriquecieron mis otros sentidos de una forma decisiva. Nada queda aislado nunca, cada aprendizaje se alinea a otro y así sucesivamente, cada parte toma su lugar hasta que llega el momento de “abrir el telón”.

MCB: ¿Cuáles son tus referentes en el mundo del arte y cómo se dio tu formación profesional?

SM: Referencialmente lo mas conmovedor fue descubrir los conceptos y los caminos en los cuales los grandes artistas me mostraron que podría haber diferentes formas de jugar, entender que cada uno tenia la opción y libertad de crear y de poder ser quien uno deseaba ser. Eso fue lo más importante que me regalaron los denominados “artistas consagrados” sin ellos saberlo (los grandes pintores de la historia en esos libros, estaban jugando conmigo). La curiosidad en mi niñez de esas tardes y noches en casa observando esos enormes libros de arte clásico, desde el impresionismo hasta el arte pop navegando por cada movimiento, mi mirada como degustando un pastel con los ojos (podría nombrar decenas de artistas) y deleitándome siempre con las mismas imágenes, con los mismos trazos, colores e historias que yo creaba en mi mente de una manera lúdica. Lo descifraba y disfrutaba repetidamente de una forma casi adictiva. Dentro de los movimientos en el arte plástico mi gran flechazo lo logró el informalismo americano de los años 50. Aquellos grandes creadores con todo su instinto, con toda su pasión, su irracionalidad. Algo salvaje y seductor, hipnótico y también primario, algo de lo que no podría escapar nunca más, lo supe desde el primer momento, volviendo una y otra vez a sumergirme en cada “mancha” que no tenía racionalidad pero era animalmente atractiva. La fe y el azar pueden ser el mayor motor para sobrevivir artísticamente. La formación me parece rígida si es tomada dogmáticamente. Sí creo y defiendo la formación artística como experiencia y es ahí en donde centré mi atención en un principio por curiosidad y luego por determinación. Desde muy joven me acompañaron los talleres que formaron parte natural de mi crecimiento intelectual y sensorial. Mi búsqueda en la música y en el cine también fueron ciertos mojones que enriquecieron mis otros sentidos de una forma decisiva. Nada queda aislado nunca, cada aprendizaje se alinea a otro y así sucesivamente, cada parte toma su lugar hasta que llega el momento de “abrir el telón”.

Sí tengo fé en el resultado de su interacción y en su propia naturaleza ya que cada material que utilizo lo conozco realmente a fondo. Los materiales pueden ser desde pigmentos, ácidos y hasta un simple grafito, pasando por lacas, barnices, etc. El abanico es inmenso y con los años fui expandiéndolo como un bandoneón que expande su fuelle para “tomar aire”. Así también se expandieron las opciones con cada nuevo material que sumaba, dándole más lugar a la diversidad y así más opciones y “aire “ a mis libertades creativas. Tal vez como el rasgo de un alquimista hablando poéticamente. Los materiales en soledad los veo obsoletos, algunos carecen de carácter y en muchos casos hasta de sentido como para ser opciones en distintas propuestas creativas; como si tomara los elementos separados para hacer una torta! Pero también el contrapunto es que su convivencia e interacción pueden hasta crear vida. Eso es lo mágico! Esa es la magia. La vida también me parece enorme, mis obras necesitan tener otro tamaño, necesitan respirar, vivir. Pero todavía no llegue a esa escala buscada en mis sueños. La “gran” obra es la búsqueda permanente.

MCB: Y llega el momento del concepto que, a mi entender, siempre existe en la obra aún cuando el artista crea desconcertó. ¿Cómo te relacionas con la reflexión teórica que vos mismo ejerces sobre tu trabajo: partes de una idea o va apareciendo en el hacer?

SM: Siempre confío en mi instinto, siempre fue y será así. Sólo dejo que suceda lo que tenga que suceder y sí lo que hago es decidir qué elementos van a interactuar entre sí en ese momento especifico y objetivo que es parte de la evolución de la obra. Todo está relacionado y solo lo que tengo que hacer conscientemente es observar lo que ocurre en el soporte o en el objeto intervenido como si estuviese esperando un milagro con una mirada casi de asombro infantil, como cuando observaba la puesta de sol mientras los colores danzaban y jugaban en el cielo hasta desaparecer. En este caso sin desaparecer. El concepto está acechando casi inconscientemente y misterioso observándolo todo desde otro lugar. En el momento de la creación no interviene directamente, pero siempre se que está detrás de cada pulsión gestual que en ese momento es la protagonista, es física es casi animal. El razonamiento aparece en breves destellos para tomar ciertas decisiones y con la noción de que no todo sea azar ya que no tendría un sustento ni una búsqueda real. No le exijo a la obra que “sea”. Ella me permite ser a mí.

