Entrevista a Sebastián Masegosa por María Carolina Baulo

Sebastian Masegosa 5

Sebastián Masegosa

Los juegos de la mente

Sebastian Masegosa 5

No hay que ser un erudito para reconocer la base expresionista y la fuerte presencia gestual en la obra de Sebastían Masegosa.
Inicialmente dueño de una paleta saturada y la rigurosidad de las estructuras abstractas que organizaban la lectura del plano, en series tales como “Las Diferentes Líneas”, basada en el I-Ching, el artista nos acerca a un mundo de correspondencias con los hexagramas del libro del oráculo, estableciendo vínculos con aquel principio donde cuanto más seguro se encuentra uno consigo mismo, mucho más abierto a recibir la mirada del otro y a mostrarse con la menor cantidad de máscaras posibles. Obras que limitan la paleta a dos o tres colores y donde el negro dibuja trazos aparentemente azarosos, la tela se ha despojado de las explicaciones, ha dejado se llenarse de pregnantes manchas y pinceladas con alto protagonismo desde lo formal y lo matérico para descubrir una tela casi monocroma. Son estos trabajos que se revelan dentro de una tradición informalista, con preponderancia de una gestualidad visceral, los que van enriqueciendo su vocabulario plástico con el tiempo.

Tal es así que su última serie, “Mind Games” –juego de palabras con la obra de John Lennon de 1973- compuesta íntegramente durante la pandemia, atravesada por una espiritualidad y sensibilidad abrumadora, que el artista hace girar 180 grados la percepción del espectador de sus obras en tanto la monocromía apagada de la paleta se enciende de colores vibrantes. Obras que combinan materiales tales como ácidos, acrílicos, oleos, pintura de auto, lacas, todos aplicados con pinceles, espátulas, lijas, así como trapos o cualquier elemento disruptivo que logre ejecutar las manchas buscadas por el artista. En esos planos de materia de puro color, se dibujan recorridos inciertos donde cada una de las técnicas busca recuperar, aun en la convivencia, cierto protagonismo dentro de los límites de su tela. Trabajos donde el gesto por una línea que aporta la cuota de estabilidad mínima ante la tentación que llama desde el precipicio de las pasiones incontrolables. 

El artista utiliza la pulsión que le prohíbe dejar de pintar como si fuese una suerte de instinto animal que lo trasciende y rescata de una realidad alienante. Sin embrago, la obra se permite el desborde dentro de la línea rígida inicial que marca la estructura que finalmente será violentada con esa impronta salvaje cuasi agresiva. El artista parte de la línea razonada, luego pinta aleatoriamente, retira las cintas y rescata el armazón que necesita. Y es en esa ida y vuelta mental, ese “juego” al que alude la obra de Sebastián Masegosa cuando se sostiene entre dos mundos opuestos y complementarios.

Foto 5 sebastian masegosa 1

Maria Carolina Baulo: Me gustaría empezar por preguntarte ¿Cómo te acercas al arte?. Yo siempre digo y sostengo que no se elige ser artista, es como una suerte de pulsión arrolladora que no responde, necesariamente, al orden de lo racional.

Sebastián Masegosa: El acercarse es una imagen que puede ser consensuada o no por dos puntos. Aunque uno de ellos lo observamos como el “activo” en relación al otro, creo que esos dos puntos o lugares definitivamente se acercan el uno al otro siempre. Tengo la sensación de que si yo me acerque al arte, el arte también se acerco a mi. La vida es arte y yo soy parte de ella. Para mi hablar de arte y hablar de la vida es exactamente lo mismo. No hay diferencia alguna. Todo es necesidad y así fue desde un principio. En mi vida el arte lo experimenté de esa forma. Es como respirar, es lo que me hace seguir creyendo en algo, más allá de la razón, lo que me permite soñar y también esta totalmente ligado a mis sensaciones y a mis emociones. Exactamente como decís, lo comparto en su totalidad. No creo que se elija ser artista, como tampoco se elije nacer. Lo que sí podemos elegir sin saber el resultado de antemano, es a qué jugar y de qué forma hacerlo. Y ahí es donde cada uno de nosotros tiene la libertad de bocetar quién quiere ser y qué quiere hacer de su vida, sea cual fuere el resultado. La necesidad de “ser” en todo momento esta ahí, evitable o inevitablemente con cada decisión que tomamos nos interrelacionamos e influimos en la vida de los demás directa o indirectamente. Todosestamos conectados y en parte todos somos “artistas” de diferentes formas y con distintas búsquedas. Mi acercamiento al arte fue desde siempre. Los primeros recuerdos de mi madre tocando el piano, el olor de los óleos en cada rincón de mi casa y en cada taller en los cuales mi hermano (Gabriel) y mi hermana (Pupi) asistían siendo yo muy pequeño como para tomar clases, pero lo suficientemente grande como para acompañar y sentarme en algún rincón a dibujar algunas cráneos de vacas que luego con los años comprendí que se usaban para ejercicios de naturaleza muerta. Tendría unos 6 años. El acercamiento lo viví desde siempre, con cada contacto con diferentes mundos y formulas artísticas desde musicales hasta visuales. No conozco otra imagen que me represente mejor que esa. Todo fue arte desde un principio.

Foto 3 sebastian masegosa

MCB: ¿Cuáles son tus referentes en el mundo del arte y cómo se dio tu formación profesional?

SM: Referencialmente lo mas conmovedor fue descubrir los conceptos y los caminos en los cuales los grandes artistas me mostraron que podría haber diferentes formas de jugar, entender que cada uno tenia la opción y libertad de crear y de poder ser quien uno deseaba ser. Eso fue lo más importante que me regalaron los denominados “artistas consagrados” sin ellos saberlo (los grandes pintores de la historia en esos libros, estaban jugando conmigo). La curiosidad en mi niñez de esas tardes y noches en casa observando esos enormes libros de arte clásico, desde el impresionismo hasta el arte pop navegando por cada movimiento, mi mirada como degustando un pastel con los ojos (podría nombrar decenas de artistas) y deleitándome siempre con las mismas imágenes, con los mismos trazos, colores e historias que yo creaba en mi mente de una manera lúdica. Lo descifraba y disfrutaba repetidamente de una forma casi adictiva. Dentro de los movimientos en el arte plástico mi gran flechazo lo logró el informalismo americano de los años 50. Aquellos grandes creadores con todo su instinto, con toda su pasión, su irracionalidad. Algo salvaje y seductor, hipnótico y también primario, algo de lo que no podría escapar nunca más, lo supe desde el primer momento, volviendo una y otra vez a sumergirme en cada “mancha” que no tenía racionalidad pero era animalmente atractiva. La fe y el azar pueden ser el mayor motor para sobrevivir artísticamente. La formación me parece rígida si es tomada dogmáticamente. Sí creo y defiendo la formación artística como experiencia y es ahí en donde centré mi atención en un principio por curiosidad y luego por determinación. Desde muy joven me acompañaron los talleres que formaron parte natural de mi crecimiento intelectual y sensorial. Mi búsqueda en la música y en el cine también fueron ciertos mojones que enriquecieron mis otros sentidos de una forma decisiva. Nada queda aislado nunca, cada aprendizaje se alinea a otro y así sucesivamente, cada parte toma su lugar hasta que llega el momento de “abrir el telón”.

MCB: ¿Cuáles son tus referentes en el mundo del arte y cómo se dio tu formación profesional?

SM: Referencialmente lo mas conmovedor fue descubrir los conceptos y los caminos en los cuales los grandes artistas me mostraron que podría haber diferentes formas de jugar, entender que cada uno tenia la opción y libertad de crear y de poder ser quien uno deseaba ser. Eso fue lo más importante que me regalaron los denominados “artistas consagrados” sin ellos saberlo (los grandes pintores de la historia en esos libros, estaban jugando conmigo). La curiosidad en mi niñez de esas tardes y noches en casa observando esos enormes libros de arte clásico, desde el impresionismo hasta el arte pop navegando por cada movimiento, mi mirada como degustando un pastel con los ojos (podría nombrar decenas de artistas) y deleitándome siempre con las mismas imágenes, con los mismos trazos, colores e historias que yo creaba en mi mente de una manera lúdica. Lo descifraba y disfrutaba repetidamente de una forma casi adictiva. Dentro de los movimientos en el arte plástico mi gran flechazo lo logró el informalismo americano de los años 50. Aquellos grandes creadores con todo su instinto, con toda su pasión, su irracionalidad. Algo salvaje y seductor, hipnótico y también primario, algo de lo que no podría escapar nunca más, lo supe desde el primer momento, volviendo una y otra vez a sumergirme en cada “mancha” que no tenía racionalidad pero era animalmente atractiva. La fe y el azar pueden ser el mayor motor para sobrevivir artísticamente. La formación me parece rígida si es tomada dogmáticamente. Sí creo y defiendo la formación artística como experiencia y es ahí en donde centré mi atención en un principio por curiosidad y luego por determinación. Desde muy joven me acompañaron los talleres que formaron parte natural de mi crecimiento intelectual y sensorial. Mi búsqueda en la música y en el cine también fueron ciertos mojones que enriquecieron mis otros sentidos de una forma decisiva. Nada queda aislado nunca, cada aprendizaje se alinea a otro y así sucesivamente, cada parte toma su lugar hasta que llega el momento de “abrir el telón”.

Sí tengo fé en el resultado de su interacción y en su propia naturaleza ya que cada material que utilizo lo conozco realmente a fondo. Los materiales pueden ser desde pigmentos, ácidos y hasta un simple grafito, pasando por lacas, barnices, etc. El abanico es inmenso y con los años fui expandiéndolo como un bandoneón que expande su fuelle para “tomar aire”. Así también se expandieron las opciones con cada nuevo material que sumaba, dándole más lugar a la diversidad y así más opciones y “aire “ a mis libertades creativas. Tal vez como el rasgo de un alquimista hablando poéticamente. Los materiales en soledad los veo obsoletos, algunos carecen de carácter y en muchos casos hasta de sentido como para ser opciones en distintas propuestas creativas; como si tomara los elementos separados para hacer una torta! Pero también el contrapunto es que su convivencia e interacción pueden hasta crear vida. Eso es lo mágico! Esa es la magia. La vida también me parece enorme, mis obras necesitan tener otro tamaño, necesitan respirar, vivir. Pero todavía no llegue a esa escala buscada en mis sueños. La “gran” obra es la búsqueda permanente.

MCB: Y llega el momento del concepto que, a mi entender, siempre existe en la obra aún cuando el artista crea desconcertó. ¿Cómo te relacionas con la reflexión teórica que vos mismo ejerces sobre tu trabajo: partes de una idea o va apareciendo en el hacer?

SM: Siempre confío en mi instinto, siempre fue y será así. Sólo dejo que suceda lo que tenga que suceder y sí lo que hago es decidir qué elementos van a interactuar entre sí en ese momento especifico y objetivo que es parte de la evolución de la obra. Todo está relacionado y solo lo que tengo que hacer conscientemente es observar lo que ocurre en el soporte o en el objeto intervenido como si estuviese esperando un milagro con una mirada casi de asombro infantil, como cuando observaba la puesta de sol mientras los colores danzaban y jugaban en el cielo hasta desaparecer. En este caso sin desaparecer. El concepto está acechando casi inconscientemente y misterioso observándolo todo desde otro lugar. En el momento de la creación no interviene directamente, pero siempre se que está detrás de cada pulsión gestual que en ese momento es la protagonista, es física es casi animal. El razonamiento aparece en breves destellos para tomar ciertas decisiones y con la noción de que no todo sea azar ya que no tendría un sustento ni una búsqueda real. No le exijo a la obra que “sea”. Ella me permite ser a mí.

MCB: “Mind Games” fue tu última serie y lleva el mismo nombre la muestra que hiciste en Mundo Nuevo Art Gallery en Agosto-Septiembre 2021. Tengo el honor de haberte acompañado en la curaduría y me gustaría compartieras con el lector la experiencia de trabajar una muestra íntegramente en condiciones de confinamiento por la pandemia: ¿Qué te motivó a hacerla, cómo trabajamos, cómo se pensó la estructura, título, montaje de la muestra?.

SM: El honor de trabajar juntos y poder compartir otra bisagra artística en mi vida es totalmente valorado por mí. Todo lo que pasó desde un principio fue respetar la simple respuesta visceral en el momento que ocurrió y la evolución de esta reacción como una forma de supervivencia artística analógica a la vida propia como artista y como ser humano en ese momento especifico que estaba transitando de una forma violenta la sociedad, toda la humanidad. Fue reacción y consecuencia. La motivación no la necesité en ningún momento. Fue como un tsunami en donde la vida y la muerte se sacudieron violentamente. En donde los parámetros sociales cambiaron radicalmente y el miedo tomó el protagonismo como nunca antes observe en mis años de vida. Solo viví la experiencia. El trabajo en conjunto terminó de armar ese rompecabezas guiado por una pulsión pura. El título fue una decisión perfecta, exacta, certera y parte de la letra de Mind Games refleja de una forma casi asombrosa el juego de la mente que todos jugamos y jugaremos por siempre… Todo lo demás, desde la curaduría , la disposición de las obras respetando la impronta del atelier representado en la galería y la fluidez energética de las decisiones puntualmente exactas fue lo que me permitió descansar por un momento y observar desde fuera lo que había sucedido y eso significa siempre mucho para mí como artista. El poder tomar distancia no es simple. Y el trabajo en conjunto me permitió darme ese descanso. La experiencia de Mind Games fue totalmente extraordinaria.

MCB: Un detalle no menor es que tu trabajo se vio involucrado en proyectos que permiten pensar la obra fuera del plano tomando el espacio, participando de sitios específicos, interviniendo arquitecturas, entre otros. Contamos al respecto.

SM: El espacio como concepto siempre esta presente en mi obra y así fue como algunos de varios proyectos que están relacionados a la arquitectura y espacios a gran escala, pude realizarlos conjuntamente con arquitectos y músicos. El primer proyecto fue una intervención de un espacio en Palermo que iba a ser derrumbado para construir un edificio y antes de concretarse la obra, con dos arquitectos del Grupo MIA, improvisamos y decidimos “llenar” todo el interior de este espacio con cortinas de poliuretano creando un laberinto asfixiante, transparente y tapando toda entrada de luz, dejando el lugar en la oscuridad total. Una experiencia lúdica y sensorial, jugando con lasers y efectos de luces y sonidos, creando un ambiente irreal casi fantástico. En otro proyecto también utilizando el espacio vació del pulmón interno del edificio de la Fundación Cassara sobre Av. de Mayo donde colgamos, tomando los 4 pisos a modo de péndulo, un cubo perfecto símil mineral dorado de 1m x 1m con una gran soga trenzada a mano, a su vez sujetada desde la estructura superior del edificio y en la base, separando el cubo de un piso de vidrio por apenas unos milímetros sin llegar a hacer contacto entre ellos. Fue una gran experiencia; algunos proyectos quedaron en stand by y varios proyectos están esperando ver la luz.

MCB: Para cerrar: ¿Cómo definirías a Sebastián Masegosa como artista?

SM: Sebastian Masegosa y sus obstinados juegos de búsqueda insaciable sobre el lienzo. Un artista obsesivo. Un ser que no se conforma nunca como artista, encontrando siempre, sea el precio que sea, los elementos para poder seguir sin saber bien hacia dónde va a ir, pero sí yendo siempre. Con mucha fe y respeto a su intuición y a su pulsión sin abandonar nunca su curiosidad, muchas veces sintiéndose incomprendido y así tomando fuertemente el timón solitario de su nave, entendiendo que en su camino no hay más fe que la que uno puede tener en uno mismo; la infinita sensación de estar en soledad, solo él su arte, solo su arte y él. Esa podría ser su historia. Repetirse no es arte, repetirse es morir, la vida no se repite nunca. Un artista que se repite no es un artista. Sebastián no cree en la creación sin cambios ni accidentes, como la vida misma que es un cambio permanente plagada de ellos. Frente a un espejo o frente a su obra, siempre va estar aquel que desde un inicio buscó, busca y buscara sin saber qué, cómo ni dónde. Y así será hasta que deje esta vida. Del “otro lado” tal vez sea otra historia.

Inauguración MACA – Museo de Arte Contemporáneo Pablo Atchugarry en Punta del Este, Uruguay

2022 01 08 Inauguracion Maca baja 77


MACA -
Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry

En un impactante proyecto de arquitectura de Carlos Ott, inaugura el nuevo sueño de Pablo Atchugarry en Uruguay: Un museo de arte contemporáneo abierto a todo público, con proyección internacional.

pa 4
pa 1

 

Ubicado sobre el km 4.5 de la ruta 104 en Manantiales, donde hoy se encuentra la  Fundación Pablo Atchugarry, el nuevo MACA – Museo de Arte Contemporáneo  Atchugarry – buscará posicionar a Uruguay en el mapa de las grandes exhibiciones  internacionales.

En un proyecto edilicio de más 5.000 m2 diseño del arquitecto uruguayo Carlos Ott, el MACA y el Parque de Esculturas que lo rodea, serán un  atractivo destino turístico y cultural durante todo el año.

Allí se podrá tener una visión general de la obra de Christo y Jeanne-Claude en diferentes formatos: Fotografía, dibujos, collages y  planos. La Fundación editará un catálogo bilingüe español-inglés con una entrevista  íntima con los artistas e imágenes de todas las obras exhibidas en la exposición. En  el edificio anexo al museo montaremos la exposición “Heliografías” de León Ferrari. 

El museo alberga la colección permanente Atchugarry que contiene más de cien  obras de artistas latinoamericanos, americanos y europeos entre ellos Julio Le Parc,  Carlos Cruz Diez, Joaquín Torres García, Ernesto Neto y Carmelo Arden Quin. La programación de extensión cultural del MACA ofrecerá ciclos de cine,  conferencias, seminarios y talleres donde participarán diferentes historiadores y  críticos de la región y del mundo, así aspiramos a que el MACA sea un laboratorio  y centro de reflexión, debates y plataforma educativa.