MCB: “Mind Games” fue tu última serie y lleva el mismo nombre la muestra que hiciste en Mundo Nuevo Art Gallery en Agosto-Septiembre 2021. Tengo el honor de haberte acompañado en la curaduría y me gustaría compartieras con el lector la experiencia de trabajar una muestra íntegramente en condiciones de confinamiento por la pandemia: ¿Qué te motivó a hacerla, cómo trabajamos, cómo se pensó la estructura, título, montaje de la muestra?.

SM: El honor de trabajar juntos y poder compartir otra bisagra artística en mi vida es totalmente valorado por mí. Todo lo que pasó desde un principio fue respetar la simple respuesta visceral en el momento que ocurrió y la evolución de esta reacción como una forma de supervivencia artística analógica a la vida propia como artista y como ser humano en ese momento especifico que estaba transitando de una forma violenta la sociedad, toda la humanidad. Fue reacción y consecuencia. La motivación no la necesité en ningún momento. Fue como un tsunami en donde la vida y la muerte se sacudieron violentamente. En donde los parámetros sociales cambiaron radicalmente y el miedo tomó el protagonismo como nunca antes observe en mis años de vida. Solo viví la experiencia. El trabajo en conjunto terminó de armar ese rompecabezas guiado por una pulsión pura. El título fue una decisión perfecta, exacta, certera y parte de la letra de Mind Games refleja de una forma casi asombrosa el juego de la mente que todos jugamos y jugaremos por siempre… Todo lo demás, desde la curaduría , la disposición de las obras respetando la impronta del atelier representado en la galería y la fluidez energética de las decisiones puntualmente exactas fue lo que me permitió descansar por un momento y observar desde fuera lo que había sucedido y eso significa siempre mucho para mí como artista. El poder tomar distancia no es simple. Y el trabajo en conjunto me permitió darme ese descanso. La experiencia de Mind Games fue totalmente extraordinaria.

MCB: Un detalle no menor es que tu trabajo se vio involucrado en proyectos que permiten pensar la obra fuera del plano tomando el espacio, participando de sitios específicos, interviniendo arquitecturas, entre otros. Contamos al respecto.

SM: El espacio como concepto siempre esta presente en mi obra y así fue como algunos de varios proyectos que están relacionados a la arquitectura y espacios a gran escala, pude realizarlos conjuntamente con arquitectos y músicos. El primer proyecto fue una intervención de un espacio en Palermo que iba a ser derrumbado para construir un edificio y antes de concretarse la obra, con dos arquitectos del Grupo MIA, improvisamos y decidimos “llenar” todo el interior de este espacio con cortinas de poliuretano creando un laberinto asfixiante, transparente y tapando toda entrada de luz, dejando el lugar en la oscuridad total. Una experiencia lúdica y sensorial, jugando con lasers y efectos de luces y sonidos, creando un ambiente irreal casi fantástico. En otro proyecto también utilizando el espacio vació del pulmón interno del edificio de la Fundación Cassara sobre Av. de Mayo donde colgamos, tomando los 4 pisos a modo de péndulo, un cubo perfecto símil mineral dorado de 1m x 1m con una gran soga trenzada a mano, a su vez sujetada desde la estructura superior del edificio y en la base, separando el cubo de un piso de vidrio por apenas unos milímetros sin llegar a hacer contacto entre ellos. Fue una gran experiencia; algunos proyectos quedaron en stand by y varios proyectos están esperando ver la luz.

MCB: Para cerrar: ¿Cómo definirías a Sebastián Masegosa como artista?

SM: Sebastian Masegosa y sus obstinados juegos de búsqueda insaciable sobre el lienzo. Un artista obsesivo. Un ser que no se conforma nunca como artista, encontrando siempre, sea el precio que sea, los elementos para poder seguir sin saber bien hacia dónde va a ir, pero sí yendo siempre. Con mucha fe y respeto a su intuición y a su pulsión sin abandonar nunca su curiosidad, muchas veces sintiéndose incomprendido y así tomando fuertemente el timón solitario de su nave, entendiendo que en su camino no hay más fe que la que uno puede tener en uno mismo; la infinita sensación de estar en soledad, solo él su arte, solo su arte y él. Esa podría ser su historia. Repetirse no es arte, repetirse es morir, la vida no se repite nunca. Un artista que se repite no es un artista. Sebastián no cree en la creación sin cambios ni accidentes, como la vida misma que es un cambio permanente plagada de ellos. Frente a un espejo o frente a su obra, siempre va estar aquel que desde un inicio buscó, busca y buscara sin saber qué, cómo ni dónde. Y así será hasta que deje esta vida. Del “otro lado” tal vez sea otra historia.