2022 01 08 Inauguracion Maca baja 75
2022 01 08 Inauguracion Maca baja 78

El MACA inaugura el 8 de enero con una exposición retrospectiva internacional  titulada “Christo y Jeanne-Claude en Uruguay”. Se trata de un conjunto de más de  50 obras provenientes del acervo familiar de los artistas y colecciones privadas que  llega por primera vez a Sudamérica.

Apostamos a un museo  colmado de actividades artísticas, educativas y culturales para todos. Esta gran apertura posiciona a Uruguay en el mapa de los grandes museos  internacionales y, a la vez, potencia el desarrollo de los artistas locales, tanto los  consagrados como los emergentes. Estamos convencidos de que el MACA marcará  un antes y un después en el panorama cultural de la región.

Fotos: Lorena Larriestra y Nicolas Vidal. 


pa 3
pa 5

Entrevista a Heidi Lender fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay. Este año 2021, Leandro Erlich presenta «Semáforos, civilización o barbarie»

unnamed 7 scaled

Leandro Erlich en Campo Art Fest

Entrevista a Heidi Lender, fundadora de Campo Art Fest en Garzón, Uruguay, donde Leandro Erlich presenta, "Semáforos, civilización y barbarie".

unnamed 8

Bajo el calor del verano uruguayo, todos los años, 38 kilómetros al norte de José Ignacio, el pequeño pueblo de Garzón es intervenido por una organización de arte para dar lugar al Campo Art Fest. Se trata de la fundación de arte liderada por Heidi Lender. 

Durante los últimos días de diciembre, el pueblo de 230 habitantes cobra una nueva vida: Los edificios abandonados son reutilizados como espacios de exhibición, las calles se cortan y el pueblo se llena de una vibrante atmósfera de festival. Campo ofrece un diverso cronograma de actividades culturales durante el festival, con propuestas de música, gastronomía y actividades para niños, entre otras. 

Nos reunimos con Heidi para que nos cuente sobre el origen de Campo, y el testimonio que nos brindó fue una crónica de crecimiento personal, de transformación y sanación. “Un día me desperté y supe qué era lo que quería hacer, pero para llegar a ese día fue necesario un largo proceso de curación y crecimiento”. 

Lender, oriunda de New Haven, Connecticut, recuerda que llegó a Garzón por primera vez hace diez años por casualidad. “En ese momento estaba haciendo un viaje con mi novio de entonces por Argentina y Brasil, y decidimos aprovechar para conocer Uruguay. Cuando llegamos a Punta del Este nos dimos cuenta de que era plena temporada y no quedaban alojamientos vacantes. Terminamos en Garzón, después de por supuesto perdernos en el camino, pero cuando nos recibieron fue como atravesar un portal y llegar a un paraíso mágico”. 

“Nos quedamos en una posada donde en la habitación adyacente dormía Francis Malmann, y la noche del 31 de diciembre él invitó a todos los huéspedes de la posada a celebrar el año nuevo con un asado en el campo. Había seis personas más en la posada, así que éramos alrededor de treinta personas festejando. Si Garzón todavía no nos había volado la cabeza, en ese momento lo terminó de hacer”.

 

DSC 4927by NA

“Al día siguiente yo me desperté al alba y me fui a sacar fotos por el pueblo, me enamoré de una casa y ese mismo día empezamos negociaciones para comprarla. La pasamos tan bien que cuando continuamos con nuestro itinerario y llegamos a Brasil, nos miramos y nos dijimos ‘¿Qué estamos haciendo?’, dimos media vuelta y volvimos a Garzón”.

La vida de Heidi hasta ese momento había sido todo men

os predecible, y todavía le quedaba un largo proceso antes de que naciera la idea de Campo. Lender comenzó su carrera primero como periodista cubriendo moda en París, y llegó al puesto de directora de moda de Women’s Wear Daily y W Magazine. Después de eso Heidi viajó por el mundo, vivió ocho años en India practicando Ashatanga yoga bajo la instrucción de Patthabi Jois antes de volver a California en 2007, donde durante un tiempo Heidi tuvo un estudio de yoga secreto en San Francisco. 

Pero en algún momento esas estructuras comenzaron a resquebrajarse, y por debajo una faceta todavía más creativa de Heidi Lender comenzaba a surgir. Fue durante esa época que empezó a incursionar en la fotografía, y fue durante esos años del estudio de yoga en San Francisco que hizo el viaje a Garzón que cambiaría su vida. 

Total autodidacta, Lender supo usar la cámara de fotos para desarrollar una respetable carrera como artista. Hoy en día está representada por Richard Levy Gallery en Albuquerque en New Mexico, Guthrie Contemporary en New Orleans y Black Gallery en Pueblo Garzón. También durante esa etapa Heidi se separó de su pareja y emprendió un largo camino de reconstrucción y de crecimiento que la llevaría al comienzo de Campo. 

El break-up con su pareja dejó a Heidi sintiendo que su vida se había desmoronado y que ella había quedado enterrada debajo de los escombros. Lo describe como un tiempo de depresión y de introspección, durante el cual el proyecto de hacer un autorretrato diario era literalmente lo único que lograba hacerla salir de la cama. “Antes de esta etapa yo siempre me había sentido como una impostora en todo lo que hacía, y por primera vez sentí que estaba haciendo algo que surgía de mí y era algo completamente auténtico”. 

En los años que siguieron, Heidi cuenta que estuvo en todos lados y en ningún lado. Fueron años errantes, durante los cuales recorrió los Estados Unidos de punta a punta más de una vez con la cámara de fotos, pasó por Islandia, vivió un tiempo en Los Hamptons, pero siempre acordándose de Garzón. “Me estaba sanando”.  

“No hay mejor manera de contarlo, un día me desperté y dije ‘ya sé’. Voy a ayudar a otros artistas a que conozcan este lugar y puedan tener este viaje de soledad para conectar con ellos mismos y con otros en Garzón’”. Para ganar experiencia, Heidi inmediatamente consiguió un trabajo en la residencia de arte de UCross Foundation en Wyoming, donde se confirmó lo que ella venía gestando: La residencia iba a tener un programa bien definido, Garzón era perfecto por ser aislado pero la residencia iba a promover un alto grado de conexión humana. Los artistas comerían juntos casi todos los días. A diferencia de UCross, Campo iba a contar con un chef residente, y los artistas son invitados a intentar encontrar una forma de colaborar con la comunidad local de Garzón durante su estadía.

En 2016 se inauguró la residencia de Campo con diez artistas invitados, en un lapso de seis semanas. Hoy Campo cuenta con una junta de asesores, el espacio gastronómico Campo Canteen y el festival que todos los años reúne a decenas de artistas de distintas partes del mundo. “Yo quería que la residencia de Campo ofreciera la misma oportunidad que tuve yo, que fui seleccionada como artista y como una persona creativa para trabajar. Y recibí el regalo de poder trabajar, de no tener que ocuparme ni de la comida y poder crear todos los días”. La residencia de Campo además les ofrece a los artistas invitados un estipendio para pagar el viaje a Uruguay. “Recibir un regalo así me dio ganas de trabajar el triple, y eso fue lo que hice. Me sentía muy afortunada de que alguien en el mundo creyera en mi proceso creativo”. 

 

“Al mismo tiempo yo estaba pensando cómo podía hacer para involucrar a Campo con la comunidad, y cómo hacer para que ganara visibilidad lo que estábamos haciendo, y así fue que surgió el ArtFest. Un artista de Estados Unidos hizo un gran umbral, otra artista de Cuba intervino la estación de tren, y así se fue armando. Hoy en día todo es mucho más sofisticado, fui aprendiendo cada año.”

 

DSC 4634by NA

Hoy en día la filosofía de trabajo de Campo en gran parte está definida por la necesidad de crear a partir de/desde lo que se encuentra inmediatamente disponible.  Es un desafío con el que se encuentran todos los artistas que trabajan en Campo, sean residentes, chefs residentes, o artistas del festival, todos deben aprender a aprovechar lo que se les da al máximo. 

En los últimos años el ARTFEST propone una temática con la cual los artistas son invitados a dialogar con su obra. La consigna para la temporada 2019/2020 “Uncommon Sense: Percepciones Cambiantes + Perspectivas”. La palabra “sense”, “sentido” en español invita a los artistas a invocar la vista, el olfato, el oído, el tacto, o el gusto para cuestionar los límites de la percepción.  Es mediante la articulación de esta premisa con el terreno que los artistas del ArtFest más se lucen. 

La temática de este año 2021 fue ON PROGRESS: reflexiones para seguir avanzando. Los artistas profundizarán en el “progreso” y cómo se relaciona con diversos temas,desde el arte, la religión y la raza hasta el género, la tecnología, el medio ambiente y la interconexión global.

Por segunda vez participa en CAMPO Artfest Leandro Erlich, el reconocido atista argentino -que también vive en Uruguay-. En colaboración con Xippas Galleries, Erlich, este año acompañando la temáctica On Progress presenta una instalación de alto impacto:  ̈Semáforos – Civilización o barbarie ̈. Esta instalación está inspirada en la relación que existe dentro del paisaje urbano con las regulaciones sociales, y de estructura. Al artista le resulta evidente que no se precisen semáforos en lugares como Garzón, sin embargo, a veces nota el empuje del “progreso” tratando de aplicar los órdenes de la ciudad en pueblos pequeños. “Esto lo veo no sólo ridículo, sino una falta de comprensión de la naturaleza de los contextos.Imaginen el día en que tengamos que pagar para estacionar el auto en el campo.”, comenta Erlich en una entrevista con CAMPO. 

DSC 4694by NA
Pablo Albarenga instalacion by Natalia Ayala

En el año 2000 participó en la Bienal del Whitney y respentó a Argentina en la 49a Bienal de Venecia (2001). Vivió y trabajó en París durante unos años, y luego regresó a Buenos Aires. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y bienales de arte en todo el mundo. Es la segunda vez que Erlich participa en CAMPO Artfest: “Yo creo que el primer CAMPO Artfest ya expresó la seriedad y el compromiso ambiocoso del proyecto. Tamibién cristalizó el afán de la comunidad por participar y el deseo de ver un proyecto cultural.” Fundada por la fotógrafa y escritora Heidi Lender, CAMPO es un instituto creativo sin fines de lucro ubicado en Pueblo Garzón que apoya a artistas internacionales y persigue la colaboración intercultural por medio de residencias para talentos de las artes visuales, literarias, musicales y culinarias de todo el mundo. CAMPO ofrece tiempo y espacio ininterrumpidos para el trabajo y la reflexión personal y es la incubadora perfecta para el pensamiento creativo, el intercambio cultural y el compromiso con la comunidad.

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin.

Fotografías:

NA: Natalia Ayala https://alaluzdemisojos.wixsite.com/natayala 

FR: Federico Racchi https://www.lacelebracion.com.uy/federico-racchi 

Guillermo Fernández: https://www.instagram.com/guillermo_ez/?hl=es

HL: Heidi Lender https://heidilender.com


DSC 5040by NA

Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

PACHA 20 scaled

Aerocene Pacha por Tomás Saraceno

En colaboración con Connect, BTS, Aerocene Pacha en Jujuy

La culminación del proyecto de Studio Tomás Saraceno en colaboración con CONNECT, BTS Aerocene Pacha sigue consagrando a Tomás Saraceno como uno de los artistas latinoamericanos más audaces e imaginativos de su generación.

El proyecto de documentar el vuelo une pasajere usando solo energías atmosféricas desafía la clasificación: Es tanto arte ambientalista, hazaña de ingeniería y propuesta de curación de un director de arte de K-pop.

Pero la participación de CONNECT, BTS propone una premisa central que define todas las partes de lo que sucedió en Salinas Grandes el 28 de Enero: “la común unidad; la comunidad.”—Así lo expresó Ruben “Chino” Galián de Inti Killa de Tres Morros, quien terminó siendo un colaborador clave de este proyecto global que se presentó en su localidad de Salinas Grandes.

 

PACHA 10
PACHA 12
Si desglosamos el trabajo presentado en el Centro Cultural Kirchner encontramos que se trata de una colaboración entre tres organizaciones que cumplen cada una un rol distinto: La Fundación Aerocene, encargada del vuelo del Arocene Pacha, la comunidad investigativa Vuela con Aerocene Pacha a cargo de articular el mensaje de la “posibilidad de cohabitar la Tierra de manera ética y sostenible”, y la iniciativa global Connect, BTS cuyo rol en este caso es el de producir la conexión y el trabajo en conjunto de las otras dos organizaciones. 

El vuelo de la escultura voladora marca no solo el primer vuelo humano libre impulsado por el sol, pero también un anhelado hito en la carrera artística de Tomás Saraceno, que lleva 20 años persiguiendo el sueño de volar sustentablemente. Un sueño que por cierto, lo llevó a instancias extremas como fracturarse la espalda en un intento de volar usando un globo aerosol fabricado con bolsas plásticas recicladas. Los colaboradores del Studio Tomás Saraceno reciben la culminación de su trabajo con una profunda emoción a través de la piloto Leticia Márquez, quien aterriza como la campeona que canaliza la euforia de la proeza y como múltiple batidora de récords mundiales. El Studio Saraceno además se ocupó de una serie de producciones audiovisuales que documentan el vuelo con el objetivo de “ver el lanzamiento a través de varias miradas”. El listado de cineastas incluye a Gastón Solinsky, Maxi Liana, Diego Belaunzaran Colombo, Matias Arturo Tarres, Julia Solomonoff y Ana Quiroga por Canal Encuentro, además del equipo audiovisual del Studio Tomás Saraceno. 

Además, la comunidad Vuela con Aerocene Pacha es fundada con el objeto de integrar puntos de vista heterogéneos sobre el proyecto de Connect, BTS y Aerocene. Y en este contexto se invita a las comunidades indígenas de la región a participar en conjunto con la socióloga especialista en extractivismo y derechos humanos. Los representantes de las comunidades indígenas de Tres Pozos, Pozo Colorado, San Miguel del Colorado e Inti Killa de Tres Morros, quienes encuentran coincidencias entre el ethos ambientalista de Aerocene y su tradición de vida en armonía con el medio ambiente articulan un mensaje de protesta contra la explotación de los recursos naturales a través de la minería que se manifiesta en el Aerocene Pacha con el lema “El agua y la vida valen más que el litio”. 

CONNECT, BTS por su parte es una iniciativa global de curadores en Berlín, Londres, Buenos Aires, Seúl y Nueva York con el fin de conectar individuos alrededor del mundo, bajo la propuesta filosófica de BTS “Centrada en la diversidad, el amor y el respeto por la periferia. El credo de BTS se encuentra totalmente permeado en el discurso del megaproyecto Vuela con Aerocene Pacha y es constantemente enfatizado por todos sus colaboradores, sean parte del equipo de Saraceno, el enviado de BTS Daehyung Lee, o algún integrante de las comunidades indígenas locales.

 

En el dia del despegue casi 500 personas se reunieron para ser testigos del hecho en Salinas Grandes, y luego de un desayuno ofrecido por las comunidades locales y de un ritual de agradecimiento a la Pachamama, el globo comenzó a llenarse de aire cada vez más caliente y la piloto logró dar sus primeros pasos en el aire, finalmente elevándose a una altura de 173 metros y recorriendo una distancia de 1,7 kilómetros antes de aterrizar.

Tal vez los más críticos,  se arriesgarán a decir que la obra de Saraceno en esta etapa puede parecer un poco autocomplaciente, sin embargo la hazaña del Studio Tomás Saraceno es sin lugar a duda un enorme paso en la dirección correcta hacia una cultura menos destructiva del ecosistema, y BTS también llega al 2020 posicionado como una fuerza global unificadora que busca romper con estructuras arcaicas de xenofobia, o como parafrasea Tomás Saraceno “Nuestro aterrizaje aquí es un pequeño paso en el aire y un gran salto para el planeta y su clima”.  

Nota por: Iván Martinez Autin y Camila Tapia San Martin

PACHA 11
PACHA 15

Nicola Costantino

Imagen 2 NC

Nicola Costantino

Creadora de experiencias artísticas y gastronómicas Textos: Marina Oybin Fotografías: Gentileza de la artista inolvidables

En un bosque exuberante, exótico, alucinado, cuatro performers, que repre- sentan a seres andróginos, llevan atadas a modo de máscaras antigás la obra Trilogía de bocas (una boca humana de la que sale un hocico de chancho del que cuelga un cogote de pollo), una escultura que Nicola Costantino realizó en 1997.

Con regaderas, los seres andróginos llenan con brebajes verdosos flo- res de cristal que son copas. Uno puede tomar sopas frías de palta con leche de coco, de yogurt y menta o de pepinos, albaca y limón, en esas copas con tallos largos como juncos. Entre esculturas de orquídeas gigantes, un árbol en 3D ofrece frutos de cristal soplado rellenos con gazpacho. 

imagen 1 NC
Foto de la página opuesta: Trilogía de bocas . 1997. Calco del natural de pollo, cerdo y boca humana en silicona.

«Hay plantas carnívoras de las que cuelgan cuencos con rolls. Hay que dejar el protocolo de lado: aquí se come en cuencos de metal, con las manos y con pinzas. El té se sirve en recipientes que son como lámparas de Aladino, diseñados por la artista, quien también construyó una marmita de hierro como las que usaban los alquimistas».

Imagen 5 NC
Costantinopla. Acción gastronómica.
Imagen 3 NC
Costantinopla. Acción gastronómica.

 

Con barroquismo inigualable, Costantino logró subvertir el protocolo. El acto de comer, un ritual compartido y reglado —desde la forma de cocción de los alimentos, la presentación y el orden en el que se sirven hasta el modo en que deben tomarse los utensilios—, aquí deviene experiencia singular. Con alimentos con formas y diseños orgánicos (hongos, flores, frutos, huevos, pimientos de piquillo con forma de lenguas, entre otros), el banquete de Costantino es una experiencia gastronómica y artística inolvidable para los comensales. La pantagruélica cena tiene como elemento central la fuente de la vida de El jardín de las delicias de El Bosco, un símbolo clave en la obra de Costantino (que incluyó también en la instalación El verdadero jardín nunca es verde, en la galería Barro, en 2016). “Si bien la gastronomía evolucionó, la raíz es muy conservadora, incluso la de los mejores chefs. Siempre te sentás a la mesa con cuchillo, cuchara y tenedor. A mí me interesaba dinamitar todo eso: hacer de la experiencia gastronómica algo descontracturado, desestabi- lizante, que lleve a romper algunas convenciones”, cuenta Costantino en diá- logo con Hoornik.