Inauguración MACA – Museo de Arte Contemporáneo Pablo Atchugarry en Punta del Este, Uruguay

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MACA -
Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry

En un impactante proyecto de arquitectura de Carlos Ott, inaugura el nuevo sueño de Pablo Atchugarry en Uruguay: Un museo de arte contemporáneo abierto a todo público, con proyección internacional.

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Ubicado sobre el km 4.5 de la ruta 104 en Manantiales, donde hoy se encuentra la  Fundación Pablo Atchugarry, el nuevo MACA – Museo de Arte Contemporáneo  Atchugarry – buscará posicionar a Uruguay en el mapa de las grandes exhibiciones  internacionales.

En un proyecto edilicio de más 5.000 m2 diseño del arquitecto uruguayo Carlos Ott, el MACA y el Parque de Esculturas que lo rodea, serán un  atractivo destino turístico y cultural durante todo el año.

Allí se podrá tener una visión general de la obra de Christo y Jeanne-Claude en diferentes formatos: Fotografía, dibujos, collages y  planos. La Fundación editará un catálogo bilingüe español-inglés con una entrevista  íntima con los artistas e imágenes de todas las obras exhibidas en la exposición. En  el edificio anexo al museo montaremos la exposición “Heliografías” de León Ferrari. 

El museo alberga la colección permanente Atchugarry que contiene más de cien  obras de artistas latinoamericanos, americanos y europeos entre ellos Julio Le Parc,  Carlos Cruz Diez, Joaquín Torres García, Ernesto Neto y Carmelo Arden Quin. La programación de extensión cultural del MACA ofrecerá ciclos de cine,  conferencias, seminarios y talleres donde participarán diferentes historiadores y  críticos de la región y del mundo, así aspiramos a que el MACA sea un laboratorio  y centro de reflexión, debates y plataforma educativa.

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El MACA inaugura el 8 de enero con una exposición retrospectiva internacional  titulada “Christo y Jeanne-Claude en Uruguay”. Se trata de un conjunto de más de  50 obras provenientes del acervo familiar de los artistas y colecciones privadas que  llega por primera vez a Sudamérica.

Apostamos a un museo  colmado de actividades artísticas, educativas y culturales para todos. Esta gran apertura posiciona a Uruguay en el mapa de los grandes museos  internacionales y, a la vez, potencia el desarrollo de los artistas locales, tanto los  consagrados como los emergentes. Estamos convencidos de que el MACA marcará  un antes y un después en el panorama cultural de la región.

Fotos: Lorena Larriestra y Nicolas Vidal. 


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Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

Gaspar Libedinsky

ARTISTA

Kunstformen der Natur

La exposición se puede visitar en Praxis galería de arte. Arenales 1331.

Ernst Haeckl (1834 – 1919) fue un naturalista y filósofo alemán que popularizó el trabajo de Charles Darwin, creando nuevos términos tales como «ecología».
Es considerado uno de los grandes ilustradores del mundo natural del siglo XIX.

Kunstformen del Natur (Formas artísticas de la naturaleza, 1904) es un libro de 100 litografías representando varios de los tipos de organismos vivos, muchos de los cuales fueron descriptos por primera vez por el propio Haekel. El libro hace especial foco en sus aportes a los estudios de los invertebrados marinos, como las medusas y las esponjas.

Kunstformen der Natur influyó en el arte, la arquitectura y el diseño de principios del siglo XX, enlazando ciencia y arte. Bajo el mismo título, Gaspar Libedinsky presenta su obra pictórica.

 

 

Una progresión de precisas
operaciones físicas,

comprensión, tensión, rotación,
generan la obra pictórica.

Cada escobillón es una pincelada.
El peinado de sus coloridas cerdas sintéticas expresa
una diversidad de intenciones plásticas con menor y mayor
grado de control y accidente.

Estas composiciones pictóricas
plasman un universo explosivo de emociones
que remiten a la naturaleza más salvaje:
aquella que aún falta por descubrir.

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Ernesto Arellano

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Ernesto Arellano

ARTISTA

Las Fuentes: Deseo, placer y poder

Las fuentes de interior son recortes del cuadro del Bosco El Jardín de las Delicias que corresponden a la búsqueda de situaciones escultóricas específicas, que hay muchas. Este es un cuadro que se basa en la idea de la composición a través del dibujo, cosa que por un lado facilita la cuestión escultórica y por otro la hace difícil, porque son figurines planos. Cada una de las composiciones tiene que ver con el goce en relación simbólica, principalmente, con el madroño, una fruta muy preciada en el medioevo, un arbusto ornamental de tres metros de altura. Sus frutros son comestibles y tienen propiedades asombrosas, son  antioxidantes, antibióticas, astringentes y hepatotónicas y durante su maduración producen una fermentación natural de los azúcares que produce alcohol.