Bajo esa premisa, y con ingredientes que se venden en cualquier repostería en Argentina, Costantino convirtió sus creaciones gastronómicas en arte efímero hipnótico. Con rigurosidad en las proporciones y temperaturas, tras investigar durante mucho tiempo características físico – químicas, sabores y tonalida- des de los ingredientes, logró hacer postres con tramas psicodélicas. “Pueden salir formas inesperadas: responden a un orden que no manejo totalmente y eso es lo que me gusta”, cuenta la artista.

imagen 6 NC
La cena, Muerte de Nicola No1. 2008. Versión mediana: 120 x 180 cm. Edición de 6. Versión grande: 184 x 280 cm. Edición de 3.
Imagen 7 NC
Banquete. Acción gastronómica. Art Basel Cities - CCK
imagen 8 NC
Banquete. Acción gastronómica. Art Basel Cities - CCK
Imagen 9 NC
Naturaleza muerta. Tapiz 2019. Impresión sobre seda natural 100 x 140 cm Edición de 6

Cómo mirar una Fotografía Por Hansel Huang

Cómo mirar una Fotografía

Por Hansel Huang

Un Investigador privado es contratado para seguir una posible teoría de adulterio. La persecución lo conduce a las olas de una playa en Hawaii.
La voz del detective Poirot en mis oídos, directamente una novel Agatha Christie. Y justo cuando tengo la curiosidad de tomarlo demasiado en serio, todo se funde en el olvido. Así me sentí cuando vi “Movimiento” de Juan Lamarca, un tríptico presentado por la Galería Cur8 en Art Basel, Miami. 
Examino las interacciones de las personas que están surfeando en las fotos y los matices entre las tres piezas. Bajo las olas hay una fuerza de agresión pasiva, algo más grande que la vida. 
44A7099 V3 FLAT GRAIN 40x60 sample17x12
44A7488 Edit 10x8
Es un momento interesante para reflexionar sobre la forma en que vemos una fotografía, una década después del lanzamiento de Instagram, el medio de la fotografía ha sido fundamentalmente disruptivo. ¿Cuál es la diferencia entre una fotografía que aparece en una pantalla de 15 centímetros y una que permanece en una impresión de 2 metros de alto? 
Sí, el tríptico de Juan Lamarca bien podría verse como un Boomerang si los ojos de la audiencia van de izquierda a derecha y viceversa. Pero la franqueza de colocar las fotografías en una pared en impresiones de 60 x 40 pulgadas tiene una sutileza y astucia que nos deja reflexionando – se niega a ser interpretado pero nos da la libertad de hacerlo – y de todas maneras, la obra sobrevive nuestro análisis. 

Después de dirigir dos galerías, Ashley Ramos comenzó Cur8 para apoyar una lista de artistas cuyas obras hablan por sí mismos. Ashley tiene buen ojo para los disruptores, muchos de los cuales no comenzaron con un background en arte.

 Es una persona que no se deja engañar por la efímera glorificación de la venta. La forma orgánica de cultivar sus relaciones es a través de un crecimiento sostenido. Como ella dice, tiene que sentirse bien. 

Ashley conoció a Juan en un evento social. Estaba impresionada por su serie “Horse Portraits”; «Los las composiciones y lineas son maravillosas «, comenta. “ Cuando nos conocimos Juan me mostró toda su obra en su estudio, y cuando llegamos a su serie de Océanos ¡Toda su persona se iluminó! ”. Ashely me dice que la fotografía de Juan nos desafía a formar nuestras propias opiniones. Conversamos sobre la Biennal de Whitney, que con todas las buenas intenciones y promesas, termino sintiéndose un poco saturado de opiniones. 

“Cuando vemos algo tan específico como el racismo, todos sentimos algo similar. Porque nosotros ya sabemos cómo sentirnos al respecto «, dice Ashley. «Pero ver una pintura de un solo color, por ejemplo, evoca más emociones y te da la oportunidad de respirar y reflexionar”.

44A7158 V3 80x60 FLAT G 12x17 JL

Nuestra conversación me recuerda al ensayo de Susan Sontag en 1964, «Contra la interpretación» – “ En todos los casos la interpretación de este tipo indica una insatisfacción (consciente o inconsciente) con la obra, un deseo de reemplazarlo por otra cosa «. 

En un mundo del arte que se ha vuelto increíblemente saturado; la nostalgia es el héroe vulnerable que guía la curaduría de la gran mayoría de las galerías en Basel – no hay arte interactivo por ejemplo. Hay una separación del arte que está demasiado calculada o demasiado bien diseñado (para ser Instagrameable). 

Sin embargo, los trabajos de Juan en el show, ya sea el tríptico “Movimiento” o «The Drop», propone una inquietante pregunta: cuando algo tan peligrosamente simple está parado frente a nosotros, sin nadie etiquetado, sin ubicación geográfica, sin hashtag, ¿podemos manejarlo? Si la democratización de la fotografía nos ha enseñado cualquier cosa, debe ser su desprecio por la interpretación. 

A Juan Lamarca no le importa mucho nuestra interpretación de todos modos. Es un día típico de surf. Es simplemente un hombre, a quien le gusta surfear olas y capturarlas. 

44A7645 10x6

De movimientos y resplandores

Leparc5
Julio Le parc
Julio Le Parc, Ondas 110 n8, 1974, Cortesía Atelier Julio Le Parc.

De movimientos y resplandores

Julio Le Parc

Nadie recuerda algo parecido. Julio Le Parc propuso que el público vote si deseaba que la maravillosa obra Esfera azul fuera donada al CCK (Centro Cul- tural Kirchner) por él mismo. El público expresó su opinión favorable y, desde diciembre 2016, la espléndida pieza forma parte del patrimonio de la Nación Argentina; pertenece a todos. El imponente y luminoso móvil está compuesto de 3.500 placas de acrílicos azules translúcidos y tiene 4 m. de diámetro. Las luces del entorno se reflejan en la esfera que, con su movimiento, multiplican y hacen danzar las formas del hall central de antiguo Correo Central donde está emplazada. Las provocaciones y combinaciones ópticas convierten a la pieza en ineludible foco de atracción y dan la bienvenida a los visitantes.

Precisamente, el CCK será una de las sedes del Homenaje nacional a la trayec- toria del consagrado artista -con dirección artística general de su hijo menor Yamil Le Parc, director de Atelier Le Parc (París)- que se realizará conjuntamen- te con el Museo Nacional de Bellas Artes y el Centro de Experimentación del Teatro Colón; coronado con una publicación monográfica sobre su pródiga obra.

Julio Le parc2

DESTELLOS DE UNA BIOGRAFÍA

Investigador del movimiento y de la luz, Julio Le Parc (Mendoza, 1928) vive en Francia, donde se instaló en 1958 con una beca del gobierno francés, haciendo el viaje inverso de su abuelo paterno que había cruzado el océano a fines del siglo XIX. En París encuentra a muchos expatriados latinoamericanos pero, también, allí conoce a Victor Vasarely, Georges Vantongerloo, entre otros, y se interesa en la exploración de la percepción a través del arte óptico.

Aunque ya había comenzado a experimentar con la abstracción, en Francia toman fuerza sus investigaciones en pinturas que creaban una ilusión óptica. Luego, no se conforma con representar el movimiento, sino que lo incorpora directamente. Incluye en sus obras partes que se mueven a través de meca- nismos motores o manuales, por efectos ópticos y lumínicos, y por las inves- tigaciones para lograr el movimiento, que el viento impulsa en las esculturas al aire libre. La participación y el punto de vista del observador -“sujeto de ob- servación para otros espectadores”- forman parte determinante de su obra. En el inicio, su interés por el arte se profundiza gracias al encuentro con Lucio Fontana -creador del “espacio ilusorio” a través de perforaciones reales en el plano pintado-, que fuera su profesor de dibujo en una secundaria de la calle Cerrito en Buenos Aires, ciudad a la que había llegado a los 13 años con su madre y sus hermanos. Entonces, en los años ’40, también conoce la propues- ta de varios artistas constructivos, que desean eludir la representación de la realidad y las huellas de subjetividad. Por esas cosas del destino, los maestros Fontana y Le Parc coincidieron, a comienzos de 2019, en sendas muestras en el museo Metropolitan de Nueva York.

Hace unos años, en conversación con esta cronista, Le Parc recordó que fue obrero de una marroquinería y que abandonó la enseñanza formal en 1947, no sin antes conocer los murales de las Galerías Pacífico realizados en 1946. Muchos años después, a propósito de una espléndida intervención artística en Plaza de las Artes del Centro Cultural Borges (Galerías Pacífico) confesó que con sus compañeros iba a curiosear mientras los muralistas -Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro, Lino Enea Spilimbergo y Demetrio Urruchúa- pintaban: “fueron parte de mi formación como artista”. En 1954 ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes deseoso de modificar algunos parámetros del mundo del arte.

El compromiso de cuestionar el papel del arte y del artista en la sociedad se reafirma en 1960, cuando junto a otros artistas, Le Parc funda el Grupo de Investigación de Arte Visual (Groupe de Recherche D’Art Visuel). En su mani- fiesto sostienen que “la noción del artista único e inspirado es anacrónica”. Fiel a estas palabras, Le Parc es uno de los creadores más accesibles del medio artístico, quizá porque tampoco olvida su origen proletario.

Se destaca tempranamente creando cajas de luz con movimiento, pero no deja la pintura y en 1966 obtiene el Gran Premio Internacional de Pintura Bienal de Venecia, con obras que crean la ilusión de movimiento por la repetición en serie del mismo motivo plástico, por las sutiles variaciones en tamaño, forma, fondos.

 

Julio Le parc 3
Continuel mobile, 1965/2013, palais de Tokyo, Paris

Las citadas piezas, junto Esfera azul de CCK y la recién instalada Mobile Sphère Orange en Fundación Atchugarry (Punta del Este), inducen a la dislocación de la visión y permiten verificar cómo, según la circulación de los observadores, varían las relaciones entre geometría, espacio y cuerpo, entre colores y for- mas vibrantes.

Su firma y diseños son cada vez más requeridos. El desarrollador Jorge Pérez instituyó el premio de escultura “Julio Le Parc”, que ganó en 2017 la artista argentina Marie Orensanz. Rutini Wines ideó el vino Antología Julio Le Parc, con racimos de malbec de su provincia natal, con packaging inspirado en su obra cinética Desplazamiento (1965). En tanto, Colección Amalita (Fortabat) presentó la muestra Variations autour de La Longue Marche, propuesta del artista para Hermès Éditeur para creaciones con copias únicas de pañuelos de seda, a partir de las seis pinturas de formas y colores vibrantes de La longue marche (1974-75).

Julio le parc3
Forme en contorsion sur trame, 1966
Leparc6
Gouche project coleur n1, 1958
Leparc5

LOS HOMENAJES

Le Parc tiene un sentimiento de inconmensurable alegría por saberse profeta en su tierra. Ahora, en el marco del Homenaje nacional a su trayectoria, el CCK despliega en 3.000 m2 la exhibición inmersiva Julio Le Parc. Un visionario, con curaduría de Gabriela Urtiaga. La retrospectiva recorre 60 años de investi- gación con la luz, la pintura, la escultura y experiencias participativas.

A propósito de su obra -“gran sinfonía de luz en movimiento”, en palabras del experto en arte latinoamericano Hans-Michael Herzog-, en la fantástica sala sinfónica la Ballena azul, el maestro sostendrá un diálogo creativo con el ce- lebrado pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. No es casualidad, la musicalidad de su trabajo hace inevitable el Proyecto Le Parc, caracterizado como un encuentro de las artes visuales y la música en el Centro de Experi- mentación del Teatro Colón.

Otra parte del homenaje se desarrolla en el Museo Nacional de Bellas Artes, al que el artista vuelve tras su retrospectiva del año 2000. El Pabellón de ex- posiciones temporarias exhibe Julio Le Parc. Transiciones Buenos Aires-París, 1954-1959 con curaduría de Mariana Marchesi. Son obras históricas realizadas antes de su viaje a París, en las que se percibe cómo tras iniciarse en la figura- ción asoman sus investigaciones hacia la abstracción.

Así las cosas, es evidente que acertó la adivina pelirroja que, cuando Le Parc tenía 17 años, le auguró muchos viajes y éxitos.

cck ball

La comunidad y las artes visuales

Nota 10

Fotografía de José Ángel Mateos

La Comunidad y las Artes Visuales

Cuando se creó el Monte de Piedad el 23 de mayo de 1878 -casa de empeño y antecedente del Banco Municipal y del actual Banco Ciudad-, Buenos Aires no había sido federalizada. “El contorno total del país estaba aún por definirse. Surgió para combatir la usura mediante préstamos de dinero sobre objetos diversos a un interés menor que el de plaza, orientado a actuar sobre las di- ferencias sociales”, tal como reza la historia del Banco, que tiene Biblioteca y Museo Histórico del Banco Ciudad “Monte de Piedad”, en Boedo 870.

¿Habrán imaginado sus fundadores que con el correr de los siglos el Ban- co Ciudad incluso tendría una importante incidencia en las artes visuales? El Banco Ciudad y su Fundación multiplican sus acciones en relación al arte. Más allá de las obras empeñadas u ofrecidas en los remates (a la vista en Esmeral- da 660), realizan muestras, auspician otros espacios, compran obras, organizan concursos y otorgan premios.

Nota 10
Nicolino Locche por Martha Pelu o.

Por caso, en homenaje al centenario del nacimiento del líder sudafricano Nel- son Mandela en 2018, el Banco Ciudad y su Fundación, junto a Fundación La Nación, donaron a la Ciudad un retrato hiperrealista realizado por Javier de Aubeyzon.

A propósito de arteBA, como hace años el Banco tiene presencia en la feria con un stand y forma parte del programa de adquisiciones para museos na- cionales. Las muestras individuales -como las de Olga Autunno y Lucía Pacen- za en 2018 o las programadas para 2019: Alicia Díaz Rinaldi. Graciela Zar, Jorge Álvaro, entre otros- se realizan en el espacio Caja de Cristal de la casa matriz, Florida y Sarmiento.

Nota7
José Ángel Mateos.

Las exposiciones colectivas se vinculan con los premios que organizan, como las del popular concurso fotográfico Gente de mi ciudad, abierto a profesionales y/o aficionados de la fotografía artística. Las seleccionadas, entre 5.000 presentadas el año pasado, capturan la vida misma, retienen en sus fotografías usos y costumbres, aspectos del patrimonio cultural y arquitectónico porteño, escenas de la vida cotidiana en León de La Boca, 2018, de José Ángel Mateos.

Tras ser exhibidos, los Premios Adquisición Banco Ciudad pasan a engrosar la Colección que suma 256 obras marcando momentos importantes del arte argentino. Tiene como propósito “favorecer la visibilidad y circulación de las obras, que se completan con la mirada del observador”, entre ellas la de Mar- tha Pelu o; aquí Nicolino Locche, 1969.

La Colección suele viajar por la ciudad y distintos puntos del país. En noviem- bre pasado, el Museo Nacional de Bellas Artes organizó Colecciones en diá- logo, un encuentro entre obras pertenecientes a los patrimonios del Museo y del Banco, que exhibió, entre otras, pinturas de Horacio Butler, Juan Carlos Castagnino, María Martorell con una investigación geométrica abstracta: Para- lelas en movimiento, 1971. Piezas de consagrados y novísimos de la Colección -Antonio Berni, Nicolás García Uriburu, Diego Bianchi, Pablo Ziccarello, entre otros- viajaron al Museo de Arte Contemporáneo de Salta para participar en Figurados: de la nueva figuración a la fotografía escénica, una conversación entre pintura y fotografía.

Tras su remodelación, la FotoGalería del Teatro San Martín, creada por Sara Facio, fue renombrada como FotoGalería Banco Ciudad – Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). Un nuevo comité curatorial conformado por los recono- cidos fotógrafos Rosana Schoije , Bruno Dubner y Ariel Authier puso en valor imágenes blanco y negro de Lucrecia Plat y Carlos Guinzburg.

Nota 9
Lucrecia Prat

Bal Harbour, para hacer y ver en la milla más exclusiva de Miami

BH aerial1 1 scaled

Bal Harbour
Miami

Para hacer y ver en la milla más exclusiva de Miami

Bal Harbour, Miami, es un sofisticado destino reconocido por la increíble experiencia de compras en Bal Harbour Shops, el más productivo del mundo en ventas por metros cuadrados. Asimismo alberga a elegantes hoteles frente al mar y exquisitos restaurantes. Es la verdadera Riviera Americana, con una increíble playa y una atmósfera cordial y refinada. Es el refugio más moderno del Sur de Florida, donde los actuales esfuerzos se centran en elevar la escala de lujo en todas sus operaciones. Posee una ubicación privilegiada, ya que se encuentra lo suficientemente cerca de la acción como para sumarse a la precipitada actividad nocturna y a la vez lo suficientemente lejos de la agitada noche de South Beach como para sentirse en un sosegado paraíso.

Quarzo Hotel exteriores
Waters Edge Wide Shot
Partial Ocean View One Bedroom Suite
DSC6371dcF2X compressed

# 1 – su playa

Allí  la sensación es que una pequeña porción de ella es solo tuya. , es tranquila e ideal para descansar. En las prístinas y blancas arenas cuidadosamente mantenidas se puede gozar de un pintoresco paseo junto al mar a toda hora. Hay un extenso espacio verde cuidado y diseñado casi escenográficamente que separa el ambiente natural y la playa de las edificaciones. Si senda peatonal es ideal para ejercitarse a cualquier hora del día, un bello recorrido que puede llevarlo hasta South Beach atravesando varios vecindarios.