 

El Bosco es un compilador de determinados desarrollos científicos de la época. El cuadro es un catálogo de pájaros que existen, y también es un bestiario de animales fantáticos, que aperecen en un tamaño mucho menor, ligados al imaginario de las mentalidades del campesinado. Esta diferencia de escala refleja la importancia que el Bosco le otorga a la ciencia, el deseo está puesto en la transmisión del conocimiento científico como si fuera un alimento. El poder político, por su parte, coloca al hombre y la mujer en pie de igualdad, en los cuadros del Bosco son figuras intercambiables donde no existe una jerarquía, la asexuación que se percibe tiende a remarcar esa idea.

Ernesto Arellano, 2018.

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Toto Fernández Ampuero

Toto Fernandez Ampuero. Ofelia.
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Toto Fernández Ampuero

ARTISTA

Siempre me interesó la pintura al óleo como técnica principal de mi obra. En este contexto uno de mis intereses principales gira en torno a los conceptos formales y tradicionales de la pintura, técnicas, materiales y soportes, Dando prioridad al oficio de pintor como punto vital para la creación de una pieza de arte.

Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos, incido mucho en la psicología individual, creo personajes, con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. Busco que la obra sea un punto de partida para empezar un descubrir.

Trato a los individuos, tanto hombres como mujeres, como personajes atemporales sumergidos en un momento que lo sugiere  la propia obra.

Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina, etc. La figuración es la predominante en toda mi obra. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, dejando a los personajes masculinos, el rol de una comparsa que a distancia y silenciosamente acompaña en algunas  obras.

Uso la representación femenina como figura de conflicto: objeto de deseo, para mí es un ideal estético de sofisticación y glamour; pero

 también objeto (y no sujeto) esquivo al deseo. Procuro que predomine una mirada “masculina” del tema del género, los roles y la configuración del erotismo en este contexto.

Mi paleta la considero sobria, depurada y restringida en mis primeras obras, mientras que en la actualidad hay un uso considerable de color y multiplicidad de tonos, influenciada por la cultura urbana actual, así como el diseño y la media.

Mi gusto por valores y patrones globales, históricos y mediáticos hizo de la apropiación de imágenes una constante en mis primeros años, actualmente produzco mis propias las fotografías, busco la/os modelos hago la dirección de arte y el styling. La fotografía se ha vuelto un punto de inicio, más no define la totalidad de mis pinturas, busco que tenga su propia temperatura y composición, yo dejo que el cuadro me vaya guiando hasta su consecución.

Si bien todo esto ha sido un proceso he procurado que sea algo orgánico y natural, en la actualidad mis intereses están en la pintura en gran formato, siempre de manera figurativa.

 He encontrado en la colaboración con otros artistas, experiencias de las que puedo nutrirme, así puedo decir que el desarrollo interdisciplinario ha hecho que pueda desarrollar mi trabajo en otros ámbitos del arte que no dominaba, como las artes digitales o el video.

Toto Fernández Ampuero.

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Nora Unda

detalle Divino Amor 2016 Nora Unda

Nora Unda

ARTISTA

Mi proceso creativo emerge desde una experiencia cercana a la muerte, la que me hizo encontrar en los fragmentos de mi memoria, los recuerdos de mi infancia y me ha llevado a hacer en mis creaciones, una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.

Para desarrollar e inmortalizar  lo que tengo en mi imaginario utilizo como material principal plasticina, porque es volumétrico, lúdico,  transformable y colorido, lo que ha permitido conectarme con fluidez a mi esencia.

Actualmente estoy desarrollando  la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida, siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias.

Los animales son parte de nuestro ecosistema global, nuestra falta de consciencia ha hecho que en el paso de los años, el respeto por su sabiduría y origen sean olvidados.

Mis obras son respuesta a una  reflexión análoga, en torno a mi manipulación de fragmentos de naturaleza artificial y a la manipulación humana hacia el origen de los animales, la que ha tenido como propósito, clasificar para entender el comportamiento de especies según su hábitat y a la vez ha intervenido para crear otras nuevas, apropiándose en algunos casos de la identidad en relación a un país, llegando a perder el respeto por ellos (los animales).

A su vez, mis creaciones, son interpretaciones de ritos de amor, libertad y encuentro, entre un ser que se conoce y  acepta a sí mismo y  desde la unión instintiva entre dos seres sin prejuicios, sin importar su raza, credo o identidad.

Nora Unda , Chile 1982

 

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