# 2 – sus hoteles

Son una verdadera muestra de la sofisticación del destino, presentan una equilibrada variedad para todos los gustos y presupuestos. Desde el St Regis Resort Bal Harbour,  que sigue siendo el líder en el mercado de lujo de Florida, sus habitaciones y Suites además de ser espaciosas cuentan con balcones mirando al océano de 20 metros cuadrados y su servicio de Mayordomo que lo hacen único. Recientemente recibió la categorización 5 estrellas de la Guía Forbes por sexto año consecutivo y la condecoración 5 diamantes, distinciones que lo posicionan en lo más alto de la hotelería de Miami.

Asimismo el maravilloso The Ritz Carlton Bal Harbour, único en su estilo por poseer habitaciones en exclusivos semipisos todas remodeladas en 2018, con vistas increíbles a la bahía y al océano y su increíble colección de arte distribuida por sus amplias áreas publicas valuada en 3 millones de dólares.

El icónico Sea View Hotel, donde un alto porcentaje de sus huéspedes son argentinos que lo eligen para estadías prolongadas y en familia. Cuenta con una ubicación privilegiada sobre la playa y frente a Bal Harbour Shops.

Y por último, el boutique Quarzo Hotel, que ofrece una excelente propuesta de “estudios” con cocina, para aquellos que buscan un hogar fuera del propio. Localizado sobre el canal a 150 metros de la playa con servicio propio.

R450EDIT

#  3 – su escena gastronómica

Crece con propuestas novedosas y forma parte del circuito gourmet y de Socialités locales e internacionales.

Atlantikós, la novedosa propuesta de cocina griega en St Regis Bal Harbour,  con especialidades  de la cocina mediterránea. Posee un área al aire libre y maravillosas vistas al mar. Esta nueva propuesta de cocina Mediterránea con fuerte influencia griega, fue inspirada en los mejores restaurantes de las islas  Griegas.

La delicia  de la cocina Moderna Japonesa de  Makoto, uno de los “hot spots” de la escena gourmet de Miami. Localizado en Bal Harbour Shops, y de ambientación minimalista bajo una luz tenue, este debe ser uno en la lista de “Must Go” en el próximo viaje a Miami.

Artisan Beach House, en The RitzCarlton Bal harbour. Elegido en el 2018 como el restaurante de Miami con mejor vista al océano.   El menú es variado, delicioso  y sus platos poseen influencia global. Este fantástico lugar para gourmets, es un oasis frente al mar, con una sala luminosa y bien ventilada que recuerda la década de los años 30 en Palm Beach.

Una auténtica cocina gourmet Americana,  se puede encontrar en Hillstone Restaurant  at Bal Harbour Shops.  Su imponente cocina a la vista desde el exterior del restaurante atrapa. Su carta sorprende con creativas interpretaciones de la cocina moderna americana. Hamburguesas gourmet, costillas barbeche y pescado fresco con gran variedad de ensaladas para acompañar. Este restaurante define su propuesta  como cocina moderna americana gourmet, bien servida y en un maravilloso entorno.

Con sabor a Italia, Carpaccio, el lugar para ver y ser visto.

Es el restaurante italiano más frecuentado por el público local y el turismo internacional. Su ubicación  en la entrada de Bal Harbour Shops le ha valido  ganarse fama mundial entre socialités y celebridades.

Un contemporáneo con acento local, Santa Fe News & Espresso está ubicado en el segundo nivel de Bal Harbour Shops y es el favorito de la elite de la  moda. Este pequeño establecimiento, con capacidad para 30 personas, ofrece comida argentina, como empanadas, pastelitos y alfajores, y es famoso por tener el mejor espresso de la ciudad. El puesto de periódicos, con su selección internacional de diarios y revistas de gran diversidad desde Le Figaro hasta ¡HOLA!

#4 – su exclusivo Mall, Bal Harbour Shops

Las compras son el tercer motivo por el cual los turistas vistan la ciudad de Miami, según estadísticas de su Bureau de turismo y no podíamos dejar de mencionar  Bal Harbour Shops,  uno de los lugares más lindos y  exclusivos de Miami.  Un mall  al aire libre, donde se concentran alrededor de 120 tiendas de marcas de lujo para los “fashionistas” y los que buscan una experiencia de compras diferente.

Quienes lo visiten se encontrarán siempre con  marcas nuevas  como  Santoni, Aquazzura, Phillip Lim, Gianvito Rossi, Iro, Diptyque  & Moncler, que se  suman  a las grandes marcas internacionales como Prada, Fendi, Armani, Alexander McQueen, Chloé, además de las tiendas Neiman Marcus & Saks Fith Ave. También podrán apreciar la expansión del nuevo local de Harry Winston y de Ferragamo  que se inauguraron tiempo atrás y la de Versace que se inauguró fines de 2018. El Mall se encuentra en un proceso de expansión que tendrá su finalización en dos años aproximadamente.  Mediados del año pasado en su tercer piso se inauguró el primer local de la chocolatería argentina Vasalissa, siendo este el primero en Estados Unidos.

www.balharbourshops.com

# 5- paseo por museos, galerías de arte & colecciones privadas

Quienes se hospedan en los cuatro hoteles de Bal Harbour, reciben la tarjeta de museos que le permite el ingreso gratuito a los principales museos y galerías de la ciudad de Miami. Visitar el Peréz Art Museum Miami, es una experiencia increíble para los amantes del arte latinoamericano. Un maravilloso y moderno enclave en las orillas de Biscayne Bay, con una terraza para comer algo rápido, y un jardín vertical que vale la pena ver.

Otros de los museos que participan son: Moca, Bass, Wolfsonian, Cisneros Fontanals Foundation, De La Cruz Contemporary Art Space, The Margulies Collection at the Warehouse, ICA, MCD. Impredible The Rubell Family Private Collecton at the localizado en el pintoresco distrito de arte, Wynwood, downtown Miami. En breve se sumara el recientemente inaugurado Patricia & Philipp Frost Science Museum, que promete ser el Disney de la ciencia.
stregis2
stregis5

“Personal Structures-Identities” por el European Cultural Centre durante la Bienal de Venecia

Andrea Fried Austerity 190 x 143 cm Acrilico sobre Tela 2018

EXPOSICIÓN PERSONAL STRUCTURES - Identities

European Cultural Centre

ECC

La quinta edición de la exposición de arte  en el marco de la bienal de Venecia «PERSONAL STRUCTURES” – IDENTITIES« (11 de mayo – 24 de noviembre), organizada y apoyada por el European Cultural Centre de Italia, pronto abrirá al público . La exhibición será inaugurada los días 9 y 10 de mayo de 6:00 pm a 10:00 pm en Palazzo Mora y Palazzo Bembo y de 5:00 pm a 8:00 pm en Giardini Marinaressa. Junto a las inauguraciones, se llevarán a cabo una serie de performances y charlas organizadas por los artistas en nuestras locaciones.

La exposición presentará una amplia selección de obras de artistas emergentes, artistas reconocidos internacionalmente, fotógrafos, escultores y proyectos de instituciones académicas de todo el mundo, ilustrando las diferentes reflexiones subjetivas sobre los tópicos  “Tiempo, Espacio y Existencia» y sobre el concepto de identidad.

El resultado es una exhibición grupal heterogéneo y estimulante que tiene como objetivo generar pensamientos y reflexiones sobre nuestras vidas.

Desde 2002, el proyecto «Personal  Structures» ha sido concebido no solo como una plataforma abierta donde los artistas pueden presentar sus obras, sino también como un centro cultural donde se documenta y promueve el arte contemporáneo a través de exposiciones, simposios y publicaciones.

Nos complace revelar la selección final de los artistas participantes en  «PERSONAL STRUCTURES – IDENTITIES»

PERSONAL STRUCTURES – Identities (11 de mayo – 24 de noviembre de 2019) horario de apertura:

Palazzo Bembo y Palazzo Mora: 10:00 am – 6:00 pm. Cerrado los martes. Entrada libre.

Giardini della Marinaressa: 10:00 am – 6:00 pm abierto todos los días. Entrada libre.

Preview de prensa (bajo pedido): 9 y 10 de mayo de 2019, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Evento de apertura: 9 y 10 de mayo 6:00 pm – 10:00 pm  Palazzo Mora y Palazzo Bembo

 5:00 pm – 8:00 pm Giardini della Marinaressa

¨Andrea Fried, participa con su obra Austerity en el Palazzo Bembo, Riva del Carbon #4793.¨

Además, ECC-Italia se complace en presentar nuevamente una selección de pabellones nacionales de La Biennale di Venezia. Este año renovamos la colaboración con los países de Seychelles y Kiribati y tenemos el honor de presentar por primera vez el Pabellón de Mozambique en el Palazzo Mora.

Las inauguraciones de los pabellones contribuyen a enriquecer el programa de charlas y actuaciones organizadas por los artistas de Personal Structures para las jornadas de apertura. Te invitamos a ver a todo el programa.

PALAZZO BEMBO

Ika Abravanel (ISR) • Detlef E. Aderhold (DEU) • Mark Amerika (USA) • Anoma (LKA) Nobuyoshi Araki (JPN), • Murielle Argoud (CHE) • Art Gallery Tolstoy (RUS) • Atelier Morales (FRA) • Cheryl Goldsleger – Augusta University (USA) • Laila Azra (IDN/SGP) Mario Basner (USA) • Curator’s Voice Art Projects (USA) • Manfred Bockelmann (AUT) Francois Bonjour (CHE) • Annette Bonnier (USA) • China Blue (USA/CAN) Solan Chiu (HKG) • Vio Choe (KOR) • Jeongyun Choi & SON IL (KOR) • Young Min Choi (KOR) • Lori Cuisinier (USA) • Deakin University – David Cross and Cameron Bishop, Public Art Commission (AUS) • Giò Di Busca (CHE) • John Doing (CHE) • Nina Dotti (YV) • EVA (RUS) • Andrea Fried (ARG) • Hideharu Fukasaku (JPN) • Justin Garcia (USA) • Sarah Gold (NLD) • Christopher Griffith (USA) • Marinka Groendel (NLD) • Teo Chai Guan (SGP) • Tilney Hardiment (GBR) • Camomile Hixon (USA) • Julie Hsieh – Yen-Fu Kuo & Chien- Hsing Lien (TWN) • Hélène Jacubowitz (BEL/ISR) • Xuan Jing & Sharon Tsai (TWN) Ervin A. Johnson (USA) • Georges Kachaamy – American University of Dubai (LBN), Jessica M. Kaufman (USA) • Virginia King (NZL) • Helen Kirwan (IRL/GBR) • LL Editions Sam Nhlengethwa, Nandipha Mntambo, Blessing Ngobeni & Mbali Dhlamini (ZAF/SWZ) Sérgio Leitão (PRT) • Eric J. Lee (USA) • Zinaida Lihacheva (UKR) • Sherman Lin (CHN) Davor Ljubicic (DEU) • Olga Lomaka (RUS) • Frank Mann (USA) • Arnaud Nazare-Aga (FRA) • Karl Ohiri & Riikka Kassinen (GBR/NIG & FIN) • Hans Christian Ohl (DEU) • Helga Palasser (AUT) • Martina Reinhart (AUT) • Jim Rattenbury (ESP) • Orestis Seferoglou (GRC) • Claudia Schildknecht (CHE) • Eva Schjølberg (NOR) • Tineke Smith (NLD)

Wanda Stang (DEU) • Wendy Steiner (CAN/USA) • Betty Susiarjo (IDN) • Hanna Ten- Doornkaat (GBR) • Gotlind Timmermanns (DEU) • Lincoln Townley (GBR) • Federico Uribe (COL) • Dr. Héctor Valdés (CHL) • Marc Vinciguerra (USA/FRA) • Wendy Wahl (USA) Wild Flag Studios (CAN/GBR/USA) • Salma Zulfiqar (GBR).

PALAZZO MORA

Aamir Habib & Noor Ali Chagani – Antidote Art & Design (PAK) • Academy of Fine Arts in Warsaw (POL) • Emiko Aida (GBR) • Leca Araujo (BRA), (AU) – Arvee, Meg den Hartog Naerebout, Vanhorck (NDL) • Petra Barth (USA/DEU) • Katerina Belkina (DEU) • Patrick Bermingham (CAN) • BIRDSEYE – Brian J. Mac, FAIA (USA) • Marcus Bleasdale (GBR) William Bloomfield (USA) • Eyenga Bokamba (USA) • Peter Bracke (BEL) • Aliette Bretel (PER) • Brooklyn NY Art Wave (JPN/USA) • Christopher Capriotti (USA) • Adriana Carambia (ARG) • Esteve Casanoves (ESP) • In Hyuk Choi (SKO) • Insook Choi – Salford University (KOR/UK) • Bob Clyatt (USA) • Jacopo di Cera (ITA) • Barbara Downs (USA) Mark Dziewulski (UK) • Alberto Echegaray Guevara (ARG/ESP) • EVA & ADELE (DEU),VALIE EXPORT (AUT) • Feromontana (AUT) • Jared FitzGerald (USA/CHIN) Puma Freytag (CAN), Andras Gal (HUN) • Erin Genia – MIT (USA) • Beatriz Gerenstein (USA) Sarah Gold (NLD) • Elena Gual Baquera (ESP/GBR) • Gunnar Gundersen (NOR) • Joan M. Hall (USA) • Karin Hannak (AUT) • Carl Martin Hansen (NOR) • Kathryn Hart (USA) Juergen Haupt (DEU) • Elizabeth Heyert (USA) • HIHEY (CHN) • Yumiko Hirokawa (JPN) Ania Hobson (GBR) • Jean-Marc Hunt (GLP) – Joël Nankin (GLP) & François Piquet (GLP) • IMAN – Instituto Mazeredo de Arte Nova (BRA) • Jon Jaylo (USA) • Igor Josifov

(MKD) Shunsuke Kano (JPN) • Lina Karam (FRA) • Azad Karim (SVN) • Miwako Kashiwagi (JPN) • Nadia Kisseleva (RUS) • Ute Krautkremer (DEU) • Jan Kuenzler (DEU) Anne Kuhn (FRA) • Marietta Patricia Leis (USA) • Ping-Cheng Liang (TWN) • Norma E. Lopez (COL) Loughborough University (GBR) • Lorenzo Maria Monti (ITA) • Stephan Marienfeld (DEU) Walter Markham (USA) • Marcello Martinez Vega (DEU/ECU) • Walter McConnell (USA) Joseph McDonnell (USA) • Chris McMullen (USA) • Pamela Merory Dernham (GBR) – Cyrus Tilton (GBR) & Sanjay Vora (GBR) • James Michalopoulus (USA) Lorenzo Maria Monti (ITA) • Niwako Mori (JPN) • Müller & Sohn Art Projects (DEU) Museum of Contemporary Art of Castilla la Mancha (ESP) • Soraya Abu Naba’a (DOM) Raffy Napay (PHL) • Jackie Neale (USA) • Hermann Nitsch (AUT) • Reka Nyari (USA) Jan Oberg (SWE) • Natalia Ohar (UKR) • Yoko Ono (JPN) • Roman Opalka (POL) • Gregory Orekhov (RUS) • David Pace (USA) • Tomasz Padło (POL) • PAPER Pavilion (GBR) Maria Pavlovska (RUS) • Daniel Pešta (CZE) • Christine Kowal Post (GBR) • POW Ideas (MYS) Olga Marie Polunin (SGP) • Martin Praska (AUT) • R. Berte & Dr. M. Proepper (DEU) PSJM (ESP) • Arnulf Rainer (AUT) • Lilibeth Cuenca Rasmussen (DEN) Patricia Reinhart (USA) • Rene Rietmeyer (NLD) • Iggy Rodriguez (PHL) • Herb Rosenberg (USA) • Yoshiko Saito (JPN) • Brigitte J. Schaider (DEU) • Sarah Schrimpf (DEU) • Joakim Sederholm (FIN) • Martine Seibert-Raken (DEU) • Bianca Severijns (NLD/ISR) • Antonio Sorrentino (ITA) • Samuel Stubblefield (USA) • Studio Palazzo Inzaghi – Irmfried Windbichler, Ruth Riedl & Jolana Skacel (AUT/EU) • Isaac Sullivan (USA) • Sung-Kyun – Goo & Vania Oh (KOR) • Merab Surviladze (BEL) • Toto Takamori (JPN) • Sho Tsunoda (JPN) • Katja Tukiainen (FIN) • Urban Studies Lab – UDDI – Federico Puggioni (THA) • Judith Unger (USA) • Guy Van den Bulcke (BEL) • Sanja Vatic & Daniela Danica Tepes (SVN) • Arika Von Edler (USA) • Maxim Wakultschik (BLR/DEU) • Val Wens & Tony Bond (IDN/AUS) Ariela Wertheimer (ISR) • Willem de Kooning Academy (NLD) • Maria Wolfram (FIN) • Lu Xinjian (CHN) • Rada Yakova (NLD) • Karou Yamamoto & Kouji Ohno (JPN) • Purvis Young (USA) • Andre Chi Sing Yuen (DEU) • Meng Zhou (CHN).

GIARDINI DELLA MARINARESSA

Masoud Akhavan (IRN) • Carole Feuerman (USA) – Laurence Jenkell (FRA/ISR) • Idan Zareski (FRA/ISR) presented by Bel Air Fine Art, Richard Bell (AUS) • Nadim Karam (LEB) Anton Kerscher (DEU) • Georg Loewitt (AUT) • Olga Lomaka (RUS) • Clifton Manghoe (NLD) • Manuela Mollwitz (DEU/CHE) • Kumari Nahappan (SGP) • NONOS – Mercedes & Franziska Welte (DEU) • Gregory Orekhov (RUS) • Andreas Rimpel (DEU) • Barbro Raen Thomassen (NOR) • George Tobolowsky (USA) • Tristan Vyscok (FRA) • Maritta Winter (DEU/CHE).